Jeff Koons: Uma Retrospectiva

Jeff Koons, Inflatable Flower and Bunny (Tall White, Pink Bunny), 1979. Vinyl and mirrors; 32 × 25 × 19 in. (81.3 × 63.5 × 48.3 cm). The Broad Art Foundation, Santa Monica. © Jeff Koons

27 JUNHO - 19 OUTUBRO, 2014

Whitney Museum of American Art

Jeff Koons, Teapot, 1979. Teapot, plastic tubes, and fluorescent lights; 26 × 9 × 13 in. (66 × 22.9 × 33 cm). The Sonnabend Collection, Nina Sundell, and Antonio Homem. © Jeff Koons


Jeff Koons é considerado como um dos artistas mais importantes, influentes, populares e controversos da era pós-guerra.

Jeff Koons is widely regarded as one of the most important, influential, popular, and controversial artists of the postwar era.

Jeff Koons, Inflatable Flowers (Short Pink, Tall Purple), 1979. Vinyl, mirrors, and acrylic; 16 × 25 × 18 in. (40.6 × 63.5 × 45.7 cm). Collection of Norman and Norah Stone. © Jeff Koons

Ao longo de sua carreira, ele foi o pioneiro de novas abordagens para o readymade, testou os limites entre arte avançada ea cultura de massa, desafiou os limites da fabricação industrial, e transformou a relação de artistas para o culto da celebridade e do mercado global.

Throughout his career, he has pioneered new approaches to the readymade, tested the boundaries between advanced art and mass culture, challenged the limits of industrial fabrication, and transformed the relationship of artists to the cult of celebrity and the global market.

Jeff Koons, New Hoover Celebrity III’s, 1980. Two vacuum cleaners, Plexigas, fluorescent lights; 56 × 11 × 12 1/2 in. (142.2 × 27.9 × 31.8 cm). Collection of Jeffrey Deitch. ©Jeff Koons

No entanto, apesar dessas conquistas, Koons nunca foi objeto de uma retrospectiva levantando o escopo completo de sua carreira.

Yet despite these achievements, Koons has never been the subject of a retrospective surveying the full scope of his career. 

Jeff Koons, One Ball Total Equilibrium Tank (Spalding Dr. J 241 Series), 1985. Glass, steel, sodium chloride reagent, distilled water, and basketball; 64 3/4 × 30 3/4 × 13 1/4 in. (164.5 × 78.1 × 33.7 cm). B.Z. and Michael Schwartz. ©Jeff Koons.

Composta por quase 150 objetos que datam de 1978 até o presente, esta exposição será a mais abrangente já dedicada à obra inovadora do artista.

Comprising almost 150 objects dating from 1978 to the present, this exhibition will be the most comprehensive ever devoted to the artist’s groundbreaking oeuvre. 

Jeff Koons, I Could Go For Something Gordon’s, 1986. Oil inks on canvas; 45 × 86 1/2 in. (114.3 × 219.7 cm). Allison and Warren Kanders. ©Jeff Koons

Ao reconstituir todas as suas obras mais emblemáticas e séries significativas em uma narrativa cronológica, a retrospectiva permitirá aos visitantes compreenderem a produção notavelmente diversa de Koons como um todo multifacetado.

By reconstituting all of his most iconic works and significant series in a chronological narrative, the retrospective will allow visitors to understand Koons’s remarkably diverse output as a multifaceted whole.

Jeff Koons, Doctor’s Delight, 1986. Stainless steel; 11 × 6 3⁄4 x 5 3⁄4 in. (27.9 × 17.1 × 14.6 cm). Edition no. 1/3. The Sonnabend Collection and Nina Sundell. © Jeff Koons

Esta exposição será a primeira grande apresentação do artista do museu em Nova York, e a primeira a preencher quase a totalidade do edifício Marcel Breuer da Whitney apenas com o trabalho de um artista.

This exhibition will be the artist’s first major museum presentation in New York, and the first to fill nearly the entirety of the Whitney’s Marcel Breuer building with a single artist’s work. 

Jeff Koons, Rabbit, 1986. Stainless steel; 41 × 19 × 12 in. (104.1 × 48.3 × 30.5 cm). Museum of Contemporary Art Chicago; partial gift of Stefan T. Edlis and H. Gael Neeson, 2000.21. © Jeff Koons

Será também a exposição final a ter lugar nesse endereço antes que o Museu abra seu novo prédio no Meatpacking District, em 2015. 

