Kandinsky antes da Abstração, 1901-1911

A história da Fundação Solomon R. Guggenheim se confunde com a obra de Vasily Kandinsky (nascido em 1866, Moscou;.. falecido em 1944, Neuilly-sur-Seine, França), mais do que qualquer outro artista do século XX. Artista, conselheiro, e primeiro diretor do museu Hilla Rebay incentivou   o  fundador Solomon R. Guggenheim a começar a colecionar a obra de Kandinsky em 1929 e mais tarde conhecer Kandinsky na Dessau Bauhaus em julho de 1930. Esta introdução deu início a um período de aquisição em curso da arte de Kandinsky, com mais de 150 obras em última análise, entrar para a coleção do museu.

Três décadas antes dessa reunião fatídica em Dessau, Kandinsky se lançou na sua carreira artística. Em 1895, ele abandonou a profissão de advogado para se tornar o diretor de arte da empresa de impressão Kushnerev em Moscou. Um ano depois Kandinsky partiu para Munique se associou com os principais grupos de vanguarda da cidade, incluindo o Phalanx, Neue Künstlervereinigung München (Association of Munich New Artists ') e Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul).

Vasily Kandinsky, Igreja ( Kirche ), 1907. Xilogravura
Fundação Hilla von Rebay, emprestada para o Museu Solomon R. Guggenheim, New York 1970 

Em Munique, Kandinsky rapidamente percebeu seu talento para trabalhar com três técnicas de clássicas de gravura, xilogravura, litografia e começou a evoluir como artista e teórico. A xilogravura em particular, que desafiou os artistas a capturar a essência de sua visão ou uma história através de uma redução de meios de expressão, deu a Kandinsky um veículo para articular suas tendências românticas. Lembranças da Rússia, como a mobília alegremente decorada e imagens votivas que ele tinha observado nas casas dos camponeses, combinadas com o historicismo romântico, poesia lírica, folclore e pura fantasia do seu trabalho inicial.

Vasily Kandinsky, Cantora ( Sängerin ), 1903. Xilogravura em papel japonês
Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Kandinsky começou a viajar frequentement em 1904 com seu parceiro, o artista alemão Gabriele Münter, fazendo viagens a Veneza, Paris, Amsterdam, Tunísia, e da Rússia, antes de se estabelecer em Munique novamente em 1908 e traduzir sua gravura para pintura de paisagem. Tais elementos gráficos como formas claramente delineadas, perspectivas achatadas , e as em preto-e-branco e as "não cores" de suas xilogravuras, permeiam as paisagens bávaras coloridas de 1908-1909. Estas pinturas diferem notavelmente dos seus exercícios anteriores em pintura Neo-Impressionista.

Vasily Kandinsky, Mulheres no bosque ( Frauen im Wald ), 1907. 

Xilogravura em papel japonês - Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Por volta de 1913, ele já havia reduzido seus temas reconhecíveis e recorrentes incluindo o cavalo e cavaleiro, colinas, torres e árvores para grandes áreas de cores brilhantes, radiantes que eram subsidiárias das qualidades expressivas de linha e cor. Esses contornos caligráficos e formas rítmicas revelam traços escassos de suas origens de representação. Kandinsky foi finalmente capaz de evocar o que chamou de "poder oculto da paleta" e se afastar de suas origens pictóricas, embarcando assim na estrada para a abstração.


Vasily Kandinsky, Senhora com um leque ( Dame mit Fächer ), 1903. 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Extraidas da coleção do Guggenheim, esta apresentação intimista das primeiras pinturas e xilogravuras é organizada por Tracey Bashkoff , curador sênior, coleções e exposições, e Megan Fontanella , Curador Associado, de Coleções e Procedências.

A Paris de Toulouse-Lautrec: Gravuras e Posters

Um artista de destaque de Belle Époque Paris, Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) trouxe a linguagem do avant-garde do final do século 19 a um público amplo através de seus cartazes famosos, gravuras e ilustrações para jornais e revistas.

A preeminent artist of Belle Époque Paris, Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901) brought the language of the late-19th-century avant-garde to a broad public through his famous posters, prints, and illustrations for journals and magazines.



26 de julho de 2014, 22 de março de 2015

MOMA Nova Iorque



Um nexo cultural, ele conectou artistas, intérpretes, autores, intelectuais e figuras da sociedade de sua época, criando uma ponte entre os bordéis e os salões da sociedade do momento.  

