Além do Arco-Íris - Além do Êxtase da Arte

Martin Drolling, Küchenintérieur, undatiert.

Kunstmuseum St. Gallen

St. Gallen - Suiça

7 julho - 28 outubro, 2012

René Auberjonois, Josephine Baker, Matthew McCaslin, Surfing, 1997, Floorpiece, 1996.

"Somewhere over the rainbow ..." é o refrão da famosa canção dos anos 1930. Cantando sobre um lugar mágico, que só pode existir em uma canção de ninar, onde o céu estava azul e sonhos se tornariam realidade.

Johannes Jakob Nüesch, Aus sorgenlosen Tagen, 1903.

"Somewhere over the rainbow ..." is the refrain of the famous song from the 1930s. Singing of a magical place, as it can exist only in a lullaby, where the sky was blue and dreams would come true.

Gottlieb Emil Rittmeyer, Stubete auf Alp Sol, 1865.

A pintura 1884 de Konrad Grob (1828-1909)  Lucky Mother mostra uma jovem sentada com um bebê nos braços, ao lado de uma fonte borbulhante em um prado florido, enquant ela  abraça amorosamente um segundo filho : uma imagem de felicidade familiar.

Barbara Signer, Le nuage que j'aii suivi (LeTrucVert), 2012.

The 1884 painting by Konrad Grob (1828-1909) Lucky Mother shows a young woman sitting with a baby in her arms, beside a gurgling fountain in a flowering meadow, while a second child she lovingly embraced: a picture of familial bliss.

Edouard Vallet, Taufe im Wallis, 1910.

A arte do século 19 é cheia de momentos alegres de tais representações e cenário idílico. Muito estimados em seu tempo, pausar as representações de um mundo ideal, do ponto de vista de hoje é quase transfigurado e irreal. E, de fato, é nas pinturas populares de Martin Drolling (1752-1817), Konrad Grob, Jakob Johann Nuesch (1845-1895) e Emil Gottlieb Rittmeyer (1820-1904), seu lendário   Stubete on the Mountain Sol (1865) poderia ser descrito como uma imagem programada da época - em essência para tornar-se uma fuga da realidade sombria do século 19  face da industrialização e a urbanização.

Yael Bartana, Wild Seeds, 2005.


The art of the 19th Century is full of joyful moments of such representations and idyllic scenery. Highly esteemed in their time, mute the representations of an ideal world, from today's perspective to almost transfigured and unworldly. And indeed it is in the popular paintings of Martin Drolling (1752-1817), Konrad Grob, Johann Jakob Nuesch (1845-1895), and Gottlieb Emil Rittmeyer (1820-1904), his legendary Stubete on the Mountain Sol (1865) could be described as a program image of the era — in essence to becoming an escape from the gloomy reality of the 19th Century in the face of industrialization and urbanization.

Johannes Jakob Nüesch, Gute Freunde, 1874.

Mas não foi apenas a arte do século 19 que cantou a felicidade. Esta exposição também evoca Over the Rainbow para os momentos atuais de felicidade na arte contemporânea..

Hodler, Lied aus der Ferne, 1906.

But not only did 19th-century art sing of happiness. The exhibition evokes Over the Rainbow as much for current moments of happiness in contemporary art.

Georg Gatsas, Dancer III, 2009 2011.


Artistas na exposição incluem:  Cuno Amiet, Yael Bartana, Candice Breitz, Karin Buhler, Martin Drolling, Georg Gatsas, Giovanni Giacometti, Felix Gonzalez-Torres, Konrad Grob, Ferdinand Hodler, Max Liebermann, Lutz'Guggisberg, Barthelemy Menn, Johann Jakob Nuesch, Sebastian Oesch, Gottlieb Emil Rittmeyer, Barbara Signer, Carl Spitzweg, Beat Streuli, Eduard Vallet, u.a.m.

Georg Gatsas, Dancer I, 2008 2011.


