sexta-feira, 28 de fevereiro de 2014

Vincent van Gogh: Uma breve compreensão da pinturas dos girassóis.


Há obras de arte circulando através de galerias de todo o mundo que se tornaram quase sinônimos do nome dos artistas e das suas técnicas.  As várias pinturas de girassóis de Vincent van Gogh são um exemplo perfeito disso. Não só se pode fazer uma conexão mental entre o nome dos artistas e da sua pintura, mas também entre o artista e sua influência sobre o desenvolvimento da arte através destas pinturas. As pinturas dos girassóis de Vincent van Gogh foram replicadas muitas vezes por vários artistas (embora nunca tivessem atingindo a vivacidade e intensidade de Van Gogh) e exibidas em todos os lugares, desde lares até exposições de arte.



Ao olhar para estas pinturas começamos perceber aspectos que parecem fluir de uma peça para outra. As cores são vibrantes e expressam emoções tipicamente associadas com a vida dos girassóis: amarelos brilhantes da plena floração ao vaso árido com quinze girassóis marrons murchos e mortos; todas as etapas tecidas por esses pólos opostos são apresentadas. Talvez essa técnica é o que nos atrai para a pintura; a realização de ver sob todos os ângulos o espectro da vida e por sua vez alcançar uma compreensão mais profunda de como todos os seres vivos estão unidos.

Há muitas versões dentro desta série de pinturas (cada uma é claramente identificável como uma obra de Van Gogh), na qual há apenas pequenas diferenças que as separam. O layout geral da pintura juntamente com o posicionamento dos girassóis geralmente permanece o mesmo nas pinturas semelhantes. Abaixo, você pode ver as áreas destacadas das diferença entre duas pinturas similares dos girassóis.



Acima você pode ver duas pinturas da série dos girassóis com o mesmo título, no entanto, estas duas versões tem algumas poucas diferenças.

1. Há diferenças na estrutura pétala em algumas das flores. Localizadas no círculo de número um você pode ver como a segunda versão tem mais pétalas "massa" e não segue o movimento de varredura "V", como é visto na primeira versão.

2. O  "olho" central da flor contém cores diferentes. Na primeira versão, o centro está preenchido com um amarelo-esverdeado, enquanto que na segunda o centro está preenchido com preto. 
3. Este é também é o caso no círculo de número três. A estrutura arborizada é amarela na primeira versão e fica marrom claro na segunda. 

4. A folha localizada no círculo de número quatro é quase idêntica em ambas as peças, no entanto, no primeira está sobreposta pelo grande flor caída e é de cor verde. Na segunda versão há um intervalo pequeno, mas um claro intervalo entre a flor caída e a folha, e a folha é  preta.



Apesar das pinturas dos girassóis de Van Gogh serem muito semelhantes em muitos aspectos, cada uma se destaca como uma obra única. Van Gogh começou a pintar girassóis depois que ele deixou a Holanda pela a França em busca da criação de uma comunidade artística. As primeiras foram criadas para decorar o quarto do seu amigo Paul Gauguin. A maioria dos girassóis de Van Gogh em vasos foram criados em Arles, França, entre 1888-1889. Van Gogh criou algumas pinturas de girassóis antes desta época, porém, em Paris, por volta de 1887. Estas séries consistem em versos recortes de   girassóis em vasos. Você pode ver um exemplo desta série à direita.



De acordo com a BBC.co.uk: 

"Estas séries de pinturas foram possíveis devido às inovações em pigmentos fabricados no século 19. Sem a vibração das novas cores, como o amarelo de cromo, Van Gogh nunca poderia ter alcançado a intensidade dos Girassóis."

Independentemente disso, as pinturas dos girassóis de Van Gogh alteraram perspectiva da da arte e da vida. Estas pinturas cativam a mente e deixam-nos atônitos por sua beleza simplista. Os vapores que fluem das murchas e a explosão encantadora do amarelo chamam a atenção em torno da pintura, sem perturbar o equilíbrio da peça. Estas pinturas são muitas vezes replicadas, mas nunca alcançam o poder puro de Van Gogh.

