domingo, 27 de janeiro de 2013

Impressionismo ao ar livre. De Corot a Van Gogh




Vincent Willem van Gogh

5 fevereiro - 12 maio 2013
Museo Thyssen‐Bornemisza





Quando a Primeira Exposição Impressionista abriu ao público em 1874,  pintura ao ar livre já existia há quase um século. Embora não sendo os inventores deste tipo de pintura, foram  sem dúvida, os impressionistas que levaram este gênero à sua expressão máxima. O objetivo da primeira exposição no Museo Thyssen-Bornemisza em 2013 é o de analisar as origens e crescimento desta nova abordagem
na arte, começando com suas primeiras manifestações entre os pintores de paisagem dos  finais  do século 18 concluindo com as interpretações expressionistas posteriores, que datam dos primeiros anos do século 20 .




1. Ruínas, terraços e telhados:


By the time the First Impressionist Exhibition opened to the public in 1874, open‐air painting had been in existence for almost a century. While not the inventors of this type of painting, it was undoubtedly the Impressionists who took it to its maximum expression. The aim of the first exhibition at the Museo Thyssen‐Bornemisza for 2013 is to analyse the origins and growth of this new approach in art, starting with its earliest manifestation among late 18th ‐century landscape painters and concluding with late, expressionist interpretations dating from the early years of the 20th century.




2. Rocks:



Impressionismo e pintura ao ar livre. De Corot a Van Gogh é apresentada de galerias de exposições temporárias no Museu a partir de 05 de fevereiro e reúne 116 obras. Entre os artistas representados estão os pioneiros  de pintura a óleo ao ar livre, como Pierre-Henri Valenciennes e Thomas Jones, além de Turner, Constable, Corot, Rousseau, Courbet, Daubigny, Monet, Sisley, Renoir, Seurat, Van Gogh e Cézanne, entre muitos outros nomes importantes. Esta gama de artistas permite que a exposição faca uma analise extensiva o fenômeno da pintura a óleo  executada ao ar livre em sua totalidade, como uma   a prática artística que oferece novas e inesperadas possibilidades para a pintura de paisagem que revolucionou a  pintura do século 19 como um todo.






Impressionism and open‐air Painting. From Corot to Van Gogh is presented in the Museum’s temporary exhibition galleries from 5 February and brings together 116 works. Among the artists represented are pioneers of open‐air oil painting such as Pierre‐Henri Valenciennes and Thomas Jones, in addition to Turner, Constable, Corot, Rousseau, Courbet, Daubigny, Monet, Sisley, Renoir, Seurat, Van Gogh and Cézanne among many other key names. This extensive range of artists allows the exhibition to analyse the phenomenon of oil painting executed outdoors in its totality, as an artistic practice that offered new and unexpected possibilities for landscape painting and which revolutionised 19th ‐century painting as a whole.





O formato da pintura de paisagens ao ar livre como entendida hoje não teve raizes entre os artistas até  o século 19. Tradicionalmente, as paisagens eram produzidas em estúdios de acordo com a regras clássicas de composição, a gradação tonal, perspectiva etc. Elas não representam a natureza como ela era, mas como deveria ser, mas, um cenário idealizado de heróis e figuras lendárias da história, da mitologia ou da Bíblia. Este era o caso tanto das encomendas particulares como das obras pintadas para exposições oficiais.





The custom of painting landscapes outdoors as understood today did not take root among artists until the 19th century. Traditionally, landscapes were produced in the studio in accordance with the classical rules of composition, tonal gradation, perspective etc. They did not represent nature as it was, but rather as it should be; an idealised setting of heroes and legendary figures from history,  mythology or the Bible. This was the case with both private commissions and works painted for official exhibitions.