Artists in the exhibition include: Cuno Amiet, Yael Bartana, Candice Breitz, Karin Buhler, Martin Drolling, Georg Gatsas, Giovanni Giacometti, Felix Gonzalez-Torres, Konrad Grob, Ferdinand Hodler, Max Liebermann, Lutz'Guggisberg, Barthelemy Menn, Johann Jakob Nuesch, Sebastian Oesch, Gottlieb Emil Rittmeyer, Barbara Signer, Carl Spitzweg, Beat Streuli, Eduard Vallet, u.a.m.

Cuno Amiet, Mutter und Kind, 1889-99.

Curadores da exposição são Konrad Bitterli e Nadia Veronese.

Beat Streuli, Allen Street N.Y., 1994.

Curators of the exhibition are Konrad Bitterli and Nadia Veronese.

Robert Zünd, Der Gang nach Emmaus, 1877.


Kunstmuseum St. Gallen
Museumstrasse 32-72
+ 41.71.242.06.71
St. Gallen
Art Museum
Over the Rainbow
Over the bliss of art
July 7-October 28, 2012

O Vinho na Idade Média - Tour Jean Sans Peur

Tour Jean sans Peur - Paris

até 11 de novembro de 2012.

Com a sua nova exposição O vinho na Idade Média,  a Torre Jean sans Peur  em Paris continua a sua exploração / desmistificação deste período da história muitas vezes ignorada. Ela revela que a Idade Média foi a idade de ouro da vinha e do vinho, que desfrutou de uma reputação muito melhor do que água, para beber e cozinhar ... Outros tempos, outras maneiras! Esta viagem no tempo das libações permitidas ou recomendadas a consumir sem moderação, até 11 de novembro de 2012.

Avec sa nouvelle exposition Le vin au Moyen-Âge, La Tour Jean sans Peur à Paris poursuit son exploration/démystification de cette période de l’Histoire souvent encore trop méconnue. On y découvre que ce Moyen-Âge fut l’âge d’or de la vigne et du vin, lequel jouissait d’une bien meilleure réputation que l’eau, pour boire et cuisiner… Autres temps, autres mœurs ! Ce voyage dans le temps des libations permises sinon recommandées est à consommer, sans modération, jusqu’au 11 novembre 2012.

"Na Idade Média a viticultura atingiu uma magnitude que nunca antes atingida e nunca mais conseguida", afirma  Perrine Mane, co-curador da exposição, um especialista na agricultura e viticultura na Idade Média. "no século XIII, a videira é cultivada em toda a França e Europa até Picardia incluindo a Noruega." Em suma, "este é o período de maior expansão já atingido pela videira."

« Au Moyen-Âge la viticulture a atteint une ampleur qu’elle n’avait jamais eu auparavant et n’aura jamais plus par la suite », précise d’emblée Perrine Mane, co-commissaire de l’exposition, spécialiste de l’agriculture et de la viticulture au Moyen-Âge.(1) « Au XIIIe siècle, la vigne est cultivée dans toute la France jusqu’en Picardie et en Europe y compris en Norvège ». Bref, « c’est la période de la plus grande extension jamais atteinte par la vigne ».

Existem várias razões para isso. Primeiro, porque "a água não é potável ou dificilmente potável, e como a bebida mais saudável é o vinho, e também, uma bebida eucarística - então todo o bom cristão pode beber vinho. É também devido ao facto de que a cultura da videira não precisa de terra lavrada, é praticada a cada ano  sem necessidade de ferramentas pesadas: pás ou enxadas,  foices e facas servem para colher o suficiente. O único investimento consiste na comercialização e nos recipientes - incluindo barris - que permitem fazer a vinificação ".

Il y a à cela plusieurs raisons. D’abord parce que « l’eau n’est pas potable ou difficilement potable, que la plus saine boisson est le vin, lequel est de surcroît une boisson eucharistique – donc tout bon chrétien peut boire du vin. C’est dû aussi au fait que la culture de la vigne n’a pas de jachère, qu’elle se pratique tous les ans et sans outils lourds : bêche ou houe, serpe et couteau pour vendanger suffisent. Le seul investissement consiste dans la commercialisation et les récipients – notamment les cuves – qui permettront de faire la vinification ».