 It will also be the final exhibition to take place there before the Museum opens its new building in the Meatpacking District in 2015. 

Jeff Koons, Bear and Policeman, 1988. Polychromed wood; 85 × 43 × 37 in. (215.9 × 109.2 × 94 cm). Artist’s proof. Collection of Jeffrey Deitch. © Jeff Koons

Jeff Koons: Uma Retrospective é organizado por Scott Rothkopf, Nancy e pela Família Steve Crown Curador e Diretor Adjunto de Programas.

Jeff Koons: A Retrospective is organized by Scott Rothkopf, Nancy and Steve Crown Family Curator and Associate Director of Programs.

Jeff Koons, Michael Jackson and Bubbles, 1988. Porcelain; 42 × 70 1⁄2 x 32 1⁄2 in. (106.7 × 179.1 × 82.6 cm). Private collection. © Jeff Koons

A exposição viaja para o Centre Pompidou, Musée d'art moderne nacional, Paris (26 de novembro 2014-27 de abril de 2015) e para o Guggenheim Bilbao (5 de junho-27 de setembro, 2015)

The exhibition travels to the Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris (November 26, 2014–April 27, 2015) and to the Guggenheim Bilbao (June 5–September 27, 2015).

Jeff Koons, Poodle, 1991. Polychromed wood; 23 × 39 1⁄2 x 20 1⁄2 in. (58.4 × 100.3 × 52.1 cm). Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P. 2011.212. © Jeff Koons

Jeff Koons, Balloon Dog (Yellow), 1994–2000. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating; 121 × 143 × 45 in. (307.3 × 363.2 × 114.3 cm). Private collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Tulips, 1995–98. Oil on canvas; 111 3⁄8 x 131 in. (282.9 × 332.7cm). Private collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Loopy, 1999. Oil on canvas; 108 × 79 1⁄4 in. (274.3 × 200.7 cm). Bill Bell Collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Elephant, 2003. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating; 36 1⁄2 x 29 × 19 in. (92.7 × 73.7 × 48.3 cm). Private collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Popeye, 2009–12. Granite and live flowering plants; 78 × 52 3⁄8 x 28 3⁄8 in. (198.1 × 132.9 × 72.1 cm). Bill Bell Collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Hulk (Organ), 2004–14. Polychromed bronze and mixed media; 93 1⁄2 x 48 5⁄8 x 27 7⁄8 in. (237.5 × 123.5 × 70.8 cm). The Broad Art Foundation, Santa Monica. © Jeff Koons



Jeff Koons, Pluto and Proserpina, 2010–13. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating and live flowering plants; 129 × 65 3⁄4 x 56 5⁄8 in. (327.7 × 167 × 143.3 cm). Oceana Bal Harbour, Bal Harbour, Florida. © Jeff Koons



Jeff Koons, Gazing Ball (Farnese Hercules), 2013. Plaster and glass; 128 ½ x 67 × 48 5/8 in. (326.4 × 170 × 123.5 cm). Amy and Vernon Faulconer and The Rachofsky Collection. © Jeff Koons

Ele fugiu!

Onde descobrimos que uma obra de arte é a melhor memória da escravidão.

Felix Martin, caça ao negro de 1889 Grupo em mármore, a piscina museu de Arte e Indústria André André Diligent, Roubaix, foto Alain Leprince

Porque o mastiff salta sobre o pobre homem indefeso? Este mastiff ranzinza com garras afiadas não dá nenhuma chance a este homem com musculatura superdesenvolvida. 

Porque representar uma cena tão cruel? O título, que causará polêmica, nos indica o motivo: "Caça ao Negro" !

detalhe

O homem atacado é na verdade um "negro", ou seja, um escravo fugitivo. Quando um escravo fugia, seus executores iam aos "Quilombos", e faziam uma "caça ao negro" com a mobilização de cães e armas para encontrar e matar no local a pobre caça humana. 

Mas por que tal atrocidade?

Poster da Exposição Colonial 1931

Quando Felix Martin esculpe a Caça ao negro , já faziam 25 anos que a escravidão estava abolida na França.

A obra se trata, então, de um manifesto abolicionista em um continente ainda às vezes nostálgico pela escravidão. Mas o trabalho não é do agrado de todos! 