3. Mountains:



4. Trees and plants:













5. Waterfalls, lakes, streams and rivers:











7. The sea:



6. Skies and clouds:









segunda-feira, 21 de janeiro de 2013

George Braque e a Natureza Morta Cubista, 1928-1945

No início do século 20, Georges Braque e Pablo Picasso inventaram o cubismo e abalaram os fundamentos da arte ocidental. Mas na década de 1930, como a ascensão do fascismo trouxe nova urgência para questões de estética e política - as questões que entraram como consciência prioritária como a Guernica de Picasso (1937) - fizeram com que as naturezas mortas e interiores burgueses fraturadas  de Braque  permanecessem enfaticamente introvertidas.


Georges Braque, Baluster and Skull (recto), 1938. [verso: Still Life with Fruit Dish, c. 1932-33.] Oil on canvas, 17-3/4 x 21-5/8". Private collection. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.


Mildred Lane Kemper Art Museum
Saint Louis
25 janeiro - 21 abril, 2013

In the early 20th century, Georges Braque and Pablo Picasso invented Cubism and shook the foundations of Western art. But in the 1930s, as the rise of fascism brought new urgency to questions of aesthetics and politics — questions that entered mainstream consciousness with Picasso’s Guernica (1937) — Braque’s fractured still lifes and bourgeois interiors remained emphatically inward-looking.



Georges Braque, Lemons and Napkin Ring, 1928. Oil and graphite on canvas, 15-3/4 x 47-1/4”. Acquired 1931, The Phillips Collection, Washington, DC. © 2012, Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.



Georges Braque, Still Life with Palette, 1943. Oil on canvas, 23-5/8 x 31-7/8". Saint Louis Art Museum, Gift of Joseph Pulitzer, Jr., 136:1956. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.




Georges Braque, Still Life with Glass, 1930. Oil on canvas, 20-3/16 x 25-5/8”. Mildred Lane Kemper Art Museum, Washington University in St. Louis. University purchase, Kende Sale Fund, 1946. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.






Georges Braque, Vase, Palette, and Mandolin, 1936. Oil, charcoal, and graphite on canvas, 32 x 39-5/8”. San Francisco Museum of Modern Art, Purchase with the aid of funds from W. W. Crocker. © 2012 Artists Rights 
Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.





Georges Braque, The Round Table, 1929. Oil, sand, and charcoal on canvas, 57-3/8 x 44-3/4”. Acquired 1934, The Phillips Collection, Washington, DC. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.



Georges Braque, Still Life with Fruit Dish (verso), c. 1932-33. [recto: Baluster and Skull, 1938.] Oil on canvas, 17-3/4 x 21-5/8". Private collection. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.



Albert Eugene Gallatin, Georges Braque, 1931. Gelatin silver print, 9-3/16 x 6-5/8" (sheet). Philadelphia Museum of Art: A. E. Gallatin Collection, 1952.



Georges Braque, The Napkin Ring, 1929. Oil and sand on canvas, 15-3/4 x 47-1/2”. Indiana University Art Museum, Gift of Dr. and Mrs. Henry R. Hope. Photo: Michael Cavanaugh and Kevin Montague. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.



Georges Braque, The Crystal Vase, 1929. Oil on canvas, 16-1/4 x 47-1/2”. The Cleveland Museum of Art, Gift of Alexandre P. Rosenberg, 1975.82. Photo © The Cleveland Museum of Art. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.



Georges Braque, Mandolin and Score (The Banjo), 1941. Oil on canvas, 42-1/2 x 35". Collection of Charles and Palmer Ducommun. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris



X-ray of Georges Braque, Still Life with Palette, 1943. Oil on canvas, 23-5/8 x 31-7/8". Saint Louis Art Museum, Gift of Joseph Pulitzer, Jr., 136:1956. © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris.

sexta-feira, 18 de janeiro de 2013

Piero della Francesca in America

Reverenciado em seu próprio tempo como um "monarca" da pintura, Piero della Francesca (1411/13-1492) é reconhecido hoje como uma figura fundadora do Renascimento italiano. De 12 de fevereiro de 2013 a 19 de maio de 2013, a Frick Collection vai apresentar a primeira exposição monográfica nos Estados Unidos dedicada ao artista.


