Kandinsky antes da Abstração, 1901-1911

A história da Fundação Solomon R. Guggenheim se confunde com a obra de Vasily Kandinsky (nascido em 1866, Moscou;.. falecido em 1944, Neuilly-sur-Seine, França), mais do que qualquer outro artista do século XX. Artista, conselheiro, e primeiro diretor do museu Hilla Rebay incentivou   o  fundador Solomon R. Guggenheim a começar a colecionar a obra de Kandinsky em 1929 e mais tarde conhecer Kandinsky na Dessau Bauhaus em julho de 1930. Esta introdução deu início a um período de aquisição em curso da arte de Kandinsky, com mais de 150 obras em última análise, entrar para a coleção do museu.

Três décadas antes dessa reunião fatídica em Dessau, Kandinsky se lançou na sua carreira artística. Em 1895, ele abandonou a profissão de advogado para se tornar o diretor de arte da empresa de impressão Kushnerev em Moscou. Um ano depois Kandinsky partiu para Munique se associou com os principais grupos de vanguarda da cidade, incluindo o Phalanx, Neue Künstlervereinigung München (Association of Munich New Artists ') e Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul).

Vasily Kandinsky, Igreja ( Kirche ), 1907. Xilogravura
Fundação Hilla von Rebay, emprestada para o Museu Solomon R. Guggenheim, New York 1970 

Em Munique, Kandinsky rapidamente percebeu seu talento para trabalhar com três técnicas de clássicas de gravura, xilogravura, litografia e começou a evoluir como artista e teórico. A xilogravura em particular, que desafiou os artistas a capturar a essência de sua visão ou uma história através de uma redução de meios de expressão, deu a Kandinsky um veículo para articular suas tendências românticas. Lembranças da Rússia, como a mobília alegremente decorada e imagens votivas que ele tinha observado nas casas dos camponeses, combinadas com o historicismo romântico, poesia lírica, folclore e pura fantasia do seu trabalho inicial.

Vasily Kandinsky, Cantora ( Sängerin ), 1903. Xilogravura em papel japonês
Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Kandinsky começou a viajar frequentement em 1904 com seu parceiro, o artista alemão Gabriele Münter, fazendo viagens a Veneza, Paris, Amsterdam, Tunísia, e da Rússia, antes de se estabelecer em Munique novamente em 1908 e traduzir sua gravura para pintura de paisagem. Tais elementos gráficos como formas claramente delineadas, perspectivas achatadas , e as em preto-e-branco e as "não cores" de suas xilogravuras, permeiam as paisagens bávaras coloridas de 1908-1909. Estas pinturas diferem notavelmente dos seus exercícios anteriores em pintura Neo-Impressionista.

Vasily Kandinsky, Mulheres no bosque ( Frauen im Wald ), 1907. 

Xilogravura em papel japonês - Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Por volta de 1913, ele já havia reduzido seus temas reconhecíveis e recorrentes incluindo o cavalo e cavaleiro, colinas, torres e árvores para grandes áreas de cores brilhantes, radiantes que eram subsidiárias das qualidades expressivas de linha e cor. Esses contornos caligráficos e formas rítmicas revelam traços escassos de suas origens de representação. Kandinsky foi finalmente capaz de evocar o que chamou de "poder oculto da paleta" e se afastar de suas origens pictóricas, embarcando assim na estrada para a abstração.


Vasily Kandinsky, Senhora com um leque ( Dame mit Fächer ), 1903. 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Extraidas da coleção do Guggenheim, esta apresentação intimista das primeiras pinturas e xilogravuras é organizada por Tracey Bashkoff , curador sênior, coleções e exposições, e Megan Fontanella , Curador Associado, de Coleções e Procedências.

Ela faz uma dessas caras

Onde ficamos sabendo que Rose foi por muito tempo ignorada.


Auguste Rodin, Escultura de Rose Beuret, 1882,  Metropolitan Museum of Art, New York

Auguste Rodin faz aqui uma escultura representando o rosto de sua companheira, Rose Beuret. Coisa rara  para um retrato: suas pálpebras estão baixadas, e seus olhos quase fechados.