Em 1932, um ano após a Exposição Colonial em Paris que glorifica a colonização francesa, a obra é considerada demasiado subversiva. O Presidente do Instituto Colonial Francês obteve a retirada da inscrição "Caça negro" de sua base. Um título muito mais neutro - Negro atacado por um mastiff que a substitui, deturpa toda a mensagem da escultura.

Benjamin Haydon, sociedade abolicionista de 1841 Óleo sobre tela, 297,2 × 383,6 centímetros, National Portrait Gallery 

Hoje, a obra está exposta a piscina de Roubaix, que restaurou toda a sua nobreza. Uma escultura que sempre impressiona todos os visitantes e convida-os a fazer um exercício de memória.

La Piscine a museu de Arte e Indústria André André Diligent, Roubaix, foto Alain Leprince
Arquiteto Albert Baert 1932 - Jean Paul Philippon 2001 ADAGP copyright, Paris Foto 2014: Alain Leprince.

Para mais informações:

Sobre o trabalho http://www.roubaix-lapiscine.com/publications/36/chasse-au-negre.html

Sobre os quilombos http://www.axl.cefan.ulaval.ca/afrique/marrons.htm

fonte: artips

Uma família quase normal

Onde aprendemos que nem todas as famílias são apresentáveis.

John Everett Millais, Cristo na casa de seus pais, 1850, óleo sobre tela, 139 x 86 cm, Tate Gallery, Londres. 

1850, Londres. Após a exposição da Royal Academy o Times chama de "nojenta" uma pintura de John Everett Millais. A Igreja Anglicana! faz um escândalo.  Por que este trabalho ela desperta reações tão violentas?

John Everett Millais, detalhes

O que vemos nesta pintura? Na parede ferramantas suspensas e lascas de madeira no chão, é uma família de carpinteiros em seu estúdio. Uma mulher beija uma criança no rosto no centro da mesa, enquanto os outros membros da família parecem estar ocupados. 

Nada de chocante neste quadro numa representação do cotidiano "banal" desta família... Mas?

Raphael, A Sagrada Família chamado A Sagrada Família de Francisco I, 1518 aprox., Óleo sobre madeira transferido para tela, 207 × 140 cm, Musée du Louvre 

Tudo está no título: Cristo na casa de seus pais . Esta é uma terrível blasfêmia aos olhos dos contemporâneos Millais. 

Como é que ele se atreveu a representar a Sagrada Família como uma família tão comum? 

O escritor Dickens descreve a Virgem do quadro de Millais como "uma criatura tão horrivelmente feia, além do que se possa imaginar, um ser capaz de sobreviver por um só momento com uma garganta tão deslocada, que poderia ser mostrada como um fenômeno no cabaré mais sórdido da França "O Cristo como  " um menino hediondo chorão ruivo de pescoço torcido ".

detalhes do quadro

Os personagens da pintura estão com os pés descalços na sujeira. Nenhum símbolo sagrado indica uma cena religiosa a não ser ​​o traço de um ferimento na palma de Jesus. Dois deles tem até mesmo os torsos nus! Aqui está o verdadeiro problema:. Jesus está representado como um filho do povo.

Estavam dependurando o quadro para mostrar para a Rainha Vitória! Este escândalo não vai impedir Millais de se tornar, alguns anos mais tarde, um membro associado da Academia Real de Arte ...

John Everett Millais, Retrato, óleo sobre tela, coleção privada 

Para mais informações:


Sobre John Everett Millais : http://www.larousse.fr/encyclopedie/peinture/Millais/153471


Sobre a representação da pintura Sagrada Família: http://www.telerama.fr/monde/sainte-famille-l-etrange-disparition-de-joseph,76357.php

fonte: artips

Paul Klee. Espaço Natureza Arquitetura

de 01/07—16/10/14 no Zentrum Paul Klee em Berna, Suiça

Paul Klee, Architecture with window, oil and pen on paper on wooden panel, 50 x 41,5 cm, Zentrum Paul Klee, Bern

Durante seu tempo na Bauhaus em Weimar e Dessau Paul Klee fez novas construções espaciais e projetos arquitetônicos fantásticos inspirados pelo cubismo e pelos construtivistas. Com a dissolução da perspectiva central, completamente, novas dimensões foram abertas para os artistas modernos.

Paul Klee, Hovering, 1930, 220, oil on canvas; original frame, 84 x 84 cm, Zentrum Paul Klee, Bern

Mesmo como adolescente Paul Klee esboçou plantas e paisagens, mas também edifícios e cidades. Ele tentou capturar as aparências exatamente quanto possível.  Depois de seu estudo independente e uma viagem cultural através da Itália, Klee logo reconheceu que tanto na natureza como na arquitetura as energias construtivas foram responsáveis ​​pelo surgimento de plantas e formas arquitetônicas.