“Saint Apollonia,” a 15th-century painting by Piero della Francesca, will be at the Frick Collection in February. Credit: National Gallery of Art, Washington, DC Source: The New York Times

Revered in his own time as a “monarch” of painting, Piero della Francesca (1411/13–1492) is acknowledged today as a founding figure of the Italian Renaissance. From February 12, 2013 to May 19, 2013, the Frick Collection will present the first monographic exhibition in the United States dedicated to the artist.

Piero della Francesca (1411/13-1492) Augustine

Sete peças, incluindo seis painéis do retábulo de Santo Agostinho (muitas partes desta obra-prima nunca reunidas) ladeadas pela Virgem e criança entronizada com quatro anjos, seu retábulo apenas intacto pode ser encontrado nos Estados Unidos.



Piero della Francesca – Madonna col bambino e 4 angeli

Seven exhibits, including six panels from the altarpiece of St. Augustine (as many pieces of this masterpiece ever recomposed) flanked by the Virgin and child enthroned with four angels, his only altarpiece intact can be found in United States.


Piero della Francesca. Augustinian Saint. Panel of the Sant'Agostino altarpiece. 1454-1469. Mixed technique on panel and gold background. 39 x 28 cm. The Frick Collection, New York, USA. 

Piero della Francesca criou sete pinturas para serem exibidas em sua cidade natal: Borgo Sansepolcro (Arezzo), em particular, para a sua produção foi fundamental o retábulo de Santo Agostinho (1454-1469), gigante políptico que dominou o altar da Igreja de Santo Agostinho. Uma das maiores figuras inteiras de Santo Agostinho, o Museu Nacional de Arte Antiga, em Lisboa, vai debutar nos Estados Unidos, nesta ocasião, e vai se reunir pela primeira vez com seu companheiro, São João Evangelista do Frick, como com todos os os painéis menores sobreviventes que compõem o retábulo (Santa Apolônia da Galeria Nacional, um frade e uma freira agostiniana da Frick e a crucificação).


The Crucifixion, 15th century tempera on poplar panel, cradled 14 3/4 x 16 3/16 in. (37.5 x 41.1 cm) 
Bequest of John D.Rockefeller, Jr. 1961

Piero della Francesca created seven paintings to be exhibited on his hometown: Borgo Sansepolcro (Arezzo), in particular, was fundamental in his production the altarpiece of Saint Augustine (1454-1469), giant polyptych that dominated the altar of the Augustinian Church. One of the largest whole figures of St Augustine, the Museu Nacional de Arte Antiga in Lisbon, will debut in America on this occasion and will be reunited for the first time with his companion, St. John the Evangelist of the Frick; as with all the smaller surviving panels that made up the altarpiece (Santa Apollonia from the National Gallery, a friar and an Augustinian nun of the Frick and the crucifixion).



Piero della Francesca – Madonna col bambino e 4 angeli

Completando o grupo,  a Virgem no trono com o filho e quatro anjos do Sterling e Francine Clark Art Institute de Williamstown, Massachusetts um dos mais importantes do Renascimento funciona já chegou na América, .



Piero della Francesca, St. John the Evangelist, c. 1454-1469, tempera on poplar panel, 52 3/4 x 24 1/2 inches (Purchased by The Frick Collection, 1936, Accession number: 1936.1.138).

Rounding out the group is one of the most important Renaissance works ever arrived in America, the Virgin enthroned with the child and four angels of the Sterling and Francine Clark Art Institute in Williamstown, Massachusetts.