Não se pode deixar de sentir um sentimento mórbido ao contemplar. Por que fica essa impressão?

Em 1864, Rodin conheceu esta jovem lavadeira de 20 anos. Seu relacionamento é duradouro, mas Rose não será suficiente para ele... Rodin a engana com Isadora Duncan, com a Duquesa de Choiseul e Camille Claudel, que se tornou sua musa. Ele ainda se recusa a reconhecer o seu filho com ela. 

Em 1882, o artista faz a sua máscara de gesso representando Rose com as pálpebra fechadas e sua cara preocupada.  Sua cara está fechada, enigmática.

Auguste Rodin, Rose Beuret 1898, Musée Rodin

Alguns anos mais tarde, Rodin esculpiu um novo rosto de Rose que se destaca de um bloco de mármore bruto. 

A aspereza do mármore contrasta com a flexibilidade da pele. Com os olhos ainda fechados, Rose tem aqui um olhar mais calmo.

Mas ainda fica uma sensação de mal estar ao olhar para ela. Alguns vêem nesses rostos de Rose uma alegoria da morte. Outros de sonolencia. Nós não sabemos ainda se ela realmente repousa ou se tolera uma realidade dolorosa.

O Pensador, de Rodin e a sepultura de Rose Beuret, no Museu Rodin em Meudon, na França

Estas esculturas permanecem misteriosas, à imagem de seu modelo. Seja lá o que for, o escultor presta homenagem à mulher que aceita tudo dele e permanece na sua sombra. 

Só depois de 53 anos de vida comum Rodin finalmente decide se casar com Rose já envelhecida e enfraquecida pela doença, mas vitoriosa. Ela morreu logo depois. Eles são enterrados juntos em Meudon.

Rose Beuret e Auguste Rodin no jardim de sua casa em Meudon, 1916

Para mais informações: 

Sobre Rose Beuret : http://www.musee-rodin.fr/fr/collections/sculptures/rose-beuret

Sobre  Auguste Rodin : http://www.musee-rodin.fr/fr/auguste-rodin

fonte: Artips

A Paris de Toulouse-Lautrec: Gravuras e Posters

Um artista de destaque de Belle Époque Paris, Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) trouxe a linguagem do avant-garde do final do século 19 a um público amplo através de seus cartazes famosos, gravuras e ilustrações para jornais e revistas.

A preeminent artist of Belle Époque Paris, Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901) brought the language of the late-19th-century avant-garde to a broad public through his famous posters, prints, and illustrations for journals and magazines.



26 de julho de 2014, 22 de março de 2015

MOMA Nova Iorque



Um nexo cultural, ele conectou artistas, intérpretes, autores, intelectuais e figuras da sociedade de sua época, criando uma ponte entre os bordéis e os salões da sociedade do momento.  

A cultural nexus, he connected artists, performers, authors, intellectuals, and society figures of his day, creating a bridge between the brothels and society salons of the moment.




Seu trabalho permite a entrada em muitas facetas da vida parisiense, da política à cultura visual e a ascensão do entretenimento popular na forma de cabarés e cafés-concertos. 

His work allows entry into many facets of Parisian life, from politics to visual culture and the rise of popular entertainment in the form of cabarets and café-concerts.



Esta exposição, elaborada quase que exclusivamente da coleção estelar de cartazes, litografias, coisas efêmeras impressos e livros ilustrados do Museu de Arte Moderna, é a primeira exposição do MoMA em 30 anos dedicada exclusivamente à Lautrec, e possui mais de 100 exemplos das obras mais conhecidas criadas durante o ápice de sua carreira.

This exhibition, drawn almost exclusively from The Museum of Modern Art’s stellar collection of posters, lithographs, printed ephemera, and illustrated books, is the first MoMA exhibition in 30 years dedicated solely to Lautrec, and features over 100 examples of the best-known works created during the apex of his career.

MULHERES, MENINAS, ELAS

Organizada tematicamente, a exposição explora cinco temas que, juntos, criam um retrato de Lautrec Paris. A seção dedicada ao café-concertos e salões de dança examina a ascensão da cultura vida noturna em França, através da representação de locais famosos, incluindo o célebre Moulin Rouge. 