Paul Gauguin, The Painter of Sunflowers: Portrait of Vincent van Gogh, 1888, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Sinta-se livre para clicar em qualquer uma das pinturas do girassóis nesta página para ver uma imagem ampliada. Abaixo, você pode saber mais informações sobre girassóis. Ou baixar wallpapers, ícones e outras coisas para você usar. 

Informações sobre os Girassóis

Girassóis reais http://www.vangoghgallery.com/painting/realsunflower.html
Girassóis de outros artistas:  http://www.vangoghgallery.com/painting/sunflowerartists.html

Wallpapers Grátis : http://www.vangoghgallery.com/painting/sunflowerwallpaper.html
Ícones Grátis: http://www.vangoghgallery.com/painting/sunflowericons.html

Link do Van Gogh Museum:  http://www.vangoghmuseum.nl/bisrd/top-1-1.html



Claude Monet e seu jardim


O artista tinha dois jardins: Um em frente da casa estava cheio de flores, e o outro, o do quadro com uma pequena lagoa. Monet teve que desviar um córrego para atravessar a sua propriedade ! As plantações e a pequena ponte davam à este segundo jardim com um certo ar japonês .



Há flores na água ! Estes são os nenufares, ou lírios. Seu nome científico é "nymphéas" . Monet os encomendou especialmente do Japão para ter plantas ornamentais que sobrevivessem ao inverno! Felizmente, o lírio se aclimatizava .




Nós não vemos o céu ! O pintor amava o seu jardim, ele passava longas horas a observá-lo. Ele ficava na ponte, como neste quadro , ou se sentava muito perto da água. Ele não mostra o céu, pois queria ficar no seu cantinho tranquilo só com a  natureza. Seus amigos lhe apelidaram de o "pintor - jardineiro! "



retrato de Claude Monet




Tudo está verde! É verão ? Ou talvez o final da primavera . O salgueiro está verde tenro , a água está alta e as flores ainda estão com botões. O tempo deve estar muito claro , as árvores estão refletidas na água . Monet pintou uma natureza cheia de vigor. Você já reparou que a imagem é quase  toda pintada em tons de verde e verde azul ? Este é um exemplo muito bom de pintura em degradé . Agora, uma surpresa! Você já observou O pintor não pinta a água? Ele é apenas sugerida pelos reflexos da folhagem e nenúfares flutuando em sua superfície !

Seu jardim de água será o principal tema de Monet por cerca de 25 anos. Ele o representa em todas as estações. Aos poucos, ele retira de suas pinturas as plantações e árvores das margens para pintar apenas as belas flores brancas e folhas planas dos nenúfares. 





Se você tiver a oportunidade de ir à Paris, não deixe de visitar especialmente o Museu Nacional de Orangerie onde a decoração das Nympheas que o pintor fez especialmente para este local. Ele queria nos oferecer um lugar tranquilo para relaxar, como ele mesmo fazia em seu próprio jardim.













quinta-feira, 27 de fevereiro de 2014

Futurismo Italiano, 1909-1944: Reconstruindo o Universo




Umberto Boccioni, Elasticity (Elasticità), 1912, Oil on canvas, 100 x 100 cm, Museo del Novecento, Milan. © Museo del Novecento, Comune di Milano (all legal rights reserved), Photo: Luca Carrà.

De 21  fevereiro à 01 de setembro de 2014, o Museu Solomon R. Guggenheim apresenta futurismo italiano, 1909-1944: Reconstruindo o Universo, a primeira visão abrangente nos Estados Unidos de um dos mais importantes movimentos de vanguarda da Europa do século 20.




Fortunato Depero, Little Black and White Devils, Dance of Devils (Diavoletti neri e bianchi, Danza di diavoli), 1922–23, Pieced wool on cotton backing, 184 x 181 cm, MART, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto, Italy, © 2014 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome, Photo: © MART, Archivio fotografico.