Piero della Francesca. St. Monica. Panel of the Sant'Agostino altarpiece. 1454-1469. Mixed technique on panel and gold background. 39 x 28 cm. The Frick Collection, New York, USA. 

quinta-feira, 17 de janeiro de 2013

Chagall, entre guerra e paz


(21 de fevereiro de 2013 - 21 de Julho de 2013)

Musée du Luxembourg



Reunindo cerca de uma centena de obras, a exposição destaca a singularidade na qual Chagall discute as representações da guerra e da paz.

Réunissant une centaine d’œuvres, l’exposition met en lumière la singularité avec laquelle Chagall aborde les représentations de guerre et celles de paix.





Chagall morreu em 1985, quase centenário. Ele atravessou o século XX testemunhou uma revolução, duas guerras mundiais e exílio. Muitas experiências que vieram renovar a sua abordagem artística, combinado com os temas revisita fundadores incansavelmente sua cidade natal, Vitebsk, a tradição judaica, a Bíblia, o casal, a família e o circo.

Chagall meurt en 1985, presque centenaire. Il a traversé le XXe siècle, connu une révolution, deux guerres et l’exil. Autant d’expériences qui sont venues renouveler son approche artistique, se conjuguant aux grands thèmes fondateurs qu’il revisite inlassablement : sa ville natale de Vitebsk, la tradition juive, la Bible, le couple, la famille et le cirque.




O século XX, em grande parte, reprimida alegoria e narrativa no art. E é por Chagall foi capaz de quebrar as regras e códigos - mesmo ditames - do pensamento modernista enquanto nutre, ele poderia permanecer figurativa e testemunho de seu tempo. Ele empresta o avant-garde (cubismo, suprematismo, o surrealismo) algumas de suas formas, às vezes parece mais perto, mas permanece independente.

Le XXe siècle a, pour une large part, refoulé l’allégorie et le narratif dans les œuvres d’art. Et c’est parce que Chagall a su s’affranchir des règles et des codes – voire des diktats – de la pensée moderniste tout en s’en nourrissant, qu’il a pu rester figuratif et témoigner de son temps. Il emprunte aux mouvements d’avant-garde (cubisme, suprématisme, surréalisme) quelques-unes de leurs formes, semble parfois s’en rapprocher, mais demeure toujours indépendant.




Começando com a eclosão da Primeira Guerra Mundial, pretende ilustrar momentos-chave na vida e obra de Chagall, Rússia, em tempo de guerra para pós-guerra no sul da França .

Commençant avec la déclaration de la Première Guerre mondiale, elle s’attache à illustrer les moments-clés de la vie et de l’œuvre de Chagall, de la Russie en temps de guerre à l’après-guerre dans le sud de la France.



Em Vitebsk, durante a primeira guerra, Chagall reflete uma realidade crua, o movimento de tropas, os soldados feridos, o povo judeu expulsos de suas aldeias, também se esforça para representar o ambiente da sua infância, que ele parece antecipar o desaparecimento e felicidade conjugal.


A Vitebsk, pendant la première guerre, Chagall rend compte d’une réalité brute, les mouvements de troupes, les soldats blessés, les populations juives chassées de leurs villages ; il s’attache aussi à représenter l’environnement de son enfance, dont il semble pressentir la disparition, et son bonheur conjugal.




Em 1922, Chagall deixou a Rússia definitivamente e se mudou para Paris no ano seguinte. É dedicada à ilustração de vários livros, incluindo a Bíblia. Sua permanência também foi marcado por pinturas são personagens de sonho características híbridas imaginário Chagallian, e muitas imagens do casal, o motivo central em sua obra.

En 1922, Chagall quitte définitivement la Russie et s’installe à Paris l’année suivante. Il se consacre à l’illustration de différents livres, dont la Bible. Son séjour est également marqué par des peintures oniriques où figurent des personnages hybrides caractéristiques de l’imaginaire chagallien, et par de nombreuses images du couple, motif central dans son œuvre.




