Alberto Burri (1915 to 1995), Iron, 1960, Iron on wood stretcher, 36 x 38 cm, Private collection, © Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012.
Alberto Burri e os movimentos pós-guerra na arte italiana
13 janeiro - 8 abril, 2012
Estorick Collection
Londres
Alberto Burri (1915 to 1995), Procession of the Dead Christ, 1946, Oil on canvas, 52.5 x 46 cm, Private collection, © Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012.
Alberto Burri (1915-1995) é uma figura importante na abstração, cujo trabalho revolucionou o vocabulário artístico do mundo da arte pós-guerra.
Burri valorizou os materiais pobres, como a sacaria e o alcatrão criando uma nova estética rica em poder expressivo na década de 1950, e mais tarde provou ser decisivo para os artistas associados ao movimento Arte Povera.
No entanto, apesar de seu tamanho, Alberto Burri: Forma e da Matéria é a primeira grande exposição retrospectiva da obra do artista no Reino Unido.
Ela oferece uma visão abrangente da realização de Burri através cerca de quarenta obras poderosas compreendendo quatro décadas, desde os primeiros pedaços figurativos da década de 1940 até as obras inovadoras abstratas onde ele é mais conhecido.
Alberto Burri (1915 to 1995), Untitled, 1952, Tempera on card, 10.2 x 17.5 cm, Galleria delle Arti, Citta’ di Castello, © Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012.
A evolução do trabalho Burri foi rápida. Rapidamente abandonando seu estilo figurativo, ele começou a explorar abstração em obras vibrantes, mas delicadas inspiradas por artistas como Paul Klee.
Entre 1948 e 1950, ele foi desenvolver uma abordagem revolucionária para a construção de imagens fundamentadas em uma exploração poética da matéria que desafiou a natureza bidimensional da obra de arte na parede - um interesse que ele continuou a expandir e aperfeiçoar ao longo de uma carreira longa e frutífera.
Inicialmente explorada em termos de texturas de tinta variadas, essa preocupação rapidamente o levou a se envolver e incorporar uma grande variedade de materiais em suas obras, que vão desde o alcatrão a pedra-pomes e a sacaria.
Alberto Burri (1915 to 1995), Sacking and Red, 1954, Acrylic and hessian collage on canvas, 86.4 x 100.3 cm, Tate, London, © Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012.
Estas peças posteriores, freqüentemente se aproximam à carne dilacerada e costurada , parecendo conter elementos fortemente autobiográficos relativos à formação médica de Burri.
Outros veem as obras como um comentário sobre a depressão da Itália do pós-guerra, ou até mesmo relacioná-las com o material grosseiro dos hábitos usados pelos monges franciscanos, cuja casa espiritual está localizada em Assis, na região da Umbria onde Burri morava.
No entanto, o próprio artista de forma consistente minimizou o significado de tais associações, enfatizando as qualidades das obras como formais , narrativas, anedóticas ou metafóricas. Na verdade, Burri era relutante em falar sobre seu trabalho sob qualquer contexto.
Seu significado, insistia ele, encontrava-se dentro da composição em si e em nenhum outro lugar - em suas tensões, suas harmonias e seu senso de equilíbrio ou desequilíbrio. "As palavras não são de nenhuma ajuda para mim quando eu tento falar sobre a minha pintura", ele disse certa vez: "elas falam ao redor da imagem. O que tenho para expressar aparece na imagem."
Alberto Burri (1915 to 1995), White Cretto, 1975, Acrovinyl on cellotex, 42 x 85 cm, Galleria delle Arti, Citta’ di Castello,© Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012.
Em 1951 Burri co-fundou o Grupo Origine juntamente com artistas como Giuseppe Capogrossi, Mario Ballocco, e Ettore Colla, com quem Burri teve o maior afinidade e como Colla também construiu peças com de detritos da vida moderna, mais conhecidas com sucata de metal.
Desde o final dos anos 1950, Burri trabalhou com ferro, e passou a experimentar materiais sintéticos, materiais industriais, tais como cellotex isolante de meados dos anos 1970.
Por volta de 1954 Burri começou a queimar e derreter materiais obtendo efeitos imprevisíveis e incorporando em suas composições.
