Tão linda vista de costas

Onde descobrimos um sedutor escondido nas nuvens.


Jean-Antoine Watteau, Les deux Cousines, vers 1716, Huile sur toile, 300x360 cm, Musée du Louvre

No início da noite, duas meninas e um casal ficam à margem de um lago ornamental num jardim com estátuas antigas. Se uma das primas está ocupada deslizando em seu corpete uma rosa oferecida pelo jovem ar travesso, a personagem principal nos desafia.

Ela se vira de costas e inclina a cabeça. Mas o que ela poderia olhar além da cena libertina?

Jean-Antoine Watteau, este artista do movimento rococó, inventou o gênero da "Fête galante", com jovens vestidas para o baile, amantes do jogo, música, dança e relacionamentos .. . Breves prazeres da vida!

Jean-Antoine Watteau, detalhe de "Rendez-vous de chasse", por volta de 1719 Óleo sobre tela, Wallace Collection, em Londres

Mas aqui, a menina está com olhar fixo no crepúsculo e nós dá as costas. Nós nunca veremos seu rosto. A priori, ela parece procurar outro casal à distância.

Como muitas vezes em Watteau, essa postura reforça o mistério e convida ao devaneio. Ela estará triste, indiferente ou invejosa?

O segredo de seu rosto e seus sentimentos deixam o espectador a liberdade de imaginar a história desta bela figura. Parece que ele está prestes a manter o seu mistério por toda a eternidade ... 

No entanto, Watteau se burla de nos! Em 2007, um exame de infravermelho revelou um personagem masculino abordando a prima solitária. O sedutor foi finalmente vencido por um arrependimento do gênio: uma pincelada com a qual o rosto dele desapareceu sob as nuvens.

Agora e para sempre, a sombra da menina "se embriaga no êxtase de uma lua-de-rosa e cinza e vibra o bandolim com o prazer intenso da brisa", como disse tão bem Paul Verlaine.

Retrato de Jean-Antoine Watteau por Rosalba Carriera, 1721 

Para mais informações:


Sobre Jean-Antoine Watteau - http://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Antoine_Watteau/138933


Sobre o arrependimento de Watteau - http://fr.calameo.com/read/000751789cde45d85582a


Releia "Fêtes Galantes" Verlaine - http://fr.wikisource.org/wiki/F%C3%AAtes_galantes

fonte artips

Michelangelo 1564-2014 : Encontrar um artista universal

Jacopino del Conte: Ritratto di Michelangelo, 1535 circa

Exposição documental sobre o 450 º aniversário da morte do grande mestre florentino.

Museus Capitolinos Roma

De 27 maio - 14 setembro, 2014

Raffaello Sanzio e bottega: Ritratto di Giulio II, 1512 circa

A exposição examina a vida e a obra deste titã de todos os tempos. No coração da cidade, bem na Piazza del Campidoglio de Michelangelo que o gênio soube tornar única no mundo, mais de cento e cinquenta obras das quais umas setenta do mestre toscano, chegaram de muitas das mais importantes instituições culturais italianas e estrangeiras para comemorar o 450 º aniversário da desaparecimento de um artista tão magnífico uma influência indelével não só a cultura italiana, mas toda a cultura universalmente conhecida. 

Ambito di Donatello: Busto di giovane con cammeo con la raffigurazione d el carro dell'anima (“Busto platonico”), 1475 circa


Uma exposição que supera a impossibilidade objetiva de expor obras primas "intransportáveis"; feitas por Michelangelo (os afrescos da Capela Sistina, entre elas) com uma seleção de obras que, pela primeira vez estarão expostas uma ao lado da outra.

Madonna della Scala, 1490 circa

Estas obras primas, de fato, podem ser observadas em muitos casos, pela primeira vez, lado a lado e contrapostas em um compêndio extraordinário da produção artística inatingível, da pintura à escultura, arquitetura, poesia, as quatro artes em que se expressa Michelangelo que estão contadas em nove seções da exposição, focalizano assim os temas cruciais de sua poesia. 

Michelangelo (opera non finita, completata da ignoto scultore de l sec. XVII): Cristo Redentore (Cristo Giustiniani)

O fio que guia o percurso da exposição está marcado por uma série de temáticas "contrapostas" com as quais sequer evidenciar as dificuldades do homem e do artista seja na execução como na concepção de suas obras: o moderno e o 'antigo, a vida e a morte, a batalha, a vitória o aprisionamento, a regra e a liberdade, o amor terreno e o espiritual.