Com mais de 360 obras de mais de 80 artistas, arquitetos, designers, fotógrafos e escritores, esta exposição multidisciplinar analisa a amplitude histórica do Futurismo, a partir de seu início em 1909 com a publicação do primeiro manifesto futurista de Filippo Tommaso Marinetti através de seu desaparecimento no final da Segunda Guerra Mundial.




Enrico Prampolini and Maria Ricotti, with cover by Enrico Prampolini, Program for the Theater of Futurist Pantomime (Théâtre de la Pantomine Futuriste), Illustrated leaflet (Paris: M. et J. De Brunn, 1927), 27.5 x 22.7 cm, Fonds Alberto Sartoris, Archives de la Construction Moderne–Ecole polytechnique fédérale de Lausanne (EPFL), Switzerland, By permission of heirs of the artist, Photo: Jean-Daniel Chavan.

A exposição inclui vários trabalhos raramente vistos, alguns dos quais nunca viajarm para fora da Itália. Ela engloba não só a pintura e a escultura, mas também a publicidade, arquitetura, cerâmica, design, moda, cinema, de forma livre poesia, fotografia, performance, publicações, música e teatro desse movimento dinâmico e muitas vezes controverso que defendeu a modernidade e a insurgência .




Tullio Crali, Before the Parachute Opens (Prima che si apra il paracadute), 1939, Oil on panel, 141 x 151 cm, Casa Cavazzini, Museo d’Arte Moderna e Contemporanea, Udine, Italy, © 2014 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome, Photo: Claudio Marcon, Udine, Civici Musei e Gallerie di Storia e Arte.


A exposição é organizada por Vivien Greene, curadora sênior, do séculos 19 e  20, do Solomon R. Guggenheim Museum. Um comitê consultivo internacional composto por eminentes estudiosos de muitas disciplinas forneceram experiências e orientações na elaboração desta exploração completa do movimento futurista, uma grande expressão modernista que, em muitos aspectos ainda é pouco conhecida entre o público americano. 



Filippo Masoero, Descending over Saint Peter (Scendendo su San Pietro), ca. 1927-37 (possibly 1930-33), Gelatin silver print, 24 x 31.5 cm, Touring Club Italiano Archive.

O apoio é fornecido em parte pelo National Endowment for the Arts e da Fundação David Berg, com financiamento adicional da Fundação Juliet Lea Hillman Simonds, da Fundação Robert Lehman, e do Conselho das Artes do Estado de Nova Iorque.



Giacomo Balla, The Hand of the Violinist (The Rhythms of the Bow) (La mano del violinista [I ritmi dell’archetto]), 1912, Oil on canvas, 56 x 78.3 cm, Estorick Collection, London, © 2014 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome.


O Comitê de Liderança para o futurismo italiano, 1909-1944: Reconstruindo o Universo também é reconhecido por sua generosidade, incluindo o  Hansjörg Wyss Charitable Endowment; Stefano e Carole Acunto; Giancarla e Luciano Berti; Ginevra Caltagirone, Massimo e Sonia Cirulli Arquivo; Daniela Memmo d'Amelio; Achim Moeller, Moeller Fine Art; Pellegrini Legado Confiança e Alberto e Gioietta Vitale.



Gerardo Dottori, Cimino Home Dining Room Set (Sala da pranzo di casa Cimino), early 1930s, Table, chairs, buffet, lamp, and sideboard; wood, glass, crystal, copper with chrome plating, leather, dimensions variable, Private collection, © 2014 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome the Peggy Guggenheim Collection, Venice, Photo: Daniele Paparelli, courtesy Archivi Gerardo Dottori, Perugia, Italy.


Esta exposição é apoiada pelo Conselho Federal de Artes e Humanidades.



Umberto Boccioni, Unique Forms of Continuity in Space (Forme uniche della continuità nello spazio), 1913 (cast 1949), Bronze, 121.3 x 88.9 x 40 cm, The Metropolitan Museum of Art, New York, Bequest of Lydia Winston Malbin, 1989, © The Metropolitan Museum of Art, Image Source: Art Resource, New York.