Uma iconografia muito rica, nas igrejas e nos manuscritos, documenta de uma maneira extremamente precisa e detalhada todo o trabalho nos vinhedos e dos vinhos de acordo com as estações. Tal como nas  exposições anteriores, a  Torre  Jean sans Peur usa esta iconografia, sempre impecavelmente reproduzida, para ilustrar e acompanhar as narrativas apresentadas em painéis verticais.

Une très riche iconographie, dans les églises et dans les manuscrits, documente  de manière extrêmement précise et détaillée tout ce travail de la vigne et du vin au fil des saisons. Comme pour les précédentes expositions (2) la Tour Jean sans Peur s’appuie sur cette iconographie, toujours impeccablement reproduite, pour illustrer et accompagner les textes explicatifs, présentés sur des panneaux verticaux. 

O vinho é amplamente utilizado para cozinhar "cerca de 70% das receitas nos tratados culinários são feitas com vinho. Não se cozinha carne, peixe ou ovos na água, mas com vinho. Agraço, vinho e vinagre - e às vezes todos os três - são amplamente utilizados em receitas doces e azedo ", disse Mane Perrine. As receitas médicas também fazem amplo uso interno ou externo, com ou sem ervas, especiarias ou de açúcar. Um tratado sobre a higiene, o Tacuinum sanitatis, reconhece o vinho "cinco utilidades para o corpo e cinco para a mente" ...

Le vin est très utilisé pour la cuisine « environ 70% des recettes dans les traités culinaires sont réalisées avec du vin. On ne fait pas cuire les viandes, les poissons ou les œufs dans de l’eau, mais dans du vin. Vin, verjus et vinaigre – et parfois les trois ensemble – sont très utilisés dans les recettes aigres-douces », explique Perrine Mane.  Les recettes médicales en font aussi un large usage, interne ou externe, additionné ou non d’herbes, d’épices ou de sucre. Un traité d’hygiène, le Tacuinum sanitatis, reconnaît au vin « cinq utilités pour le corps et cinq pour l’esprit »…

Todos bebem, tanto os homens como as mulheres, e todos se encontram nas inúmeras tavernas. Em Avignon, por exemplo, conta-se uma para cada 150 habitantes no início do século XIV. Um desses bares foi reconstituído no subsolo da exposição.

Tout le monde boit, les femmes comme les hommes, et tout le monde se retrouve dans les très nombreuses tavernes. À Avignon, par exemple, on en compte une pour 150 habitants au début du XIVe siècle. Un de ces estaminets a été reconstitué au sous-sol de l’exposition.

A embriaguez é inevitável, mas não é um pecado capital, porque não viola nenhum dos Dez Mandamentos e a sociedade medieval, com este respeito a essa atitude é permissiva. Em caso de crime, a embriaguez, é até considerada pelo tribunal como um fator atenuante ... No entanto se exige das mulheres uma certa contenção, no que diz respeito sobretudo aos horários : as senhoras não devem beber logo cedo pela manhã ... Não antes das nove, o autor Menagier de Paris recomenda a sua noiva!

L’ivresse est inéluctable mais ne constitue pas un péché capital puisqu’elle ne viole aucun des dix commandements et la société médiévale a à cet égard une attitude plutôt permissive. En cas de crime, l’ivresse, est même considérée par la justice comme une circonstance atténuante… On exige toutefois des femmes une certaine retenue, laquelle concerne surtout l’horaire : ces dames ne doivent pas se pochtronner de trop bon matin… Pas avant neuf heures, recommande l’auteur du Ménagier de Paris à sa jeune épousée !

A torre de Jean sans Peur, ou virar de Jean o Fearless, é  fortificação construída em Paris, no século XV pelo duque João I de Borgonha, chamado de João sem Medo. É o último vestígio do hotel dos Duques de Borgonha. Localizado a 20 rue Etienne-Marcel, no 2 º distrito, agora é parte do pátio de uma escola primária.