Michelangelo: Pianta per San Giovanni dei Fiorentini, 1559 circa

O contraste entre a beleza terrena e o amor celestial , que a exemplo, foi particularmente sentida por Buonarroti, tanto na poesia como no existencial.

Scultore fiorentino, Michelangelo (?) (attivo nell’ultimo decennio del XV secolo): Crocifisso, 1495 circa

Projetos Especiais

Uma parte da exposição apresenta, pela primeira vez juntos no Salão de São Pedro, os modelos táteis para as duas maiores obras da arquitetura sagrada e Basílica de São Pedro, de Michelangelo civil e da Piazza del Campidoglio com os três edifícios que o definem. 

Durante os meses de Julho e Setembro passeios com explorações táteis às seções da mostra dedicada. 

Michelangelo: Madonna della Scala, 1490 circa



Michelangelo con la collaborazione di Tiberio Calcagni: Bruto, post 1539



Modello del tamburo e del ballatoio della cupola di Santa Maria del Fiore 1507ca.



Michelangelo: Studi per la scala nel ricetto della Biblioteca Lau renziana, 1525



Michelangelo: Teste grottesche, 1525 circa



Michelangelo: Dio fluviale, 1525 circa



 Michelangelo: Studi per la testa della “Leda”, 1530 circa



Michelangelo: La caduta di Fetonte, 1534 circa



Michelangelo: Studio di nudo virile inginocchiato, 1541 circa



Michelangelo: Crocifisso, 1563 circa



Michelangelo: Studio per alzato di San Pietro, 1548-1551





Jacopo Tatti detto Sansovino (attribuito a): Laocoonte, ante 1520

Henri Matisse: Os recortes

Henri Matisse é um gigante da arte moderna. Esta exposição-marco explora o capítulo final de sua carreira em que ele começou a "escultura em cor" e o nascimento de sua série de espetaculares recortes.

Henri Matisse is a giant of modern art. This landmark show explores the final chapter in his career in which he began ‘carving into colour’ and his series of spectacular cut-outs was born.

Tate Modern: Exposição
17 Abril – 7 de Setembro 2014

Henri Matisse - O caracol 1953 © Sucessão H. Matisse / DACS 2014

A exposição representa uma oportunidade única  para ver muitos dos trabalhos do artista reunidos num lugar e descobrir triunfo artístico final, de Matisse. 

No final dos anos sessenta, quando os problemas de saúde impediram Matisse dae pintar, ele começou as colagens em papel pintado com uma tesoura para fazer rascunhos para um número de encomendas. Com o tempo, Matisse trocou a pintura pelos recortes: ele tinha inventado um novo meio.

The exhibition represents a once-in-a-lifetime chance to see so many of the artist’s works in one place and discover Matisse’s final artistic triumph.

In his late sixties, when ill health first prevented Matisse from painting, he began to cut into painted paper with scissors to make drafts for a number of commissions. In time, Matisse chose cut-outs over painting: he had invented a new medium.

Henri Matisse - Blue Nude (II) 1952 - Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / reservas Droits

© Sucessão Henri Matisse / DACS 2013 

De flores de neve à dançarinos, cenas circenses e um famoso caracol , a exposição apresenta um deslumbrante conjunto de 120 obras realizadas entre 1936 e 1954. Ousado, exuberante e muitas vezes em grande escala, os recortes têm uma simplicidade cativante, juntamente com incrível sofisticação criativa.

A exposição marca um momento histórico, quando esses tesouros de todo o mundo podem ser vistos juntos. Tate O caracol de 1953 é mostrado ao lado de seu trabalho-irmã  Memória da Oceania 1953 e Grande Composição com Máscaras 1953 a 10 metros de comprimento. Uma fotografia de estúdio de Matisse, revela que estas obras foram inicialmente concebidas como um todo unificado, e esta é a primeira vez que foram reunidos em mais de 50 anos. A famosa série de Blue Nus de Matisse representa um renovado interesse do artista pela figura.

From snowflowers to dancers, circus scenes and a famous snail, the exhibition showcases a dazzling array of 120 works made between 1936 and 1954. Bold, exuberant and often large in scale, the cut-outs have an engaging simplicity coupled with incredible creative sophistication.