Neste contexto, tornou-se um protagonista principal de Arte Informal, uma tendência a nível europeu, que incidiu sobre o processo artístico, tanto quanto o produto acabado e que, em mais manifestações de pintura, se espelharam na estética da Action Painting americana através da ênfase na importância do gesto do artista.
O Trabalho Burri alcançou grande sucesso nos Estados Unidos, onde foi exibido no Guggenheim Museum e foi muito admirado por artistas como Robert Rauschenberg e Cy Twombly.
Alberto Burri (1915 to 1995), Upper Piazza, 1947, Oil on canvas, 45 x 41 cm, Private collection, © Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012.
Alberto Burri (1915 to 1995), Sack, 1954, Sacking, gold and oil on canvas,100 x 88 cm, Fondazione Magnani Rocca, © Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012.
A exposição inclui vários exemplos de trabalhos criados com uma variedade de meios e técnicas menos comumente associadas com o artista, incluindo uma série de gravuras raras.
Com curadoria de Massimo Duranti historiador de arte, ela representa uma reconsideração de um dos mestres incontestáveis do século 20.
A exposição foi organizada sob o patrocínio da Fondazione Palazzo Albizzini na Città di Castello - o maior repositório de obras de Burri legada pelo artista à sua cidade natal - e baseando-se em importantes coleções públicas e privadas da Itália e do Reino Unido, incluindo a Tate Modern, o Musei Vaticani e a Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma.
Alberto Burri (1915 to 1995), Iron, 1960, Iron on wood stretcher, 36 x 38 cm, Private collection, © Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012.
Talvez mais do que quaisquer outros, essas obras melhor exemplificam a sua capacidade de evocar a poesia - e uma sensação de monumentalidade - desde os mais simples e mais ásperos materiais.
O exemplo Burri foi muito influente para a obra de Mario Merz e Jannis Kounellis, que também exploraram o potencial expressivo de substâncias "sem glamour" e não convencionais como terra, ferro e carvão em suas instalações no final da década de 1960.
Em termos de suas influências, Burri foi capaz de desenhar sobre um rico património italiano, inspirando-se no trabalho de artistas futuristas como Umberto Boccioni (1882-1916).
O Manifesto de Boccioni de 1912 da Técnica de Escultura Futurista exortou artistas a rejeitar a exclusividade de tais "nobres" materiais como bronze e mármore, declarando que eles deveriam "insistindo em que até 20 diferentes tipos de materiais podem ser usados em uma única obra de arte."
Burri também admirava Enrico Prampolini (1894-1956), cuja série de obras a partir dos anos entre-guerras, o Encontro com a Matéria estendeu as experiências de Boccioni e engajados com a noção de "tactilismo" proposta inicialmente pelo líder futurista, F. T. Marinetti, no início dos anos década de 1920.
Alberto Burri (1915 to 1995), Combustion, 1961, Scorch marks, fabric, paper, acrylic and PVA glue on cardboard, 22 x 17 cm, Fondazione Magnani Rocca, © Fondazione Palazzo Albizzini, Collezione Burri, Città di Castello, 2012
A abordagem 'escultural' de Burri para criar obras de arte chegou a um extremo entre 1950 e 1952, quando ele embarcou na sua breve ("corcunda") séries, que onde se esticam telas em formas distorcidas, incorporando inserções de madeira de forma a fazer com que pareça com formas de vida, presas na moldura da obra, lutando para se libertar delas mesmas.
Em sua rejeição da noção de um plano inviolável da tela plana, essas obras refletidas "espacial" aspirações equivalentes às personificadas nas telas cortadas de Lucio Fontana, criadas na mesma época.
No entanto, Burri rapidamente se afastou de tais experiências e voltou para sua investigações das qualidades poéticas dos materiais, e o seu intuito de descobrir do que as composições e construções eram capazes de resultar.
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Estorick Collection
39a Cononbury Square
+ 44 (0)20 7704 9522
London
Lauren Kelley (American, b. 1975), Pickin’, 1999, Courtesy of the photographer.
Williams College Museum of Art
Williamstown
* Setembro 11 - novembro 21, 2010
Jeffrey Henson Scales (American, b. 1954), Man in Plaid Pants, Harlem, ca. 1980s, Courtesy of the photographer.