Sobre o Manifesto Futurista, ele foi lançado em 1909, num contexto de crescente turbulência econômica e social. "A Fundação e Manifesto do Futurismo",foi  publicado no Le Figaro, ele delineou objetivos fundamentais do movimento, entre eles: abolir o passado, para a modernização campeã, e para exaltar a agressão.



Luigi Russolo, “The Art of Noises: Futurist Manifesto” (“L’arte dei rumori: Manifesto futurista”), Leaflet (Milan: Direzione del Movimento Futurista, 1913), 29.2 x 23 cm, Wolfsoniana - Fondazione regionale per la Cultura e lo Spettacolo, Genoa, By permission of heirs of the artist, Photo: Courtesy Wolfsoniana - Fondazione regionale per la Cultura e lo Spettacolo, Genoa.


Embora tenha começado como um movimento literário, o Futurismo logo abraçou as artes visuais, bem como publicidade, moda, música e teatro, e se espalhou por toda a Itália e mais além. Os futuristas rejeitavam a tradição e se inspiraram na indústria emergente, nas máquinas, e na velocidade da metrópole moderna.



Mino Somenzi, ed., with words-in-freedom image Airplanes (Aeroplani) by Pino Masnata, Futurismo 2, no. 32 (Apr. 16, 1933), Journal (Rome, 1933), 64 x 44 cm, Fonds Alberto Sartoris, Archives de la Construction Moderne–Ecole polytechnique fédérale de Lausanne EPFL), Switzerland, Photo: Jean-Daniel Chavan.


A primeira geração de artistas criou obras caracterizadas pelo movimento dinâmico e formas fraturadas, que aspiravam a romper com as noções existentes de espaço e tempo para colocar o espectador no centro da obra de arte. Estendendo em muitos meios, o futurismo foi concebido para ser não apenas uma linguagem artística, mas um modo de vida inteiramente novo. Central para o movimento foi o conceito de obra de arte total, em que o espectador está cercado por um ambiente completamente futurista.



Carlo Carrà, Interventionist Demonstration (Manifestazione Interventista), 1914, Tempera, pen, mica powder, paper glued on cardboard, 38.5 x 30 cm, Gianni Mattioli Collection, on long-term loan to the Peggy Guggenheim Collection, Venice, © 2014 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome, Photo: Courtesy Solomon R. Guggenheim Foundation, New York.


Mais de dois mil indivíduos foram associados com o movimento ao longo de sua duração. Além de Marinetti, figuras centrais são: Giacomo Balla artistas, Benedetta (Benedetta Cappa Marinetti), Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero e Enrico Prampolini; poetas e escritores Francesco Cangiullo e Rosa Rosa; arquiteto Antonio Sant'Elia, compositor Luigi Russolo; fotógrafos Anton Giulio Bragaglia e Tato (Guglielmo Sansoni); dançarina Giannina Censi e ceramista Tullio d'Albisola. Essas figuras e outras menos conhecidas estão representadas na exposição.

O Futurismo é normalmente entendido por ter tido duas fases: Futurismo "heróico", que durou até 1916, e uma encarnação tardia que surgiu após a Primeira Guerra Mundial e permaneceu ativa até o início da década de 1940. 



Fortunato Depero, Heart Eaters (Mangiatori di cuori), 1923, Painted wood, 36.5 x 23 x 10 cm, Private collection, © 2014 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome, Photo: Vittorio Calore.


As investigações sobre o Futurismo "heróico" predominaram e relativamente poucas exposições exploraram a vida posterior do movimento; até agora, uma visão abrangente do futurismo italiano ainda não havia sido apresentado na arte italiana da década de 1920 e dos anos 30 nos EUA  sendo pouco conhecida fora de seu país de origem, em parte devido a uma mancha de associação em algum momento do Futurismo com o Fascismo. Esta associação complica a narrativa desta vanguarda e torna ainda mais necessária se aprofundar e esclarecer a sua história completa.