The exhibition marks an historic moment, when treasures from around the world can be seen together. Tate’s The Snail 1953 is shown alongside its sister work Memory of Oceania 1953 and Large Composition with Masks 1953 at 10 metres long. A photograph of Matisse’s studio reveals that these works were initially conceived as a unified whole, and this is the first time they will have been together in over 50 years. Matisse’s famous series of Blue Nudes represent the artist’s renewed interest in the figure.

Londres é a primeira a acolher, antes que a exposição viaje para Nova York, no Museu de Arte Moderna e após o qual as obras retornar para galerias e particulares em todo o mundo.

Pela primeira vez, estamos transmitindo ao vivo em cinemas de todo o país com um filme exclusivo sobre a exposição. Matisse Live oferece uma visão íntima,  atrás dos bastidores do artista através de lindas cenas das obras, entrevistas com seus amigos além de filmagens de arquivo raras de Matisse no trabalho.

London is first to host, before the exhibition travels to New York at the Museum of Modern Art and after which the works return to galleries and private owners around the world.

For the first time ever, we are broadcasting live into cinemas around the country with an exclusive film about the exhibition. Matisse Live offers an intimate, behind-the-scenes view of the artist via beautiful footage of the works, interviews with his friends plus rare archive footage of Matisse at work.

Henri Matisse - O Maço 1953 - Coleção Universidade da Califórnia, Los Angeles. Hammer Museum

Alimento para a Alma

Onde descobrimos o significado oculto de um biscoito.


Lubin Baugin, biscoitos gaufrettes sobremesa, cerca de 1630-1635, óleo sobre tela, 41x52 cm, Musée du Louvre, Paris

Uma prato de rolos de finos gaufrettes (bijus), uma garrafa de vinho e um copo pela metade. Esta sobremesa muito frugal não será mais sutil do que parece?

Por volta de 1631, Lubin Baugin pintou essa tela que parece tranquila e refinada. No século XVII, os pequenos pintores de província como ele deviam limitar-se a natureza morta que é considerada um "sub-gênero".

Mas Baugin mas tem outras ambições e se recusa que a sua natureza morta seja simplesmente decorativa.

Lubin Baugin, a fruteira, óleo sobre madeira, 37,5 × 49 cm, Musée des Beaux-Arts de Rennes.

Com um estilo detalhado e realista, ele dá profundidade à sua obra brincando com os símbolos. 

O prato de gaufrettes é colocado se equilibrando em cima da mesa: além de criar um efeito ótico, esta posição ilustra sutilmente a precariedade da vida, capaz de mudar de um minuto para o outro. A escolha dos biscoitos também estaria longe do trivial.

O que poderia ser mais frágil do que uma gaufrette que pode ser quebrada a qualquer momento?

Lubin Baugin, Nature morte à l'échiquier, huile sur bois, 55x73 cm, Musée du Louvre, Paris.

Por fim, o copo de vinho pela metade evocaria, a moderação, virtude essencial do cristianismo. Lubin Baugin é claro: a vida é frágil,  e preservar a temperança e o equilíbrio são virtudes essenciais!

A aparente simplicidade, revela em última análise uma reflexão filosófica fascinante. Esta pequena tela irá se revelar de forma tão cativante que será encenada no filme "todas as manhãs do mundo"  e agora está exposta no Louvre.

Nada mal para uma pintura de "sub-gênero"!

video: Todas as Manhãs do Mundo, Alain Corneau, 1991

Para mais informações:

Sobre Lubin Baugin - http://www.larousse.fr/encyclopedie/peinture/Baugin/151032

Um livro Sophie Nauleau sobre gaufrettes -  http://www.editions-galilee.fr/f/index.php?sp=liv&livre_id=3008

Fonte: Artips

Lygia Clark: O abandono da Arte, 1948-1988

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Óculos. 1968. Industrial rubber, metal, glass. 11 7/16 x 7 1/16 x 2 15/16″ (29 x 18 x 7.5 cm). © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © 2014 Eduardo Clark.