A Beleza como um assunto tem sido idealizada, bem como desafiada, ao longo da história da arte ocidental e a construção da imagem. Beleza posada explora compreensões contemporâneas de beleza, ao formular a noção de estética, raça, classe, sexo e dentro da arte, cultura popular e contextos políticos.
As imagens apresentadas nesta exposição desafiam as formas idealizadas de beleza na arte, examinando seus retratos e exploram uma variedade de atitudes em relação à raça, classe e gênero.
Theodore Fonville Winans (American, 1911-1992), Dixie Belles, Central Louisiana, 1938. Courtesy of the Ogden Museum of Southern Art and Bob Winans.
O Williams College Museum of Art apresenta Belezas que Posam na Cultura Afro-Americana, uma exposição que explora as maneiras contestadas nas quais as belezas Africanas e Afro-Americanas foram representadas em contextos históricos e contemporâneos através de uma gama diversificada de mídia, incluindo fotografia, vídeo, moda e publicidade.
Jeffrey Henson Scales (American, b. 1954), Man in Plaid Pants, Harlem, ca. 1980s, Courtesy of the photographer.
A primeira das três seções temáticas, Construindo a Pose, considera a interação entre o histórico e o contemporâneo, entre a auto-representação e a representação impostas, e a relação entre o assunto e fotógrafo.
Eve Arnold (American, b. 1913), Arlene Hawkins with Afro puffs, New York City, 1968, Magnum Photos, ARE196812 KXX1
O segundo tema, Corpo e Imagem, questiona as maneiras em que nosso entendimento contemporâneo de beleza tem sido construído e moldado através do corpo.
Jamel Shabazz (American, b. 1960), Rude Boy, from Back in the Days, 1980, Courtesy of the photographer.
A última seção, Beleza Modelada & Concursos de beleza, nos convida a refletir sobre as ambigüidades da beleza, seu impacto na cultura de massa e os indivíduos, e como a exibição de beleza afeta as maneiras pelas quais vemos e interpretamos o mundo e a nós mesmos.
Carrie Mae Weems (American, b. 1953), I Looked and Looked to See What so Terrified You, 2006, Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery
Belezas que Posam contém mais de 90 obras de arte provenientes de coleções públicas e privadas e é acompanhada por um livro publicado pela WW Norton.
Ken Ramsay (Jamaican, b. 1936), Susan Taylor, ca. 1970s, Courtesy of the photographer.
http://web.williams.edu/Art/contact-us.php
Williams College Museum of Art
Williamstown
Lawrence Hall
15 Lawrence Hall Drive
Williamstown, MA 01267
413.597.2015
Fax 413 597-3498
Standing Prince Shōtoku at Age Two (Shōtoku Taishi Nisaizō), c. 1292 Japan; Kamakura period, 1185 – 1333
A Fundação Pulitzer para as Artes
09 de setembro de 2011 - 10 março de 2012
Standing Buddha Amitābha (Amida Nyōrai), mid‑13th century Japan, Kamakura period, 1185 – 1333
Reflexos de Buda apresenta 22 obras de arte budista que datam do segundo século EC.
Left Hand of a Colossal Buddha Amitābha (Amida Nyōrai), c. 1202 Attributed to Kaikei, Japanese, active c. 1183 – 1236
As obras estão expostas em diálogo com a construção do Pulitzer de Tadao Ando, que considera suas estruturas "ao mesmo tempo sagradas e seculares, permitindo indivíduo, a possibilidade da serenidade do lugar."
Head of a Celestial Attendant, Presumably Head of a Bodhisattva (Bosatsu) or of an Apsara (Hiten), c. 1053 Attributed to Studio of Jōchō, Japanese, died 1057; Heian period, 794 – 1185;
Em Reflexos de Buda, cada obra de arte responde à arquitetura de tal forma a incentivar o olhar atento e a contemplação.
A Scene from the Life of the Buddha, late 2nd or early 3rd century Pakistan, ancient Gandhāra region; Kushan period, 1st century BCE – 3rd century CE
Head of Buddha Śākyamuni, 4th century
A maioria das obras budistas foram criadas para servir como auxiliares na expressão visual do estado indescritível conhecido como a iluminação (Nirvana), o discernimento espiritual ou consciência que liberta a pessoa do samsara, o ciclo de nascimento, morte e renascimento , um conceito central para o budismo.