Foi em 1866-1868, durante a construção da Rue Etienne-Marcel, que a torre foi redescoberta, o único vestígio do antigo Hotel de Bourgogne. Foi então classificada como monumento históricos por um decreto 18.841 de 29 de Setembro e restaurado em 1893. Finalmente, em 1999, a torre foi aberta ao público.

Tour Jean sans Peur 20 rue Etienne Marcel 75002 Paris

tél : 01 40 26 20 28 / courriel : tjsp@wanadoo.fr

Site : www.tourjeansanspeur.com  

De Paris: Um gosto pelo Impressionismo

Girl With a Fan, c1879, by Pierre-Auguste Renoir

7 julho - 23 setembro 2012

Royal Academy of Arts, London W1

Moss Roses in a Vase, 1882, by Édouard Manet

O patrono norte-americano Robert Sterling Clark fez a sua coleção num momento extraordinário de mudanças radicais na Europa. Debra N. Mancoff apresenta exposição do RA, que inclui algumas das melhores pinturas impressionistas do mundo Um Americano em Paris

The American patron Robert Sterling Clark developed his extraordinary collection at a time of radical change in Europe. Debra N. Mancoff introduces the RA’s exhibition, which includes some of the finest Impressionist paintings in the world An American in Paris

The Snake Charmer, c1879, by Jean-Léon Gérôme

Robert Sterling Clark (1877-1956) chegou em Paris em 1910 para começar o que havia se tornado um rito de passagem para os americanos em ascenção. A economia em expansão após a Guerra Civil tornou possível aos cidadãos abastados viajar ao exterior e polir suas credenciais sociais, visitando museus, assistindo a concertos e conhecendo um círculo seleto de sofisticados parisienses e estrangeiros na capital cultural da Europa. O objetivo de tal estada era um prazer aspiracional, testemunhando Thomas Gold Appleton ironizando: "Os bons americanos, quando morrem, vão a Paris."

The Cliffs at Etretat, 1885, by Claude Monet

Robert Sterling Clark (1877-1956) arrived in Paris in 1910 to begin what had become a rite of passage for upwardly mobile Americans. The booming economy after the Civil War had made it possible for affluent citizens to travel abroad and polish their social credentials by visiting museums, attending concerts and meeting a select circle of sophisticated Parisians and expatriates in the cultural capital of Europe. The objective of such a sojourn was aspirational pleasure, prompting the Boston wit Thomas Gold Appleton to quip: ‘Good Americans, when they die, they go to Paris.’

Banks of the Seine at By, c1880-81, by Alfred Sisley

A fortuna da família Clark veio de seu avô Edward Clark, que em 1848 fundou com Isaac Singer a empresa de máquinas de costuras Singer. Mas Clark não se encaixava no molde de um herdeiro da Era de Ouro, ele era um experiente engenheiro civil, um veterano do exército e, depois de ter liderado uma expedição pelas províncias remotas do norte da China, um bom viajante. Ele tinha, de fato, escolhido Paris como ponto de partida conveniente para prosseguir viagem, mas logo percebeu que ele queria ficar.

Portrait of Madame Monet (Madame Claude Monet Reading), c1874, by Pierre-Auguste Renoir

Clark’s family fortune came from his grandfather Edward Clark, who in 1848 founded with Isaac Singer the Singer sewing machine company. But Clark did not fit the mould of a Gilded Age heir; he was a trained civil engineer, an army veteran and, having led an expedition through the remote provinces of northern China, a seasoned traveller. He had, in fact, chosen Paris as a convenient departure point for further travel, but he quickly realised that he wanted to stay.

Shepherdess: Plains of Barbizon, before 1862, by Jean-François Millet

Clark passou a residir num hotel particular do segundo Império no 16 º arrondissement, com um salão espaçoso no primeiro andar. Ele colocou alguns quadros que havia herdado de sua mãe, incluindo obras de Jean François Millet e George Inness, nesta "galleria". Logo em seguida, em 1912, ele seguiu o modelo de respeitados colecionadores americanos como Henry Clay Frick e JP Morgan, e adquiriu obras complementares de renomados mestres antigos, tais como desenhos de Dürer e um painel devocional de Matteo de Giovanni.