A cultural nexus, he connected artists, performers, authors, intellectuals, and society figures of his day, creating a bridge between the brothels and society salons of the moment.




Seu trabalho permite a entrada em muitas facetas da vida parisiense, da política à cultura visual e a ascensão do entretenimento popular na forma de cabarés e cafés-concertos. 

His work allows entry into many facets of Parisian life, from politics to visual culture and the rise of popular entertainment in the form of cabarets and café-concerts.



Esta exposição, elaborada quase que exclusivamente da coleção estelar de cartazes, litografias, coisas efêmeras impressos e livros ilustrados do Museu de Arte Moderna, é a primeira exposição do MoMA em 30 anos dedicada exclusivamente à Lautrec, e possui mais de 100 exemplos das obras mais conhecidas criadas durante o ápice de sua carreira.

This exhibition, drawn almost exclusively from The Museum of Modern Art’s stellar collection of posters, lithographs, printed ephemera, and illustrated books, is the first MoMA exhibition in 30 years dedicated solely to Lautrec, and features over 100 examples of the best-known works created during the apex of his career.

MULHERES, MENINAS, ELAS

Organizada tematicamente, a exposição explora cinco temas que, juntos, criam um retrato de Lautrec Paris. A seção dedicada ao café-concertos e salões de dança examina a ascensão da cultura vida noturna em França, através da representação de locais famosos, incluindo o célebre Moulin Rouge. 

Organized thematically, the exhibition explores five subjects that together create a portrait of Lautrec’s Paris. A section devoted to café-concerts and dance halls examines the rise of nightlife culture in France through the depiction of famous venues, including the celebrated Moulin Rouge. 

Outra incide sobre as atrizes, cantores, dançarinos e artistas que despertaram a imaginação do artista e serviram como suas musas, incluindo Yvette Guilbert, a aclamada dançarina Loie Fuller, e a amiga íntima Jane Avril. 

Another focuses on the actresses, singers, dancers, and performers who sparked the artist’s imagination and served as his muses, including Yvette Guilbert, acclaimed dancer Loie Fuller, and close friend Jane Avril.



As imagens simpáticas das mulheres de Lautrec são evidentes em um conjunto de obras que inclui seu marco portfolio Elas, retratando prostitutas durante horas de folga, em momentos tranqüilos de introspecção. 

Lautrec’s sympathetic images of women are evident in a group of works that includes his landmark Elles portfolio, depicting prostitutes during nonworking hours, in quiet moments of introspection.



O papel de Lautrec na comunidade artística de Paris é explorado em uma seção dedicada a seu círculo criativo, destacando projetos para letras de música para canções populares que inundaram os cafés-concertos de Paris, programas para as produções teatrais de vanguarda que participou, e suas contribuições para revistas e resenhas intelectuais. 

Lautrec’s role in Paris’s artistic community is explored in a section devoted to his creative circle, highlighting designs for song sheets for the popular music that flooded Paris’s café-concerts, programs for the avant-garde theatrical productions that he attended, and his contributions to magazines and intellectual reviews.



A seção final olha para os prazeres da capital, como as corridas de cavalos em Longchamp e passeios no Bois de Boulogne, a nova moda de patinação no gelo e o apelo duradouro da cultura da gastronomica de Paris.

A final section looks at the pleasures of the capital, from horse racing at Longchamp and promenading on the Bois de Boulogne, to the new fad for ice skating and the enduring appeal of Paris’s culture of gastronomy.



A publicação que acompanha destaca  a coleção de posters e gravuras do Museu por Lautrec, com um ensaio introdutório sobre o artista e cinco seções temáticas ilustradas que exploram a belle époque de Paris vista através dos olhos de Lautrec, por Sarah Suzuki. 

The accompanying publication highlights the Museum’s collection of prints and posters by Lautrec, with an introductory essay on the artist and five illustrated thematic sections that explore belle époque Paris as seen through Lautrec’s eyes, by Sarah Suzuki. 

Organizada por Sarah Suzuki, Curadora Associada do Departamento de desenhos e gravuras, do MoMA.

A exposição é apoiada pelo Fundo Exposição Anual MoMA.

Pintura e papéis de parede fornecidos pela Farrow & Ball. 

Organized by Sarah Suzuki, Associate Curator, Department of Drawings and Prints, MoMA.