Benedetta (Cappa Marinetti), Synthesis of Aerial Communications (Sintesi delle comunicazioni aeree), 1933–34, Tempera and encaustic on canvas, 324.5 x 199 cm, Il Palazzo delle Poste di Palermo, Sicily, Poste Italiane © Benedetta Cappa Marinetti, used by permission of Vittoria Marinetti and Luce Marinetti’s heirs, Photo: AGR/Riccardi/Paoloni.



Giacomo Balla, Abstract Speed + Sound (Velocità astratta + rumore), 1913-14, Oil on unvarnished millboard in artist’s painted frame, 54.5 x 76.5 cm, The Solomon R. Guggenheim Foundation, Peggy Guggenheim Collection, Venice 76.2553.31, © 2014 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome, Photo: Courtesy Solomon R. Guggenheim Foundation, New York.



Francesco Cangiullo, Large Crowd in the Piazza del Popolo (Grande folla in Piazza del Popolo), 1914, Watercolor, gouache, and pencil on paper, 58 x 74 cm, Private collection, © 2014 Artists Rights Society (ARS), New York / SIAE, Rome.



Ivo Pannaggi, Speeding Train (Treno in corsa), 1922, Oil on canvas, 100 x 120 cm, Fondazione Carima-Museo Palazzo Ricci, Macerata, Italy, Photo: Courtesy Fondazione Cassa di risparmio della Provincia di Macerata.


Bruno Munari and Torido Mazzotti, Antipasti Service (Piatti Servizio Antipasti), 1929-1930, Glazed earthenware (manufactured by Casa Giuseppe Mazzotti, Albisola Marina), six plates: 21.6 x 21.6 cm diameter each; one vase: 11.7 x 7.6 cm, The Wolfsonian-Florida International University, Miami Beach, The Mitchell Wolfson, Jr. Collection, © Bruno Munari, courtesy Corraini Edizioni, Photo: Lynton Gardiner.



Pare o Cancan


Onde vamos nos concentrar em uma das estrelas do Moulin Rouge.


Henri de Toulouse-Lautrec, La Goulue com duas mulheres no Moulin Rouge, 1892 79,4 × 59 cm, Museu de Arte Moderna de Nova York 

Mas quem é esta mulher que parece um pouco embriagada olhando para nós com desprezo? Esta é Josephine Louise Weber, conhecida sob o nome de La Goulue. 

Personalidade em moda nas festas do Moulin Rouge, ela incendiou os palcos na década de 1890 com seus cancans endiabrados! 

Toulouse-Lautrec  nos mostra La Goulue dando o braço direito à sua irmã Victorine, e o braço esquerdo à sua colega, a dançarina  Nini Pernas-ao-Ar. O artista neo-impressionista gosta de observar os costumes de Paris e sua vida noturna. Próximo ao estilo naturalista de Degas, ele, no entanto, adota um ponto de vista mais humanista.



Fotografia de La Goulue 

Aqui, ele representa uma figura exuberante do famoso cabaré francês. Todo mundo se desloca para ver La Goulue levantar as pernas ao ar com talento! Mas por que La Goulue? 

Menos conhecida por sua beleza que pelo seu levantar de suas pernas, o apelido dela veio de seu apetite insaciável e seu hábito vergonhoso de beber demais. Toulouse-Lautrec também a pintou com uma tez muito pálida, um olhar um pouco vítrificado e, especialmente, com um sorriso atravessado! Ele assim fez para representar sua renomada na famosa pintura ... que anuncia sem querer início de seu decadência.



Esquerda: Artigo de jornal anunciando a morte de La Goulue 
Direita: Poster Toulouse-Lautrec, 191 × 117 centímetros de 1891 

Em 1895, enquanto ela estava no auge de sua fama, ela deixa o Moulin Rouge para se tornar domadora de feras! Depois, com a morte de seu filho e seu marido, ela se afundou no alcoolismo e na miséria. 