Chrysanthemums, c1874, by James Tissot

Clark took up residence in a Second Empire hôtel particulier in the 16th arrondissement with a spacious salon on the first floor. He installed some pictures that he had inherited from his mother, including works by Jean François Millet and George Inness, in this ‘galleria’. Soon after, in 1912, he followed the model of such respected American collectors as Henry Clay Frick and J.P. Morgan, and acquired additional works by renowned Old Masters, such as drawings by Dürer and a devotional panel by George Inness

‘Infinitely subtle’: Self-Portrait, c.1857-58 by Edgar Degas.

Clark não tinha interesse em ser um colecionar competitivo. Ele não exibia nem emprestava suas obras. Ele seguiu seus instintos e, ao invés de depender de um assessor, que trabalhava diretamente com esses comerciantes proeminentes como Knoedler e Durand-Ruel. Através de viagens e estudos, Clark aperfeiçoou seu olho e seu gosto, constatando que "você tem que conhecer o jogo sozinho. '

Sterling and Francine Clark at the opening of the Clark Art Institute, in Williamstown, Mass, 1955. © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts.

Clark had no interest in competitive collecting. He neither exhibited nor lent his works. He followed his instincts, and, rather than relying upon an advisor, he worked directly with such prominent dealers as Knoedler and Durand-Ruel. Through travel and study, Clark honed his eye and his taste, stating that ‘you have got to know the game yourself.’

Francine Clary in costume on the Paris stage, c.1900.She married Sterling Clark in 1919. © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts.

Clark fez soberbas compras que foram amplamente admiradas nos círculos de colecionadores, pagando preços superiores para obras-primas como uma Madona e Filho de Giovanni Bellini e uma gravura de Ambrogio Spinola (c.1630) de Anthony van Dyck. Ele adquiriu desenhos do antigo mestre e fina prataria, mas também comprou obras de alguns dos modernos ', como Rodin e John Singer Sargent. e Clark guardada sua privacidade, na verdade os agentes se referiam a ele como "Sr. Anônimo".

Pierre-Auguste Renoir, 'Girl Crocheting', c.1875. © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA, 1955.603.

Clark made superb purchases that were widely admired in collecting circles, paying top prices for such masterworks as a Madonna and Child by Giovanni Bellini and an etching of Ambrogio Spinola (c.1630) by Anthony van Dyck. He acquired Old Master drawings and fine silver, but he also purchased works by a few ‘moderns’ such as Rodin and John Singer Sargent. And Clark guarded his privacy; indeed the dealers he favoured referred to him as ‘Mr Anonymous’.

Edgar Degas, 'Before the Race', c.1882. © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA, 1955.557.

Clark teve um outro motivo para ficar em Paris. Logo após sua chegada, ele conheceu Francine Clary (1876-1960) uma atriz talentosa e cativante, que havia atuado na Comédie Française. Ela tinha uma filha de uma ligação anterior e manteve uma residência separada, mas em dezembro de 1911, quando Stephen, irmão mais novo de Clark, veio visitar, ele notou que ela e Sterling compartilhavam todas as suas refeições e que 'eles vivia uma boa parte do tempo juntos'. Cercado por sua coleção cuidadosamente selecionada, com a companhia de Francine, Clark levou uma vida dedicada à arte cultivada e requintada com uma companhia perfeita.

Alfred Stevens, 'A Duchess (The Blue Dress)', c.1866. © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA, 1955.865.

Clark had another reason to stay in Paris. Shortly after his arrival, he met Francine Clary (1876-1960) a winsome and talented actress, who had performed at the Comédie Française. She had a daughter from a previous liaison and maintained a separate residence, but in December 1911, when Stephen, Clark’s youngest brother, came to visit, he noted that she and Sterling shared all their meals and ‘they lived a good deal by themselves’. Surrounded by his carefully selected collection, with Francine’s company, Clark led a cultivated life dedicated to exquisite art and perfect companionship.