Antes da ascensão do nazismo, Chagall foi forçado a deixar a França. Exílio nos Estados Unidos, continua a mostrar os estragos da guerra. Os atos bárbaros que devastaram o país e na Europa se misturam com as memórias de pogroms e do tema da crucificação, o símbolo universal do sofrimento humano lhe é imposto. Seu trabalho também reflete seu desejo de encontrar a chave, suas raízes e sua felicidade da família, de luto pelo desaparecimento de Bella, em 1944.

Devant la montée du nazisme, Chagall est contraint de quitter la France. Exilé aux Etats-Unis, il continue de témoigner des ravages de la guerre. Les actes de barbarie qui dévastent l’Europe et sa patrie se mélangent aux souvenirs des pogroms et le thème de la Crucifixion, symbole universel de la souffrance humaine, s’impose à lui. Son œuvre reflète également sa volonté de retrouver l’essentiel, ses racines et son bonheur familial, endeuillé par la disparition de Bella en 1944.

segunda-feira, 14 de janeiro de 2013

Sol LeWitt. O artista e seus artistas




Complex Form n. 12

De 14 de Dezembro de 2012 a 01 de abril de 2013 o Museu MADRE de Nápoles  vai sediar a exposição Sol LeWitt. O artista e os seus artistas, com curadoria de Adachiara Zevi. A iniciativa, patrocinada pela Fundação Donnaregina e apoiado pela Região da Campânia, é o resultado de uma parceria com o Centro Pompidou de Metz e da Fundação Sol LeWitt  de Chester, Connecticut.





Dal 14 dicembre 2012 al 1 aprile 2013 il Museo MADRE di Napoli ospita la mostra Sol LeWitt. L'artista e i suoi artisti, a cura di Adachiara Zevi. L'iniziativa, promossa dalla Fondazione Donnaregina e sostenuta dalla Regione Campania, è in parte frutto della partnership con il Centre Pompidou di Metz e con la Fondazione Sol LeWitt di Chester, Connecticut.


Loopy Doopy

Depois de Nápoles, a exposição da coleção de Sol LeWitt irá à Metz, de 19 abril - 29 julho de 2013.


Metro Napoli - Materdei

Dopo Napoli, la mostra della collezione di Sol LeWitt sarà esposta a Metz dal 19 aprile al 29 luglio 2013.


Metro Napoli - Materdei

A exposição é a primeira homenagem do um museu italiano  a este grande protagonista da Arte Contemporânea Internacional  (LeWitt nasceu em Hartford, Connecticut, em 1928) e depois de sua morte, em 2007, em Nova York, aos 78 anos. Como o título sugere, a exposição pretende mostrar o caráter polimórfico e variado da atividade artística de LeWitt.


Aziende Vitinicole Ceretto, Localita San Cassiano

La mostra è il primo omaggio museale italiano reso a questo grande protagonista dell?'arte contemporanea internazionale (LeWitt nasce a Hartford, Connecticut nel 1928) dalla sua scomparsa nel 2007 a New York, a 78 anni. Come suggerisce il titolo, l'esposizione intende mostrare il carattere polimorfo e variegato dell'attività artistica di LeWitt.



A exposição de Nápoles ilustra uma originalidade artística de quase 50 anos, diviida em três partes, correspondentes a três grupos temáticos, com novas obras projetadas pelo artista e seus assistentes fizeram hoje, com obras nunca mostradas em público antes, com obras de outros artistas,  colecionadas por LeWitt.



Zerynthia

La mostra di Napoli illustra con originalità un percorso artistico di quasi 50 anni suddividendolo in tre sezioni, corrispondenti ad altrettanti nuclei tematici, con opere inedite progettate dall'artista e realizzate oggi dai suoi assistenti, con opere mai esposte al pubblico precedentemente, con opere infine di altri artisti ma collezionate da LeWitt.


Wall drawing - Galleria Ugo Ferranti



Albornoz Palace Hotel



All ifs ands our buts connected by green lines






triangles and angles and sides torn off



tangled bands



untitled



scribbles