The exhibition is supported by the MoMA Annual Exhibition Fund.

Paint and wallpaper provided by Farrow & Ball.

NO PALCO

O CAFÉ CONCERTO

Jeff Koons: Uma Retrospectiva

Jeff Koons, Inflatable Flower and Bunny (Tall White, Pink Bunny), 1979. Vinyl and mirrors; 32 × 25 × 19 in. (81.3 × 63.5 × 48.3 cm). The Broad Art Foundation, Santa Monica. © Jeff Koons

27 JUNHO - 19 OUTUBRO, 2014

Whitney Museum of American Art

Jeff Koons, Teapot, 1979. Teapot, plastic tubes, and fluorescent lights; 26 × 9 × 13 in. (66 × 22.9 × 33 cm). The Sonnabend Collection, Nina Sundell, and Antonio Homem. © Jeff Koons


Jeff Koons é considerado como um dos artistas mais importantes, influentes, populares e controversos da era pós-guerra.

Jeff Koons is widely regarded as one of the most important, influential, popular, and controversial artists of the postwar era.

Jeff Koons, Inflatable Flowers (Short Pink, Tall Purple), 1979. Vinyl, mirrors, and acrylic; 16 × 25 × 18 in. (40.6 × 63.5 × 45.7 cm). Collection of Norman and Norah Stone. © Jeff Koons

Ao longo de sua carreira, ele foi o pioneiro de novas abordagens para o readymade, testou os limites entre arte avançada ea cultura de massa, desafiou os limites da fabricação industrial, e transformou a relação de artistas para o culto da celebridade e do mercado global.

Throughout his career, he has pioneered new approaches to the readymade, tested the boundaries between advanced art and mass culture, challenged the limits of industrial fabrication, and transformed the relationship of artists to the cult of celebrity and the global market.

Jeff Koons, New Hoover Celebrity III’s, 1980. Two vacuum cleaners, Plexigas, fluorescent lights; 56 × 11 × 12 1/2 in. (142.2 × 27.9 × 31.8 cm). Collection of Jeffrey Deitch. ©Jeff Koons

No entanto, apesar dessas conquistas, Koons nunca foi objeto de uma retrospectiva levantando o escopo completo de sua carreira.

Yet despite these achievements, Koons has never been the subject of a retrospective surveying the full scope of his career. 

Jeff Koons, One Ball Total Equilibrium Tank (Spalding Dr. J 241 Series), 1985. Glass, steel, sodium chloride reagent, distilled water, and basketball; 64 3/4 × 30 3/4 × 13 1/4 in. (164.5 × 78.1 × 33.7 cm). B.Z. and Michael Schwartz. ©Jeff Koons.

Composta por quase 150 objetos que datam de 1978 até o presente, esta exposição será a mais abrangente já dedicada à obra inovadora do artista.

Comprising almost 150 objects dating from 1978 to the present, this exhibition will be the most comprehensive ever devoted to the artist’s groundbreaking oeuvre. 

Jeff Koons, I Could Go For Something Gordon’s, 1986. Oil inks on canvas; 45 × 86 1/2 in. (114.3 × 219.7 cm). Allison and Warren Kanders. ©Jeff Koons

Ao reconstituir todas as suas obras mais emblemáticas e séries significativas em uma narrativa cronológica, a retrospectiva permitirá aos visitantes compreenderem a produção notavelmente diversa de Koons como um todo multifacetado.

By reconstituting all of his most iconic works and significant series in a chronological narrative, the retrospective will allow visitors to understand Koons’s remarkably diverse output as a multifaceted whole.

Jeff Koons, Doctor’s Delight, 1986. Stainless steel; 11 × 6 3⁄4 x 5 3⁄4 in. (27.9 × 17.1 × 14.6 cm). Edition no. 1/3. The Sonnabend Collection and Nina Sundell. © Jeff Koons

Esta exposição será a primeira grande apresentação do artista do museu em Nova York, e a primeira a preencher quase a totalidade do edifício Marcel Breuer da Whitney apenas com o trabalho de um artista.

This exhibition will be the artist’s first major museum presentation in New York, and the first to fill nearly the entirety of the Whitney’s Marcel Breuer building with a single artist’s work. 