Organized thematically, the exhibition explores five subjects that together create a portrait of Lautrec’s Paris. A section devoted to café-concerts and dance halls examines the rise of nightlife culture in France through the depiction of famous venues, including the celebrated Moulin Rouge. 

Outra incide sobre as atrizes, cantores, dançarinos e artistas que despertaram a imaginação do artista e serviram como suas musas, incluindo Yvette Guilbert, a aclamada dançarina Loie Fuller, e a amiga íntima Jane Avril. 

Another focuses on the actresses, singers, dancers, and performers who sparked the artist’s imagination and served as his muses, including Yvette Guilbert, acclaimed dancer Loie Fuller, and close friend Jane Avril.



As imagens simpáticas das mulheres de Lautrec são evidentes em um conjunto de obras que inclui seu marco portfolio Elas, retratando prostitutas durante horas de folga, em momentos tranqüilos de introspecção. 

Lautrec’s sympathetic images of women are evident in a group of works that includes his landmark Elles portfolio, depicting prostitutes during nonworking hours, in quiet moments of introspection.



O papel de Lautrec na comunidade artística de Paris é explorado em uma seção dedicada a seu círculo criativo, destacando projetos para letras de música para canções populares que inundaram os cafés-concertos de Paris, programas para as produções teatrais de vanguarda que participou, e suas contribuições para revistas e resenhas intelectuais. 

Lautrec’s role in Paris’s artistic community is explored in a section devoted to his creative circle, highlighting designs for song sheets for the popular music that flooded Paris’s café-concerts, programs for the avant-garde theatrical productions that he attended, and his contributions to magazines and intellectual reviews.



A seção final olha para os prazeres da capital, como as corridas de cavalos em Longchamp e passeios no Bois de Boulogne, a nova moda de patinação no gelo e o apelo duradouro da cultura da gastronomica de Paris.

A final section looks at the pleasures of the capital, from horse racing at Longchamp and promenading on the Bois de Boulogne, to the new fad for ice skating and the enduring appeal of Paris’s culture of gastronomy.



A publicação que acompanha destaca  a coleção de posters e gravuras do Museu por Lautrec, com um ensaio introdutório sobre o artista e cinco seções temáticas ilustradas que exploram a belle époque de Paris vista através dos olhos de Lautrec, por Sarah Suzuki. 

The accompanying publication highlights the Museum’s collection of prints and posters by Lautrec, with an introductory essay on the artist and five illustrated thematic sections that explore belle époque Paris as seen through Lautrec’s eyes, by Sarah Suzuki. 

Organizada por Sarah Suzuki, Curadora Associada do Departamento de desenhos e gravuras, do MoMA.

A exposição é apoiada pelo Fundo Exposição Anual MoMA.

Pintura e papéis de parede fornecidos pela Farrow & Ball. 

Organized by Sarah Suzuki, Associate Curator, Department of Drawings and Prints, MoMA.

The exhibition is supported by the MoMA Annual Exhibition Fund.

Paint and wallpaper provided by Farrow & Ball.

NO PALCO

O CAFÉ CONCERTO

Jeff Koons: Uma Retrospectiva

Jeff Koons, Inflatable Flower and Bunny (Tall White, Pink Bunny), 1979. Vinyl and mirrors; 32 × 25 × 19 in. (81.3 × 63.5 × 48.3 cm). The Broad Art Foundation, Santa Monica. © Jeff Koons

27 JUNHO - 19 OUTUBRO, 2014

Whitney Museum of American Art

Jeff Koons, Teapot, 1979. Teapot, plastic tubes, and fluorescent lights; 26 × 9 × 13 in. (66 × 22.9 × 33 cm). The Sonnabend Collection, Nina Sundell, and Antonio Homem. © Jeff Koons


Jeff Koons é considerado como um dos artistas mais importantes, influentes, populares e controversos da era pós-guerra.

Jeff Koons is widely regarded as one of the most important, influential, popular, and controversial artists of the postwar era.