Museum of Modern Art

New York

Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988

10 de maio de 2014, 24 de agosto de 2014

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Ping-pong (1966) in use. The objects are Ping-Pong balls and a plastic bag. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

O Museu de Arte Moderna de Nova Iorque faz uma grande retrospectiva de arte dedicada à arte de Lygia Clark (Brasil , 1920-1988) é a primeira exposição abrangente na América do Norte de seu trabalho . Lygia Clark: o abandono da arte, 1948-1988 compreende cerca de 300 obras , que vão desde o final dos anos 1940 até o início de 1980 , incluindo desenhos, pinturas , esculturas e obras participativas.

The Museum of Modern Art’s major retrospective devoted to the art of Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) is the first comprehensive exhibition in North America of her work. Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988 comprises nearly 300 works, ranging from the late 1940s to the early 1980s, including drawings, paintings, sculptures, and participatory works. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Relógio de sol (Sundial). 1960. Aluminum with gold patina. Dimensions variable, approximately 20 7/8 x 23 x 18 1/8” (52.8 x 58.4 x 45.8 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Rafael Romero. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Desenhada à partir de coleções públicas e privadas, incluindo o próprio MoMA, esta pesquisa está organizada em torno de três temas principais: abstração , Neo- concretismo , e o " abandono " da arte.

Drawn from public and private collections, including MoMA’s own, this survey is organized around three key themes: abstraction, Neo-Concretism, and the “abandonment” of art. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). The Inside Is the Outside. 1963. Stainless steel. 16 x 17 1/2 x 14 3/4″ (40.6 x 44.5 x 37.5 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros through the Latin American and Caribbean Fund in honor of Adriana Cisneros de Griffin. © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © Thomas Griesel

Cada um desses eixos ancora um conceito significativo ou uma constelação de obras que marcam um passo definitivo na carreira de Clark. Enquanto o legado de Clark no Brasil é profundo, esta exposição chama a atenção internacional para o seu trabalho .

Each of these axes anchors a significant concept or a constellation of works that mark a definitive step in Clark’s career. While Clark’s legacy in Brazil is profound, this exhibition draws international attention to her work.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Planes in Modulated Surface 4. 1957. Formica and industrial paint on wood. 39 1/4 x 39 1/4″ (99.7 x 99.7 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros through the Latin American and Caribbean Fund in honor of Kathy Fuld © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © Thomas Griesel.

Ao reunir todas as partes da sua produção radical, a exposição pretende reinscrever -la em discursos atuais de abstração , participação e uma prática da arte terapêutica.

By bringing together all parts of her radical production, the exhibition seeks to reinscribe her into current discourses of abstraction, participation, and a therapeutic art practice.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) in her studio, Rio de Janeiro, c. 1950s. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Lygia Clark treinada no Rio de Janeiro e Paris a partir de finais dos anos 1940 a meados dos anos 1950 foi uma artista abstrato líder na vanguarda do movimento Neo- concretista no Brasil , promovendo a participação ativa dos espectadores através de suas obras.

Lygia Clark trained in Rio de Janeiro and Paris from the late 1940s to the mid-1950s and was a leading abstract artist at the forefront of the Neo-Concretist movement in Brazil, fostering the active participation of spectators through her works. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Estruturas vivas (Live structures), 1969, in use, probably in Paris in the early 1970s. The object is made out of knotted rubber bands. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

A partir do final dos anos 1960 até os anos 1970, ela criou uma série de obras de arte não convencionais em paralelo a uma terapia psicanalítica demorada, levando-a a desenvolver uma série de proposições terapêuticas fundamentadas no arte.

From the late 1960s through the 1970s she created a series of unconventional artworks in parallel to a lengthy psychoanalytic therapy, leading her to develop a series of therapeutic propositions grounded in art. 

Cover of Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988, published by The Museum of Modern Art, 2014.

Clark se tornou uma grande referência para os artistas contemporâneos que lidam com os limites de formas convencionais de arte. 

Clark has become a major reference for contemporary artists dealing with the limits of conventional forms of art.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) in her studio working on Arquitetura biológica II (Biologic architecture II). Cité internationale des arts, Paris, 1969. Photo credit: Alécio de Andrade. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Organizada por Luis Pérez-Oramas, The Estrellita Brodsky Curadora de Arte Latino-Americana, MoMA; e Connie Butler, curadora-chefe, O Museu Hammer; com Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Assistente Curatorial, e Beatriz Rabelo Olivetti, Assistente Curatorial do Departamento de desenhos e gravuras, MoMA. 