Paul Klee, Portrait of a house, 1935, 37, watercolour and charcoal on paper on cardboard, 31,7 x 21,6/22 cm, Private collection, Switzerland, on extended loan to the Zentrum Paul Klee, Bern

Assim, o seu olhar deslocado a partir da superfície externa para a construção interna dos edifícios e plantas. Klee também encontrou uma confirmação de sua nova maneira de ver, tornando a essência interior de um objeto visível, em seu encontro com o cubismo. Na década de 1910, como os cubistas, ele abandonou a tridimensionalidade ilusionista do espaço de imagem e o sistema de perspectiva central. 

Paul Klee, Yellow house I, 1940, 365, watercolour and coloured paste on paper on cardboard, 21 x 29,4 cm, Private collection, Switzerland, on extended loan to the Zentrum Paul Klee, Bern

Em seu tempo como professor na Bauhaus Paul Klee estava envolvido intensamente com arquitetura e planejamento urbano. Ele sempre comentava ironicamente na geometria racional precisa que prevaleceu no final da Bauhaus, usando-a para a construção das ilógicas, irracionais construções fantásticas e em desenvolvimento.

Paul Klee, Small town among the rocks, 1932, 276, oil on canvas; original frame, 44,5 x 56,5 cm, Zentrum Paul Klee, Bern

Seu trabalho final, por outro lado, foi dominado por edifícios e plantas de aparência luxuriantes em um estilo infantil.

Paul Klee, Plan for a garden architecture, 1920, 214, oil, watercolour and chalk on canvas on cardboard, 35,6 x 42,9 cm, Zentrum Paul Klee, Bern

Esta exposição da coleção mostra como a representação do espaço, natureza e arquitetura de Klee se desenvolveu a partir de seus primeiros trabalhos naturalistas com base na perspectiva central, através do período Bauhaus construtivista ao trabalho tardio com formas simples. 

Paul Klee, Red-violet x yellow-green gradated, 1922, 64, watercolour and pencil on paper on cardboard, 21,1/21,4 x 29,2/28,7 cm, Private collection, Switzerland, on extended loan to the Zentrum Paul Klee, Bern

A exposição apresenta cerca de 120 obras da coleção em um novo contexto.


Paul Klee, Picture of a town (red-green gradated) [with the red dome], 1923, 90, oil on cardboard on plywood; original frame, 46 x 35 cm, Zentrum Paul Klee, Bern, Donation Livia Klee

Paul Klee, Angle bracing in two groups, 1930, 101, watercolour and pencil on paper on cardboard, 32,2 x 50,6 cm, Zentrum Paul Klee, Bern, Livia Klee Donation

Charles James: além da moda

A exposição inaugural do recém-renovado Costume Institute examina a carreira do lendário costureiro anglo-americano do século XX Charles James (1906-1978) , e é apresentada em dois locais - galerias de exposições especiais no primeiro andar do Museu e no Centro de Costumes do Instituto Anna Wintour, no piso térreo. 

The inaugural exhibition of the newly renovated Costume Institute examines the career of legendary twentieth-century Anglo-American couturier Charles James (1906–1978), and is presented in two locations—special exhibition galleries on the Museum's first floor and The Costume Institute's Anna Wintour Costume Center on the ground floor. 

Charles James Ball Gowns, 1948

Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, Photograph by Cecil Beaton, Beaton / Vogue / Condé Nast Archive. Copyright © Condé Nast

Charles James: além da moda

The Metropolitan Museum of Art

de 8 de Maio a 10 de Agosto de 2014

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

Evening Dress, 1948

Black silk satin and black silk velvet

The Metropolitan Museum of Art, New York, Brooklyn Museum Costume Collection at The Metropolitan Museum of Art, Gift of the Brooklyn Museum, 2009; Gift of Millicent Huttleston Rogers, 1949 

A exposição explora o processo de design de James, especificamente no uso de abordagens esculturais, científicas e matemáticos para construir vestidos de baile revolucionários e alfaiataria inovadora que continuam a influenciar os designers de hoje. 

It explores James's design process, specifically his use of sculptural, scientific, and mathematical approaches to construct revolutionary ball gowns and innovative tailoring that continue to influence designers today. 