Tornando-se obesa, La Goulue retorna ao Moulin Rouge, o antigo lugar de seu sucesso, para vender amendoins!




Henri de Toulouse-Lautrec, Booth de La Goulue na Foire du Trone: Dança no Moulin Rouge, 29,8 x 31.2 cm, Musée d'Orsay 

Para mais informações: 

Toulouse-Lautrec : http://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Henri_de_Toulouse-Lautrec/147170

Trailer do filme "Lautrec":  https://www.youtube.com/watch?v=vnGMKDaGIso

fonte: artips.fr

quarta-feira, 26 de fevereiro de 2014

A pintura em vendaval, onde descobrimos que a natureza ajuda com uma boa pincelada.




Jonathan Shearer, Under a Highland Sky, Huile sur toile, 122 x 157 cm

Um pintor deveria procurar controlar completamente o seu trabalho? A experiência mostrou a Jonathan Shearer que nem sempre era necessário. Pelo valor, sim, mas suou frio algumas vezes ... 
Este grande amante das Highlands (terras altas da Escócia) afiliado à tradição de artistas como John Everett Millais e David Young Cameron que pintaram antes dele as vastas paisagens escocesas. Ele privilegia uma pintura "ao ar livre" para ficar em sintonia com o seu tema. Uma prática que não deixa de ter risco!



Jonathan Shearer, Buachaille Etive Mor (Rannoch Moor), Huile sur toile, 92 x 158 cm

Um dia, tendo montado seu cavalete na vasta extensão dos pântanos Rannoch Moor, o pintor vê sua pintura ser levantada por uma rajada de vento, batendo com a face pintada no chão, a poucos metros de distância. 
Ele teria de recomeçar novamente? Girando a tela, ele percebe que a grama e a terra concluiram o seu trabalho. E como ele não estava satisfeito com o seu trabalho, o que ele descobriu o seduziu!



Jonathan Shearer, Bullers of Buchan, Huile sur toile, 70 x 100 cm

Esta aventura o convence de que era impossível controlar tudo. Ele deveria "deixar a natureza trabalhar com os seus materiais." Jonathan Shearer procura captar mais do que uma simples paisagem: a sensação da imensidão selvagem, a emoção despertada por uma súbita mudança de luz ou a beleza da natureza constantemente sujeita à força dos elementos.



Jonathan Shearer, Ebb & Flow, Huile sur toile, 57 x 107 cm

Desde então, o artista não hesitou mais em atirar suas telas ao chão para tentar provocar novos acidentes...com o risco ... ocasional de desastres! Mas não importa, porque, como diz Shearer, "quando se pinta, é preciso estar preparado tanto para destruir como para criar, como a própria natureza."



Photo de Jonathan Shearer


Para maiores informações:

Jonathan Shearer é um artista que viajou por quase 20 anos, nas Terras Altas da Escócia, em busca de lugares isolados, aonde colocar o seu cavalete. Ele desenvolveu uma relação íntima com estas paisagens selvagens nas quais ele se esforça em traduzir tanto seu caráter imutável como a transformação permanente, sob a força dos elementos. Jonathan Shearer já recebeu vários prêmios pelos seus trabalho, incluindo dois prêmios da Royal Scottish Academy.
Assista a um vídeo de apresentação do artista
http://www.youtube.com/watch?v=7TJB0Cw0lS0&hl=fr&cc_load_policy=1

Na pintura de paisagem na Escócia (texto em Inglês)
http://en.wikipedia.org/wiki/Landscape_painting_in_Scotland

fonte: artips.fr

segunda-feira, 24 de fevereiro de 2014

Uma história de tapetes

Onde nos surpreendemos que uma obra de arte fosse utilizada como um cobertor ...



Château de Boussac em Creuse

"Chegando em seu castelo de Boussac [...] e já irritada com o espírito atrasado da cidadezinha" Estamos em plena leitura de Jeanne , o famoso romance de George Sand. No entanto, algumas coisas são reais nesta história!