Jeff Koons, Inflatable Flowers (Short Pink, Tall Purple), 1979. Vinyl, mirrors, and acrylic; 16 × 25 × 18 in. (40.6 × 63.5 × 45.7 cm). Collection of Norman and Norah Stone. © Jeff Koons

Ao longo de sua carreira, ele foi o pioneiro de novas abordagens para o readymade, testou os limites entre arte avançada ea cultura de massa, desafiou os limites da fabricação industrial, e transformou a relação de artistas para o culto da celebridade e do mercado global.

Throughout his career, he has pioneered new approaches to the readymade, tested the boundaries between advanced art and mass culture, challenged the limits of industrial fabrication, and transformed the relationship of artists to the cult of celebrity and the global market.

Jeff Koons, New Hoover Celebrity III’s, 1980. Two vacuum cleaners, Plexigas, fluorescent lights; 56 × 11 × 12 1/2 in. (142.2 × 27.9 × 31.8 cm). Collection of Jeffrey Deitch. ©Jeff Koons

No entanto, apesar dessas conquistas, Koons nunca foi objeto de uma retrospectiva levantando o escopo completo de sua carreira.

Yet despite these achievements, Koons has never been the subject of a retrospective surveying the full scope of his career. 

Jeff Koons, One Ball Total Equilibrium Tank (Spalding Dr. J 241 Series), 1985. Glass, steel, sodium chloride reagent, distilled water, and basketball; 64 3/4 × 30 3/4 × 13 1/4 in. (164.5 × 78.1 × 33.7 cm). B.Z. and Michael Schwartz. ©Jeff Koons.

Composta por quase 150 objetos que datam de 1978 até o presente, esta exposição será a mais abrangente já dedicada à obra inovadora do artista.

Comprising almost 150 objects dating from 1978 to the present, this exhibition will be the most comprehensive ever devoted to the artist’s groundbreaking oeuvre. 

Jeff Koons, I Could Go For Something Gordon’s, 1986. Oil inks on canvas; 45 × 86 1/2 in. (114.3 × 219.7 cm). Allison and Warren Kanders. ©Jeff Koons

Ao reconstituir todas as suas obras mais emblemáticas e séries significativas em uma narrativa cronológica, a retrospectiva permitirá aos visitantes compreenderem a produção notavelmente diversa de Koons como um todo multifacetado.

By reconstituting all of his most iconic works and significant series in a chronological narrative, the retrospective will allow visitors to understand Koons’s remarkably diverse output as a multifaceted whole.

Jeff Koons, Doctor’s Delight, 1986. Stainless steel; 11 × 6 3⁄4 x 5 3⁄4 in. (27.9 × 17.1 × 14.6 cm). Edition no. 1/3. The Sonnabend Collection and Nina Sundell. © Jeff Koons

Esta exposição será a primeira grande apresentação do artista do museu em Nova York, e a primeira a preencher quase a totalidade do edifício Marcel Breuer da Whitney apenas com o trabalho de um artista.

This exhibition will be the artist’s first major museum presentation in New York, and the first to fill nearly the entirety of the Whitney’s Marcel Breuer building with a single artist’s work. 

Jeff Koons, Rabbit, 1986. Stainless steel; 41 × 19 × 12 in. (104.1 × 48.3 × 30.5 cm). Museum of Contemporary Art Chicago; partial gift of Stefan T. Edlis and H. Gael Neeson, 2000.21. © Jeff Koons

Será também a exposição final a ter lugar nesse endereço antes que o Museu abra seu novo prédio no Meatpacking District, em 2015. 

 It will also be the final exhibition to take place there before the Museum opens its new building in the Meatpacking District in 2015. 

Jeff Koons, Bear and Policeman, 1988. Polychromed wood; 85 × 43 × 37 in. (215.9 × 109.2 × 94 cm). Artist’s proof. Collection of Jeffrey Deitch. © Jeff Koons

Jeff Koons: Uma Retrospective é organizado por Scott Rothkopf, Nancy e pela Família Steve Crown Curador e Diretor Adjunto de Programas.

Jeff Koons: A Retrospective is organized by Scott Rothkopf, Nancy and Steve Crown Family Curator and Associate Director of Programs.