Torso of a Buddha, 5th century India, Uttar Pradesh, Mathurā; Gupta period
Budismo, uma das grandes religiões do mundo, é derivada de seu fundador, um príncipe indiano chamado Sidarta Gautama, que viveu durante o século V aC.
Depois de testemunhar uma morte e pessoas sofrendo de decrepitudes e doenças, Sidarta, na idade de 29, tornou-se profundamente melancólico e renunciou à sua riqueza.
Standing Buddha Śākyamuni (Shijiamouni), late 6th century China, Northern Qi dynasty, 550 – 577, or Sui dynasty, 581 – 618
Ele perambulou como um asceta por seis anos, até que uma noite ele meditou sobre a sua existência.
Sea of Buddha, 1995, Hiroshi Sugimoto Japanese, born 1948
Sidarta percebeu que todas as coisas são efêmeras e num estado constante de mudanças; todas as coisas não satisfazem, uma vez que quaisquer prazeres físicos ou psicológicos, são fugazes, e em todos os fenômenos faltam o indivíduo ou a alma, o que leva a uma abnegação, bondade e compaixão pelos outros. Através deste conhecimento, ele alcançou a iluminação.
Acala Candamaharosana (Budong Mingwang), “The Immovable One,” One of the Five Great Wisdom Kings, 1764 China, Qing dynasty, 1644 – 1912; kesi thangka
Four‑circle Hevajra Mandala (Kye-ba Rdo-rje dkyil-‘khor), 15th or 16th century Tibet; thangka mounted as an album leaf; ink and colors on linen
As obras budistas nesta exposição vêm principalmente de duas divisões principais que se desenvolveram no norte da Índia e se espalharam por toda a Ásia: Mahayana ("veículo grande"), que começou a florescer no primeiro século dC, e Vajrayana (Veículo Diamante), que evoluiu um pouco antes do século VI dC.
Four‑circle Hevajra Mandala (Kye-ba Rdo-rje dkyil-‘khor), 15th or 16th century Tibet
Bodhisattva Avalokiteśvara (Karunamaya), late 10th or early 11th century Nepal, Transitional period, c. 879 – 1200
Mahāyāna leva muitos eons para se completar, enquanto Vajrayana enfatiza rituais tântricos e técnicas transmitidas de mestre para discípulo que oferecem a possibilidade de alcançar o estado de Buda dentro de uma única vida.
Bodhisattva Avalokiteśvara in the Form of Khasarpana Lokeśvara, late 11th or early 12th century India, Bihar or Bengal; Pāla period, c. 700 – 1200
O título desta exposição remete a uma elaboração Tibetana sobre a origem lendária de todas as imagens de Śākyamuni.
Womb World Mandala (Taizōkai mandara), mid‑13th century Japan, Kamakura period, 1185 – 1333; hanging scroll, gold and color on indigo‑dyed silk
Embora ambas acreditam que muitos Budas e bodhisattvas (seres iluminados que postergaram o nirvana para ajudar os outros a alcançá-lo) existe em muitos mundos, e cada tradição enfatiza uma viagem diferente para o estado de Buda.
Seated Bodhisattva Avalokiteśvara (Guanyin), 8th century China; Tang dynasty, 618 – 907; bronze with gilding
Diz-se que o rei Udayana encomendou uma imagem de madeira de sândalo de Śākyamuni, mas o artista não podia suportar olhar diretamente para o seu brilho.
Bodhisattva Avalokiteśvara in the Form of Khasarpana Lokeśvara, late 11th or early 12th century India, Bihar or Bengal; Pāla period, c. 700 – 1200
A exposição também considera como certas formas de meditação procuram chamar Reflexos de Buda para dentro de si mesmo, e como a experiência das obras de arte e do Pulitzer em si, estão, literalmente, refletidas na piscina que Tadao Ando projetou no centro do edifício .