Por volta de 1838, a autora ficou no Chateau de Boussac, em Creuse. Mas ninguém poderia prever a enorme descoberta da escritora ...


La Dame à la Licorne, À mon seul désir, 377 x 473 cm, entre 1484 et 1500, Musée de Cluny

Um dia, enquanto passeava, ela se deparou com tapetes de charretes e mantas de cavalo que a intrigaram. 
Olhando mais de perto, ela percebe que são seis magníficas tapeçarias medievais: A dama e o unicórnio! 

A sua qualidade era excelente mas ela pode observar o elevado desgaste dos lados das tapeçarias. Fica então decidido, temos de proteger a obra!




A gauche : Portrait de George Sand par Auguste Charpentier, 1838, Musée de la Vie romantique, Paris
A droite : Prosper Mérimée

George Sand menciona a existência à Prosper Mérimée, um jovem inspetor de Monumentos Históricos e, sobretudo, seu ex-amante. Ele decide classificar as tapeçarias como Monumento Histórico, e de conservá-las depois de uma primeira restauração. 

A Dama e o Unicórnio serão vendidas em 1882 ao Museu Nacional da Idade Média em Paris, onde constitui uma das obras-primas da coleção.



Détail de La Dame à la Licorne, La vue, entre 1484 et 1500, Musée de Cluny


Uma vez salvas as tapeçarias, não houve forma de satisfazer George Sand, que teria preferido que as originais permanecessen no Creuse, e Paris se contentasse apenas com uma cópia ", porque não partidária do confisco um tanto arbitrário, das capitais , das riqueza da arte [...] Ela adoraria ver estes monumentos em seu lugar. "

Quem poderia imaginar que estas tapeçarias foram "durante muito tempo abandonadas aos ratos?"



La Dame à la licorne, L'Odorat, entre 1484 et 1500, Musée de Cluny



Para mais informações: 

Sobre as tapeçarias:  http://www.musee-moyenage.fr/pages/page_id18352_u1l2.htm

Sobre George Sand :
http://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Aurore_Dupin_baronne_Dudevant_dite_George_Sand/143001

Sobre Prosper Mérimée: http://www.merimee.culture.fr/

fonte: artips.fr

quinta-feira, 20 de fevereiro de 2014

"Um beijo roubado" Onde aprendemos que o beijo na Times Square não tem nada de romântico.




Alfred Eisenstaedt, Dia VJ na Times Square de 1945 preto e branco fotografia 

O Japão finalmente se rendeu! 14 de agosto de 1945, uma multidão de americanos saem nas ruas de Nova York para celebrar a vitória. O grande fotojornalista alemão Alfred Eisenstaedt imortaliza um beijo, longo considerado como uma das imagens mais românticas do mundo. Mas esta imagem não tem nada de cena de amor ...

Rumores correm sobre a misteriosa identidade dos protagonistas, que poderiam ser George Mendonsa, Greta Friedman e Edith Shain. Mas, independentemente da sua verdadeira identidade, os dois jovens iriam experimentar de fato não menos importante! 



Alfred Eisenstaedt, Winston Churchill dá o sinal da vitória em uma reunião política Liverpool 1951


Naquele dia, o fotógrafo geralmente conhecido por suas reportagens na Etiópia ou retratos de personalidades como Winston Churchill, andava na Times Square. Na esquina da Broadway Avenue com a Rua 45 , o comportamento do militar da Marinha dos EUA precisa ser esclarecido.

Observando mais atentamente ... "Percebi um marinheiro vindo em minha direção Ele agarra todas as mulheres  e abraça, tanto as jovens como as velhas. Então eu notei a enfermeira , de pé naquela enorme multidão.  Fico prestando atenção nela, e , como eu esperava , o marinheiro veio , pegou a enfermeira, e abaixou-se para beijá-la. "


Fotografia de Alfred Eisenstaedt

Uma foto de impacto publicada diretamente na grande revista Life uma semana depois!