Jeff Koons, Rabbit, 1986. Stainless steel; 41 × 19 × 12 in. (104.1 × 48.3 × 30.5 cm). Museum of Contemporary Art Chicago; partial gift of Stefan T. Edlis and H. Gael Neeson, 2000.21. © Jeff Koons

Será também a exposição final a ter lugar nesse endereço antes que o Museu abra seu novo prédio no Meatpacking District, em 2015. 

 It will also be the final exhibition to take place there before the Museum opens its new building in the Meatpacking District in 2015. 

Jeff Koons, Bear and Policeman, 1988. Polychromed wood; 85 × 43 × 37 in. (215.9 × 109.2 × 94 cm). Artist’s proof. Collection of Jeffrey Deitch. © Jeff Koons

Jeff Koons: Uma Retrospective é organizado por Scott Rothkopf, Nancy e pela Família Steve Crown Curador e Diretor Adjunto de Programas.

Jeff Koons: A Retrospective is organized by Scott Rothkopf, Nancy and Steve Crown Family Curator and Associate Director of Programs.

Jeff Koons, Michael Jackson and Bubbles, 1988. Porcelain; 42 × 70 1⁄2 x 32 1⁄2 in. (106.7 × 179.1 × 82.6 cm). Private collection. © Jeff Koons

A exposição viaja para o Centre Pompidou, Musée d'art moderne nacional, Paris (26 de novembro 2014-27 de abril de 2015) e para o Guggenheim Bilbao (5 de junho-27 de setembro, 2015)

The exhibition travels to the Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Paris (November 26, 2014–April 27, 2015) and to the Guggenheim Bilbao (June 5–September 27, 2015).

Jeff Koons, Poodle, 1991. Polychromed wood; 23 × 39 1⁄2 x 20 1⁄2 in. (58.4 × 100.3 × 52.1 cm). Whitney Museum of American Art, New York; promised gift of Thea Westreich Wagner and Ethan Wagner P. 2011.212. © Jeff Koons

Jeff Koons, Balloon Dog (Yellow), 1994–2000. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating; 121 × 143 × 45 in. (307.3 × 363.2 × 114.3 cm). Private collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Tulips, 1995–98. Oil on canvas; 111 3⁄8 x 131 in. (282.9 × 332.7cm). Private collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Loopy, 1999. Oil on canvas; 108 × 79 1⁄4 in. (274.3 × 200.7 cm). Bill Bell Collection. © Jeff Koons

Jeff Koons, Elephant, 2003. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating; 36 1⁄2 x 29 × 19 in. (92.7 × 73.7 × 48.3 cm). Private collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Popeye, 2009–12. Granite and live flowering plants; 78 × 52 3⁄8 x 28 3⁄8 in. (198.1 × 132.9 × 72.1 cm). Bill Bell Collection. © Jeff Koons



Jeff Koons, Hulk (Organ), 2004–14. Polychromed bronze and mixed media; 93 1⁄2 x 48 5⁄8 x 27 7⁄8 in. (237.5 × 123.5 × 70.8 cm). The Broad Art Foundation, Santa Monica. © Jeff Koons



Jeff Koons, Pluto and Proserpina, 2010–13. Mirror-polished stainless steel with transparent color coating and live flowering plants; 129 × 65 3⁄4 x 56 5⁄8 in. (327.7 × 167 × 143.3 cm). Oceana Bal Harbour, Bal Harbour, Florida. © Jeff Koons



Jeff Koons, Gazing Ball (Farnese Hercules), 2013. Plaster and glass; 128 ½ x 67 × 48 5/8 in. (326.4 × 170 × 123.5 cm). Amy and Vernon Faulconer and The Rachofsky Collection. © Jeff Koons

Robert Delaunay, Torre Eiffel, óleo sobre tela, 202 x 138,5 centímetros de 1909 Solomon R. Guggenheim Museum, em Nova York, Estados Unidos.

"Robert nunca teria quebrado a Torre Eiffel! ". Esta é uma das últimas frases que Douanier Rousseau teria pronunciado antes de morrer em 1910. Este "Robert" é o Robert Delaunay, pintor francês do início do século XX.

Mas o que le Douanier queria dizer com isso?

Robert Delaunay realizou uma longa série de Torres Eiffel entre 1909 e 1911. Por mais estranho que possa parecer, essa obsessão com a Torre Eiffel tem como origem uma história simples de um acidente!

Robert Delaunay, a cidade de Paris, a Torre Eiffel para estudar, lápis e tinta, 1911, coleção particular.