Organized by Luis Pérez-Oramas, The Estrellita Brodsky Curator of Latin American Art, MoMA; and Connie Butler, Chief Curator, Hammer Museum; with Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Curatorial Assistant, and Beatriz Rabelo Olivetti, Curatorial Assistant, Department of Drawings and Prints, MoMA.

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988) wearing Máscara abismo com tapa-olhos (Abyssal mask with eye-patch, 1968), a work made of fabric, elastic bands, a nylon bag, and a stone. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Grande apoio para a exposição foi fornecido por Ricardo e Susana Steinbruch, do Fundo das mulheres modernas, Patricia Phelps de Cisneros, Jerry I. Speyer e Katherine G. Farley, Vicky e Joseph Safra Foundation, ea Diane e Bruce Halle Foundation.

Major support for the exhibition is provided by Ricardo and Susana Steinbruch, The Modern Women’s Fund, Patricia Phelps de Cisneros, Jerry I. Speyer and Katherine G. Farley, Vicky and Joseph Safra Foundation, and the Diane and Bruce Halle Foundation.

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Diálogo de mãos (Dialogue of hands, 1966), in use probably by Clark and Hélio Oiticica. The object is made of elastic. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Superfície modulada no. 9 (Modulated surface no. 9), 1957. Industrial paint on wood, 13 x 36 5/8” (33 x 93 cm). Collection Andrea and José Olympio. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Trepante, versão 1 (Climber, version 1), 1965. Aluminum. Dimensions variable, overall approximately 103 9/16 x 57 ½” (263 x 146 cm). Jones Bergamin. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Relógio de sol (Sundial). 1960. Aluminum with gold patina. Dimensions variable, approximately 20 7/8 x 23 x 18 1/8” (52.8 x 58.4 x 45.8 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Rafael Romero. Photo: Jonathan Muzikar.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Planos em superfície modulada no. 2, versão 01 (Planes in modulated surface no. 2, version 1). c. 1957. Industrial paint on wood, 31 ½ x 26 3/4″ (80 x 68 cm). Luiz Paulo Montenegro Collection. Photo credit: Eurides Lula Rodrigues Cardoso, Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Chamemos um médico

Quando um hospital ajuda a história da arte.

José de Ribera, o pé torto, 1642, 164x94 cm, Musée du Louvre

Anão? Criança doente? Mendigo? A pintura de José de Ribera, O Pé Torto, provocou questionamentos a muitos historiadores da arte. Desde 1642, a data da sua criação, era impossível saber a enfermidade que o menino sofreu.

Além disso, a pintura mudou de nome ao longo dos séculos, foi chamada sucessivamente de O Anão, O Retrato de um jovem mendigo e, finalmente, O Pé Torto em 1870. O último título é o que figura nas indicações do Louvre. Mas o que realmente atingiu este menino de sorriso crispado?

Só em 2004 com a colaboração do hospital Robert Debré e do museu do Louvre é que o segredo foi revelado! 

O menino não podia sofrer com um pé torto, uma deformidade do pé, como o casco de um cavalo, pois ele se apoia em seu pé direito. Mas então, do que se trata?

Estaria, de fato estar sofrendo de hemiplegia, lesão cerebral, que atinge metade do corpo do doente. Basta observar seu braço direito. Sua mão parece anormal, com os dedos curvados e pulso torcido para trás.

Enfim um último indício está no papel que segurava na mão esquerda. Ele diz: "me dê esmola pelo amor de Deus." Por que escrever isso, ao invés de falar aos transeuntes?

O personagem teria distúrbios de linguagem, também,  um dos sintomas encontrados em pacientes hemiplégicos.

Tudo se encaixa! Resta saber se o Louvre deveria renomear o quadro de Ribera ..

Nicolas Eustache Maurin, Retrato José de Ribera 

Para mais informações:

Sobre a obra:http://www.google.com/url?q=http%3A%2F%2Fwww.louvre.fr%2Foeuvre-notices%2Fle-pied-bot&sa=D&sntz=1&usg=AFQjCNHqFKe_uWi-M40oVmw2jQa48J2aGQ

Sobre o artista: http://www.larousse.fr/encyclopedie/peinture/Ribera/154100

Sobre a parceria entre o hospital e o Louvre: http://cartelfr.louvre.fr/pub/fr/pdf/31924_mois120.pdf


Fonte: Artips