O gesto é, portanto, espontâneo, não encenado como muitos queriam acreditar. Muito diferente do beijo do Hôtel de ville  de Doisneau! Mas, na Times Square, o amor está no ar... 



Victor Jorgensen Beijando o Adeus Guerra, o mesmo torque como fotografado por Eisenstaedt em "dia V-J em Times Square 



Para mais informações: 

Outras fotos de Alfred Eisenstaedt : http://life.time.com/alfred-eisenstaedt/

Biografia de Alfred Eisenstaedt: http://www.universalis.fr/encyclopedie/alfred-eisenstaedt/

A rendição japonesa: 
http://www.herodote.net/2_septembre_1945-evenement-19450902.php


fonte: artips.fr

quarta-feira, 19 de fevereiro de 2014

Gustave Doré no Musée d’Orsay


18 de fevereiro – 11 de maio de 2014



Gustave Doré, ‘Le Chat botté’ © Bibliothèque nationale de France

O Musée d’Orsay homenageia o imaginário de Gustave Doré (1832-1883), suas primeiras caricaturas e ilustrações, depois seus desenhos, pinturas , aquarelas, gravuras, esculturas. Esta grande retrospectiva irá propor seus grandes talentos e telas mais intimas, ilustrações fantásticas e esculturas barrocas.



"Gustave Doré barbu" (vers 1854) d'Adrien Tournachon (1825-1903) -

Gustave Doré é sem dúvida um dos artistas mais prodigiosos do século XIX. Com apenas quinze anos de idade, ele começou uma carreira como caricaturista e depois ilustrador profissional – que lhe trouxe fama internacional – antes de abraçar todas as áreas da criatividade: desenho, pintura, aquarela, gravura e escultura.



"Les aventures du baron de Münchhausen" (Paris, 1862)

Doré aplicou seu imenso talento a diferentes gêneros, da sátira à pintura histórica, criando, por sua vez, enormes telas e pinturas mais íntimas, aquarelas vibrantes, sumi-ês virtuosas, pinturas em pena incisiva e desenhos com tinta, gravuras, ilustrações fantasiosas, bem como esculturas barrocas, humorísticas, monumentais e enigmáticas.



"Entre Ciel et Terre" (1862)


Como ilustrador, Doré se desafiou com os grandes textos (a Bíblia, Dante, Rabelais, Perrault, Cervantes, Milton, Shakespeare, Hugo, Balzac, Poe), que o tranformaram em um verdadeiro fornecedor de cultura europeia. Assim, ele tem um lugar especial na imaginação coletiva contemporânea, de van Gogh a Terry Gilliam, sem mencionar sua indubitável influência nos quadrinhos. Primeira em trinta anos, a retrospectiva irá explorar as incontáveis facetas de sua obra.


Gustave Doré, ‘Le Chat botté’ © Bibliothèque nationale de France


Gustave Doré, “Au secours ! Au secours ! Voilà M. le marquis de Carabas qui se noie” (détail), frontispice pour “Le Maître Chat” ou “Le Chat botté”, publié dans Charles Perrault, “Contes”, illustré par Gustave Doré, gravé par Adolphe François Pannemaker (1822-1900)




"Dante et Virgile dans le neuvième cercle de l'Enfer" (1861)




"Pauvresse à Londres" (1869)






"Le néophyte" (1869) - 



"L'enfance de Pantagruel" (vers 1873) - 





Gustave Doré, “Le château enchanté”, dessin préparatoire à La  Belle au bois dormant illustré vers 1867-69, Strasbourg, Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg  © photo Musée de Strasbourg


"Soeur de la Charité sauvant un enfant, un incident durant le siège de Paris" (1870-1871)



"L'énigme" (1871)




"Collines d'Écosse" (1875) - 



Cirque de Gavarnie



"Joyeuseté", dit aussi "À saute-mouton" (vers 1881)



"Pierrot grimaçant" (non daté)







Gustave Doré. The Vale of Tears – 1883. Museu D’Orsay, Paris.











Aigle noir de la Prusse