A retrospectiva apresenta cerca de sessenta e cinco dos designs mais notáveis que ​​James produziu ao longo de sua carreira, desde a década de 1920 até sua morte em 1978.

The retrospective features approximately sixty-five of the most notable designs James produced over the course of his career, from the 1920s until his death in 1978.

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

Ball Gown, 1949–50

Red silk velvet, red silk satin, white cotton organdy

The Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum Costume Collection at The Metropolitan Museum of Art, Gift of the Brooklyn Museum, 2009; Gift of Arturo and Paul Peralta-Ramos, 1954 

O foco das galerias de exposições especiais do primeiro andar analisa o glamour resplandecente e arquitetura de tirar o fôlego dos vestidos de baile de James. 

The first-floor special exhibition galleries spotlight and analyze the resplendent glamour and breathtaking architecture of James's ball gowns.

 

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

"Butterfly" Ball Gown, ca. 1955

Brown silk chiffon, cream silk satin, brown silk satin, dark brown nylon tulle

The Metropolitan Museum of Art, New York, Purchase, Friends of The Costume Institute Fund, 

Estão apresentados quinze dramaticamente iluminados, vestidos  icônicss de James, incluindo o "Leaf Clover", "borboleta", "Árvore", e "Cisne" do final dos anos 1940 e início dos anos 1950. 

On view are fifteen dramatically lit, iconic James gowns including the "Clover Leaf," "Butterfly," "Tree," and "Swan" from the late 1940s and early 1950s. 

Animações, textos analíticos, raios-x, e imagens vintage contam a história da intrincada construção de cada vestido.

Analytical animations, text, x-rays, and vintage images tell the story of each gown's intricate construction and history.

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

Evening Dress, 1946

Black silk-rayon velvet, red silk satin, brown silk faille, black silk crepe

The Metropolitan Museum of Art, New York, Brooklyn Museum Costume Collection at The Metropolitan Museum of Art, Gift of the Brooklyn Museum, 2009; Gift of Arturo and Paul Peralta-Ramos, 1954 

O Centro de Costume Anna Wintour e  a  Galeria  Lizzie e Jonathan Tisch fornecem a tecnologia e flexibilidade para dramatizar a artesania de James. 

The Anna Wintour Costume Center's Lizzie and Jonathan Tisch Gallery provides the technology and flexibility to dramatize James's craft. 

Um caminho em torno de uma plataforma  em cruz, onde a evolução e a metamorfose das roupad  de dias e de noite de James  são exploradas em quatro categorias: espirais e  embrulhos, cortinas e dobras, formas platônicas, e cortes anatomicos. 

A pathway winds around a cruciform platform where the evolution and metamorphosis of James's day and evening wear are explored in four categories: Spirals & Wraps, Drapes & Folds, Platonic Form, and Anatomical Cut. 

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

"Four Leaf Clover" Evening Dress, 1953

White silk satin, white silk faille, black silk-rayon velvet

The Metropolitan Museum of Art, New York, Gift of Elizabeth Fairall, 1953 

Animações de vídeo voltadas para os exemplos mais representativos da sua abordagem são mostradas em monitores e câmeras ao vivo detalhando as costas das roupas e são projetadas nas paredes. 

Video animations focused on the most representative examples of his approach are shown on monitors, and live-feed cameras detailing the backs of garments are projected on the walls. 

A Galeria Carl e Iris Barrel Apfel  exibe as coisas efêmeras da vida e da obra de James, incluindo desenhos, peças padrão, moldes de vestidos, maquetes de jóias, álbuns de recortes, e acessórios.

The Carl and Iris Barrel Apfel Gallery displays ephemera from James's life and work, including drawings, pattern pieces, dress forms, jewelry maquettes, scrapbooks, and accessories.

Charles James with Model, 1948

Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, Photograph by Cecil Beaton, Beaton / Vogue / Condé Nast Archive. Copyright © Condé Nast

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978)

"Taxi" Dress, ca. 1932

Black wool ribbed knit

The Metropolitan Museum of Art, New York, Purchase, Alan W. Kornberg Gift, 2013 (2013.309)

Charles James (American, born Great Britain, 1906–1978), 
Ball Gown, 1949–50
- Red silk velvet, red silk satin, white cotton organdy

Babe Paley in Charles James Ball Gown, 1950

Courtesy of The Metropolitan Museum of Art, Photograph by John Rawlings, Rawlings / Vogue / Condé Nast Archive. Copyright © Condé Nast