Jeff Koons, Michael Jackson and Bubbles, 1988. Porcelain; 42 × 70 1⁄2 x 32 1⁄2 in. (106.7 × 179.1 × 82.6 cm). Private collection. © Jeff Koons

A exposição viaja para o Centre Pompidou, Musée d'art moderne nacional, Paris (26 de novembro 2014-27 de abril de 2015) e para o Guggenheim Bilbao (5 de junho-27 de setembro, 2015)

The exhibition travels to the Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris (November 26, 2014–April 27, 2015) and to the Guggenheim Bilbao (June 5–September 27, 2015).

Jeff Koons, Poodle, 1991. Polychromed wood; 23 × 39 1⁄2 x 20 1⁄2 in. (58.4 × 100.3 × 52.1 cm). Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P. 2011.212. © Jeff Koons

Jeff Koons, Balloon Dog (Yellow), 1994–2000. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating; 121 × 143 × 45 in. (307.3 × 363.2 × 114.3 cm). Private collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Tulips, 1995–98. Oil on canvas; 111 3⁄8 x 131 in. (282.9 × 332.7cm). Private collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Loopy, 1999. Oil on canvas; 108 × 79 1⁄4 in. (274.3 × 200.7 cm). Bill Bell Collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Elephant, 2003. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating; 36 1⁄2 x 29 × 19 in. (92.7 × 73.7 × 48.3 cm). Private collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Popeye, 2009–12. Granite and live flowering plants; 78 × 52 3⁄8 x 28 3⁄8 in. (198.1 × 132.9 × 72.1 cm). Bill Bell Collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Hulk (Organ), 2004–14. Polychromed bronze and mixed media; 93 1⁄2 x 48 5⁄8 x 27 7⁄8 in. (237.5 × 123.5 × 70.8 cm). The Broad Art Foundation, Santa Monica. © Jeff Koons



Jeff Koons, Pluto and Proserpina, 2010–13. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating and live flowering plants; 129 × 65 3⁄4 x 56 5⁄8 in. (327.7 × 167 × 143.3 cm). Oceana Bal Harbour, Bal Harbour, Florida. © Jeff Koons



Jeff Koons, Gazing Ball (Farnese Hercules), 2013. Plaster and glass; 128 ½ x 67 × 48 5/8 in. (326.4 × 170 × 123.5 cm). Amy and Vernon Faulconer and The Rachofsky Collection. © Jeff Koons

Charles James: além da moda

A exposição inaugural do recém-renovado Costume Institute examina a carreira do lendário costureiro anglo-americano do século XX Charles James (1906-1978) , e é apresentada em dois locais - galerias de exposições especiais no primeiro andar do Museu e no Centro de Costumes do Instituto Anna Wintour, no piso térreo. 

The inaugural exhibition of the newly renovated Costume Institute examines the career of legendary twentieth-century Anglo-American couturier Charles James (1906–1978), and is presented in two locations—special exhibition galleries on the Museum's first floor and The Costume Institute's Anna Wintour Costume Center on the ground floor. 

Charles James Ball Gowns, 1948

Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, Photograph by Cecil Beaton, Beaton / Vogue / Condé Nast Archive. Copyright © Condé Nast

Charles James: além da moda

The Metropolitan Museum of Art

de 8 de Maio a 10 de Agosto de 2014

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

Evening Dress, 1948

Black silk satin and black silk velvet

The Metropolitan Museum of Art, New York, Brooklyn Museum Costume Collection at The Metropolitan Museum of Art, Gift of the Brooklyn Museum, 2009; Gift of Millicent Huttleston Rogers, 1949 

A exposição explora o processo de design de James, especificamente no uso de abordagens esculturais, científicas e matemáticos para construir vestidos de baile revolucionários e alfaiataria inovadora que continuam a influenciar os designers de hoje. 

It explores James's design process, specifically his use of sculptural, scientific, and mathematical approaches to construct revolutionary ball gowns and innovative tailoring that continue to influence designers today. 

A retrospectiva apresenta cerca de sessenta e cinco dos designs mais notáveis que ​​James produziu ao longo de sua carreira, desde a década de 1920 até sua morte em 1978.