Standing Buddha (possibly Śākyamuni) (Sokkamuni), 8th or 9th century Korea, Unified Silla dynasty, 668 – 935; gilt bronze;
Guardian King of the North (Vaiśravana) (duo wen tian wang), 1279 – 1368 China, Yuan dynasty, 1279 – 1368
Buddhist Triad: Buddha Amitābha (Amita Yeorae) Seated on a Lotus Throne with His Hands Held in the Bhūmisparśa mudrā (chokji in) and Flanked by Two Standing Bodhisattvas, Presumably Avalokiteśvara (Gwaneum) and Mahāsthāmaprāpta (Daeseji), mid-15th century Korea, Joseon dynasty, 1392 – 1910
“ The Universal Gateway of Bodhisattva Avalokiteśvara,” Chapter Twenty-Five of the Lotus Sūtra (Miaofa lianhua jing Guanshiyin pusa pumenpin), with an appended Heart Sūtra (Xin jing), 1432 China, Ming dynasty, 1368 – 1644
http://pulitzerarts.org/
The Pulitzer Foundation for the Arts
3716 Washington Boulevard Saint Louis, MO 63108-3612, Estados Unidos(314) 754-1850
Jesús Soto, Sans titre (La ficelle – matiére transformée) (Untitled [The String – Transformed Material]), 1961, Paint on wire and wood, 91 x 91 x 18 cm, Collection Anne Soto.
10 janeiro - 31 março, 2012
New York University
Jesús Soto, Petite écriture noire (Small Black Writing), 1968, Paint on wood and metal with wire strings, 74 x 140 x 16 cm, Collection Héléne Soto.
A primeira exposição de grande escala dedicado a Jesús Soto a ser realizada em um museu de Nova York em mais de 35 anos, Soto: Paris e Além, 1950-1970 está à vista na Grey Art Gallery da New York University.
Jesús Soto, El tambor (The Drum), 1963, Wood, paint, nylon, and metal, 71 x 71 x 15 cm, Private collection.
Com curadoria de Estrellita B. Brodsky e compreendendo uma seleção de aproximadamente 50 obras, a exposição destaca o início da carreira deste grande artista venezuelano, depois que ele se mudou de Caracas para Paris em 1950.
Jesús Soto, Doble transparencia (Double Transparency), 1956, Oil on acrylic and wood, 55 x 55 x 32 cm, Colección Patricia Phelps de Cisneros.
Soto: Paris e Além oferece uma rara oportunidade para traçar a trajetória de Soto visionário assim como sua influência recíproca e intercâmbio com outros membros da vanguarda.
Jesus Soto, (Untitled [Grains of Rubber]), 1961, Granulated glue and paint on wire, cloth, and Masonite, 72 x 72 x 20 cm, Private collection.
Realizações inovadoras do artista nos campos da percepção e da arte interativa estabeleceu sua reputação como defensor tanto da incipiente arte cinética internacional e como um dos artistas mais influentes da América Latina do século 20.
Jesús Soto, Structure blanche (White Structure), 1960, Paint on putty and wood, 38.5 x 37 x 12 cm, Collection Helene Soto.
Inspirando-se na ótica, teoria musical, e da fenomenologia, Jesús Soto (1923-2005) inventou uma relação radicalmente nova entre a arte eo espectador.
Jesús Soto, Structure blanche (White Structure), 1960, Paint on putty and wood, 38.5 x 37 x 12 cm, Collection Helene Soto.
Os primeiros exemplos de Soto na exposição - pinturas a óleo do início dos anos 1950, como Rotation (1952) - transmitem uma sensação de dinamismo através da repetição de formas geométricas que ativam a superfície da imagem.
Jesús Soto, Structure blanche (White Structure), 1960, Paint on putty and wood, 38.5 x 37 x 12 cm, Collection Helene Soto.
Soto logo se estendeu essas experiências visuais à um espaço real, à pintura de motivos abstratos com cores vibrantes em camadas de Plexiglas, que ele então sobrepunha para criar objetos tridimensionais.
Jesús Soto, Sin titulo (paisaje), Untitled (Landscape), 1949, Oil on canvas, 55 x 48 cm), Colección Patricia Phelps de Cisneros
Coforme os espectadores se movem ao seu redor, as formas pintadas parecem mudar umas em relação às outras, criando um efeito cinético.
http://www.nyu.edu/greyart/
Grey Art Gallery, New York University, 100 Washington Square East, NYC 10003