Tudo começa quando o seu bom amigo Blaise Cendrars quebra a tíbia saindo de seu carro. Ele foi levado para o Hotel du Palais, em Paris, onde permaneceu por 28 dias. De sua cama, pode se ver a Torre Eiffel através da janela.

Delaunay, que o visita todos os dias, fica maravilhado com a visão da torre, a dinâmica da modernidade e energia urbana que ela encarna. Ele aproveita a oportunidade para fazer dezenas de esboços!

Como representar com os seus 324 metros de altura?

Robert Delaunay, Torre Eiffel, 1924-1926, óleo sobre tela, 160,6 x 120,0 centímetros, Museu Hirschhorn, Washington DC

Robert Delaunay encontra a sua solução: a desintegração da forma. Abordagem que se acentua com as Torres Eiffel que ele faz. Delaunay faz a luz refulgir em todos os lugares, divide a imagem em fragmentos separados e organiza esses elementos de diferentes perspectivas e às vezes até contraditórios!

Adota 10 diferentes pontos de vista e 15 perspectivas. O pintor, um dos pioneiros da abstração, fala de seu "período deconstrutivo."

Se Robert deconstroi a Torre Eiffel, isso é porque ele quebra todas as linhas para representa-la de forma dinâmica.

O suficiente para fazer a cabeça de Rousseau girar!

Robert Delaunay, Auto-retrato, óleo sobre tela, 73 x 60 cm, concluída em 1906, Musée National d'Art Moderne, Paris.

Para mais informações:


sobre Robert Delaunay - http://www.mam.paris.fr/fr/collection/robert-delaunay

sobre a Torre Eiffel: http://www.panoramadelart.com/la-tour-eiffel


fonte:  Artips

Lygia Clark: O abandono da Arte, 1948-1988

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Óculos. 1968. Industrial rubber, metal, glass. 11 7/16 x 7 1/16 x 2 15/16″ (29 x 18 x 7.5 cm). © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © 2014 Eduardo Clark.

Museum of Modern Art

New York

Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988

10 de maio de 2014, 24 de agosto de 2014

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Ping-pong (1966) in use. The objects are Ping-Pong balls and a plastic bag. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

O Museu de Arte Moderna de Nova Iorque faz uma grande retrospectiva de arte dedicada à arte de Lygia Clark (Brasil , 1920-1988) é a primeira exposição abrangente na América do Norte de seu trabalho . Lygia Clark: o abandono da arte, 1948-1988 compreende cerca de 300 obras , que vão desde o final dos anos 1940 até o início de 1980 , incluindo desenhos, pinturas , esculturas e obras participativas.

The Museum of Modern Art’s major retrospective devoted to the art of Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) is the first comprehensive exhibition in North America of her work. Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988 comprises nearly 300 works, ranging from the late 1940s to the early 1980s, including drawings, paintings, sculptures, and participatory works. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Relógio de sol (Sundial). 1960. Aluminum with gold patina. Dimensions variable, approximately 20 7/8 x 23 x 18 1/8” (52.8 x 58.4 x 45.8 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Rafael Romero. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Desenhada à partir de coleções públicas e privadas, incluindo o próprio MoMA, esta pesquisa está organizada em torno de três temas principais: abstração , Neo- concretismo , e o " abandono " da arte.

Drawn from public and private collections, including MoMA’s own, this survey is organized around three key themes: abstraction, Neo-Concretism, and the “abandonment” of art. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). The Inside Is the Outside. 1963. Stainless steel. 16 x 17 1/2 x 14 3/4″ (40.6 x 44.5 x 37.5 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros through the Latin American and Caribbean Fund in honor of Adriana Cisneros de Griffin. © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © Thomas Griesel

Cada um desses eixos ancora um conceito significativo ou uma constelação de obras que marcam um passo definitivo na carreira de Clark. Enquanto o legado de Clark no Brasil é profundo, esta exposição chama a atenção internacional para o seu trabalho .

Each of these axes anchors a significant concept or a constellation of works that mark a definitive step in Clark’s career. While Clark’s legacy in Brazil is profound, this exhibition draws international attention to her work.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Planes in Modulated Surface 4. 1957. Formica and industrial paint on wood. 39 1/4 x 39 1/4″ (99.7 x 99.7 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros through the Latin American and Caribbean Fund in honor of Kathy Fuld © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © Thomas Griesel.