The retrospective features approximately sixty-five of the most notable designs James produced over the course of his career, from the 1920s until his death in 1978.

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

Ball Gown, 1949–50

Red silk velvet, red silk satin, white cotton organdy

The Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum Costume Collection at The Metropolitan Museum of Art, Gift of the Brooklyn Museum, 2009; Gift of Arturo and Paul Peralta-Ramos, 1954 

O foco das galerias de exposições especiais do primeiro andar analisa o glamour resplandecente e arquitetura de tirar o fôlego dos vestidos de baile de James. 

The first-floor special exhibition galleries spotlight and analyze the resplendent glamour and breathtaking architecture of James's ball gowns.

 

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

"Butterfly" Ball Gown, ca. 1955

Brown silk chiffon, cream silk satin, brown silk satin, dark brown nylon tulle

The Metropolitan Museum of Art, New York, Purchase, Friends of The Costume Institute Fund, 

Estão apresentados quinze dramaticamente iluminados, vestidos  icônicss de James, incluindo o "Leaf Clover", "borboleta", "Árvore", e "Cisne" do final dos anos 1940 e início dos anos 1950. 

On view are fifteen dramatically lit, iconic James gowns including the "Clover Leaf," "Butterfly," "Tree," and "Swan" from the late 1940s and early 1950s. 

Animações, textos analíticos, raios-x, e imagens vintage contam a história da intrincada construção de cada vestido.

Analytical animations, text, x-rays, and vintage images tell the story of each gown's intricate construction and history.

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

Evening Dress, 1946

Black silk-rayon velvet, red silk satin, brown silk faille, black silk crepe

The Metropolitan Museum of Art, New York, Brooklyn Museum Costume Collection at The Metropolitan Museum of Art, Gift of the Brooklyn Museum, 2009; Gift of Arturo and Paul Peralta-Ramos, 1954 

O Centro de Costume Anna Wintour e  a  Galeria  Lizzie e Jonathan Tisch fornecem a tecnologia e flexibilidade para dramatizar a artesania de James. 

The Anna Wintour Costume Center's Lizzie and Jonathan Tisch Gallery provides the technology and flexibility to dramatize James's craft. 

Um caminho em torno de uma plataforma  em cruz, onde a evolução e a metamorfose das roupad  de dias e de noite de James  são exploradas em quatro categorias: espirais e  embrulhos, cortinas e dobras, formas platônicas, e cortes anatomicos. 

A pathway winds around a cruciform platform where the evolution and metamorphosis of James's day and evening wear are explored in four categories: Spirals & Wraps, Drapes & Folds, Platonic Form, and Anatomical Cut. 

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

"Four Leaf Clover" Evening Dress, 1953

White silk satin, white silk faille, black silk-rayon velvet

The Metropolitan Museum of Art, New York, Gift of Elizabeth Fairall, 1953 

Animações de vídeo voltadas para os exemplos mais representativos da sua abordagem são mostradas em monitores e câmeras ao vivo detalhando as costas das roupas e são projetadas nas paredes. 

Video animations focused on the most representative examples of his approach are shown on monitors, and live-feed cameras detailing the backs of garments are projected on the walls. 

A Galeria Carl e Iris Barrel Apfel  exibe as coisas efêmeras da vida e da obra de James, incluindo desenhos, peças padrão, moldes de vestidos, maquetes de jóias, álbuns de recortes, e acessórios.

The Carl and Iris Barrel Apfel Gallery displays ephemera from James's life and work, including drawings, pattern pieces, dress forms, jewelry maquettes, scrapbooks, and accessories.

Charles James with Model, 1948

Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, Photograph by Cecil Beaton, Beaton / Vogue / Condé Nast Archive. Copyright © Condé Nast

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

"Taxi" Dress, ca. 1932

Black wool ribbed knit

The Metropolitan Museum of Art, New York, Purchase, Alan W. Kornberg Gift, 2013 (2013.309)

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978), 
Ball Gown, 1949–50
- Red silk velvet, red silk satin, white cotton organdy

Babe Paley in Charles James Ball Gown, 1950

Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, Photograph by John Rawlings, Rawlings / Vogue / Condé Nast Archive. Copyright © Condé Nast