Giovanni Boldini, 'Crossing the Street', 1873-75. © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA, 1955.650.

Clark selecionou arquiteto Daniel Perry para conceber um museu com galerias espaçosas, bem como um conjunto de salas onde ele e Francine pudessem ficar quando eles viessem visitar. O Sterling e Francine Clark Art Institute abriu em 17 de Maio de 1955; Francine, a quem Clark chamava de sua "guia", cortou a fita. A primeira exposição contou com a diversidade de sua coleção, que vai desde os trabalhos de Winslow Homer e Sargent a um grupo seleto de seus quadros franceses, incluindo três obras de Gérôme e Retrato de um homem por Degas. No outono seguinte, Clark revelou sua coleção impressionista numa exposição que ganhou elogios na imprensa artistica. Por esse tempo, tendo sido derrubado por um enfarte, Clark estava vivendo numa suite privada do museu, quando ele morreu em 29 de dezembro de 1956, seu funeral foi realizado na galeria central, onde havia instalado seus quadros favoritos.

Claude Monet, 'Tulip Fields at Sassenheim, near Leiden', 1886. © Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA, 1955.615.

Clark selected architect Daniel Perry to design a museum with spacious galleries, as well as a suite of rooms where he and Francine could stay when they came to visit. The Sterling and Francine Clark Art Institute opened on 17 May 1955; Francine, who Clark called his ‘touchstone’, cut the ribbon. The first exhibition featured the diversity of his collection, ranging from the works of Winslow Homer and Sargent to a select few of his French pictures, including three works by Gérôme and Portrait of a Man by Degas. The following autumn, Clark unveiled his Impressionist collection in an exhibition that won praise in the art press. By that time, having been felled by a stroke, Clark was living in the museum’s private suite, and when he died on 29 December 1956, his funeral service was held in the central gallery, where he had installed his favourite paintings.

Olhares através dos leques de entre guerras. O desenho Art Nouveau e Art Deco

De 21 de junho a 14 de outubro de 2012

O Museu Nacional de Cerâmica de Valencia apresenta esta exposição abriu em 21 junho e vai até 14 outubro 2012, nas salas de exposições temporárias II, com um total de 59 peças, todas o procedentes dos fundos de indumentária do museu.

El Museo Nacional de Cerámica de Valencia presenta esta exposición que estará abierta al público del 21 de junio al 14 de octubre de 2012 en las salas de exposiciones temporales II, con un total de 59 piezas todas ellas procedentes de los fondos de indumentaria del museo.

Se trata de um conjunto de 47 de leques (a folha do leque sem as hastes) que fazem parte da coleção do Museu Mediterranée, consistindo de desenhos originais pintados em guache sobre tecido de seda.

Se trata de un conjunto de 47 países de abanicos (la hoja del abanico sin el varillaje) que forman parte de la Colección Mediterranée del Museo, consistente en diseños originales de países de abanicos pintados al gouache sobre tejido de glacé de seda.

Os países apresentados abrangem o período entre 1900 e 1930, aproximadamente, sendo expoentes claros dos estilos decorativos predominantes na época: o Art Nouveau (final do século XIX e primeira década do XX) e o Art Deco (anos 20 e 30 do século XX).

Los países presentados cubren el periodo comprendido entre 1900 y 1930 aproximadamente, siendo claros exponentes de los estilos decorativos imperantes en esa época: el Art Nouveau (finales del siglo XIX y primera década del XX) y el Art Déco (años 20 y 30 del siglo XX).

A este conjunto se unem doze leques de grande variedade tipológica e iconográfica, que datam do final do século XIX e início do século XX.

A este conjunto se unen doce abanicos de gran variedad tipológica e iconográfica, fechados entre finales del siglo XIX y principios del XX.

Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí

Calle del Poeta Querol, 2  46002 Valencia, Espanha