Ao reunir todas as partes da sua produção radical, a exposição pretende reinscrever -la em discursos atuais de abstração , participação e uma prática da arte terapêutica.

By bringing together all parts of her radical production, the exhibition seeks to reinscribe her into current discourses of abstraction, participation, and a therapeutic art practice.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) in her studio, Rio de Janeiro, c. 1950s. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Lygia Clark treinada no Rio de Janeiro e Paris a partir de finais dos anos 1940 a meados dos anos 1950 foi uma artista abstrato líder na vanguarda do movimento Neo- concretista no Brasil , promovendo a participação ativa dos espectadores através de suas obras.

Lygia Clark trained in Rio de Janeiro and Paris from the late 1940s to the mid-1950s and was a leading abstract artist at the forefront of the Neo-Concretist movement in Brazil, fostering the active participation of spectators through her works. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Estruturas vivas (Live structures), 1969, in use, probably in Paris in the early 1970s. The object is made out of knotted rubber bands. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

A partir do final dos anos 1960 até os anos 1970, ela criou uma série de obras de arte não convencionais em paralelo a uma terapia psicanalítica demorada, levando-a a desenvolver uma série de proposições terapêuticas fundamentadas no arte.

From the late 1960s through the 1970s she created a series of unconventional artworks in parallel to a lengthy psychoanalytic therapy, leading her to develop a series of therapeutic propositions grounded in art. 

Cover of Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988, published by The Museum of Modern Art, 2014.

Clark se tornou uma grande referência para os artistas contemporâneos que lidam com os limites de formas convencionais de arte. 

Clark has become a major reference for contemporary artists dealing with the limits of conventional forms of art.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) in her studio working on Arquitetura biológica II (Biologic architecture II). Cité internationale des arts, Paris, 1969. Photo credit: Alécio de Andrade. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Organizada por Luis Pérez-Oramas, The Estrellita Brodsky Curadora de Arte Latino-Americana, MoMA; e Connie Butler, curadora-chefe, O Museu Hammer; com Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Assistente Curatorial, e Beatriz Rabelo Olivetti, Assistente Curatorial do Departamento de desenhos e gravuras, MoMA. 

Organized by Luis Pérez-Oramas, The Estrellita Brodsky Curator of Latin American Art, MoMA; and Connie Butler, Chief Curator, Hammer Museum; with Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Curatorial Assistant, and Beatriz Rabelo Olivetti, Curatorial Assistant, Department of Drawings and Prints, MoMA.

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988) wearing Máscara abismo com tapa-olhos (Abyssal mask with eye-patch, 1968), a work made of fabric, elastic bands, a nylon bag, and a stone. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Grande apoio para a exposição foi fornecido por Ricardo e Susana Steinbruch, do Fundo das mulheres modernas, Patricia Phelps de Cisneros, Jerry I. Speyer e Katherine G. Farley, Vicky e Joseph Safra Foundation, ea Diane e Bruce Halle Foundation.

Major support for the exhibition is provided by Ricardo and Susana Steinbruch, The Modern Women’s Fund, Patricia Phelps de Cisneros, Jerry I. Speyer and Katherine G. Farley, Vicky and Joseph Safra Foundation, and the Diane and Bruce Halle Foundation.

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Diálogo de mãos (Dialogue of hands, 1966), in use probably by Clark and Hélio Oiticica. The object is made of elastic. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Superfície modulada no. 9 (Modulated surface no. 9), 1957. Industrial paint on wood, 13 x 36 5/8” (33 x 93 cm). Collection Andrea and José Olympio. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Trepante, versão 1 (Climber, version 1), 1965. Aluminum. Dimensions variable, overall approximately 103 9/16 x 57 ½” (263 x 146 cm). Jones Bergamin. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Relógio de sol (Sundial). 1960. Aluminum with gold patina. Dimensions variable, approximately 20 7/8 x 23 x 18 1/8” (52.8 x 58.4 x 45.8 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Rafael Romero. Photo: Jonathan Muzikar.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Planos em superfície modulada no. 2, versão 01 (Planes in modulated surface no. 2, version 1). c. 1957. Industrial paint on wood, 31 ½ x 26 3/4″ (80 x 68 cm). Luiz Paulo Montenegro Collection. Photo credit: Eurides Lula Rodrigues Cardoso, Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.