Kandinsky antes da Abstração, 1901-1911

A história da Fundação Solomon R. Guggenheim se confunde com a obra de Vasily Kandinsky (nascido em 1866, Moscou;.. falecido em 1944, Neuilly-sur-Seine, França), mais do que qualquer outro artista do século XX. Artista, conselheiro, e primeiro diretor do museu Hilla Rebay incentivou   o  fundador Solomon R. Guggenheim a começar a colecionar a obra de Kandinsky em 1929 e mais tarde conhecer Kandinsky na Dessau Bauhaus em julho de 1930. Esta introdução deu início a um período de aquisição em curso da arte de Kandinsky, com mais de 150 obras em última análise, entrar para a coleção do museu.

Três décadas antes dessa reunião fatídica em Dessau, Kandinsky se lançou na sua carreira artística. Em 1895, ele abandonou a profissão de advogado para se tornar o diretor de arte da empresa de impressão Kushnerev em Moscou. Um ano depois Kandinsky partiu para Munique se associou com os principais grupos de vanguarda da cidade, incluindo o Phalanx, Neue Künstlervereinigung München (Association of Munich New Artists ') e Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul).

Vasily Kandinsky, Igreja ( Kirche ), 1907. Xilogravura
Fundação Hilla von Rebay, emprestada para o Museu Solomon R. Guggenheim, New York 1970 

Em Munique, Kandinsky rapidamente percebeu seu talento para trabalhar com três técnicas de clássicas de gravura, xilogravura, litografia e começou a evoluir como artista e teórico. A xilogravura em particular, que desafiou os artistas a capturar a essência de sua visão ou uma história através de uma redução de meios de expressão, deu a Kandinsky um veículo para articular suas tendências românticas. Lembranças da Rússia, como a mobília alegremente decorada e imagens votivas que ele tinha observado nas casas dos camponeses, combinadas com o historicismo romântico, poesia lírica, folclore e pura fantasia do seu trabalho inicial.

Vasily Kandinsky, Cantora ( Sängerin ), 1903. Xilogravura em papel japonês
Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Kandinsky começou a viajar frequentement em 1904 com seu parceiro, o artista alemão Gabriele Münter, fazendo viagens a Veneza, Paris, Amsterdam, Tunísia, e da Rússia, antes de se estabelecer em Munique novamente em 1908 e traduzir sua gravura para pintura de paisagem. Tais elementos gráficos como formas claramente delineadas, perspectivas achatadas , e as em preto-e-branco e as "não cores" de suas xilogravuras, permeiam as paisagens bávaras coloridas de 1908-1909. Estas pinturas diferem notavelmente dos seus exercícios anteriores em pintura Neo-Impressionista.

Vasily Kandinsky, Mulheres no bosque ( Frauen im Wald ), 1907. 

Xilogravura em papel japonês - Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Por volta de 1913, ele já havia reduzido seus temas reconhecíveis e recorrentes incluindo o cavalo e cavaleiro, colinas, torres e árvores para grandes áreas de cores brilhantes, radiantes que eram subsidiárias das qualidades expressivas de linha e cor. Esses contornos caligráficos e formas rítmicas revelam traços escassos de suas origens de representação. Kandinsky foi finalmente capaz de evocar o que chamou de "poder oculto da paleta" e se afastar de suas origens pictóricas, embarcando assim na estrada para a abstração.


Vasily Kandinsky, Senhora com um leque ( Dame mit Fächer ), 1903. 
Solomon R. Guggenheim Museum, New York 

Extraidas da coleção do Guggenheim, esta apresentação intimista das primeiras pinturas e xilogravuras é organizada por Tracey Bashkoff , curador sênior, coleções e exposições, e Megan Fontanella , Curador Associado, de Coleções e Procedências.

Robert Delaunay, Torre Eiffel, óleo sobre tela, 202 x 138,5 centímetros de 1909 Solomon R. Guggenheim Museum, em Nova York, Estados Unidos.

"Robert nunca teria quebrado a Torre Eiffel! ". Esta é uma das últimas frases que Douanier Rousseau teria pronunciado antes de morrer em 1910. Este "Robert" é o Robert Delaunay, pintor francês do início do século XX.

Mas o que le Douanier queria dizer com isso?

Robert Delaunay realizou uma longa série de Torres Eiffel entre 1909 e 1911. Por mais estranho que possa parecer, essa obsessão com a Torre Eiffel tem como origem uma história simples de um acidente!

Robert Delaunay, a cidade de Paris, a Torre Eiffel para estudar, lápis e tinta, 1911, coleção particular.

Tudo começa quando o seu bom amigo Blaise Cendrars quebra a tíbia saindo de seu carro. Ele foi levado para o Hotel du Palais, em Paris, onde permaneceu por 28 dias. De sua cama, pode se ver a Torre Eiffel através da janela.

Delaunay, que o visita todos os dias, fica maravilhado com a visão da torre, a dinâmica da modernidade e energia urbana que ela encarna. Ele aproveita a oportunidade para fazer dezenas de esboços!

Como representar com os seus 324 metros de altura?

Robert Delaunay, Torre Eiffel, 1924-1926, óleo sobre tela, 160,6 x 120,0 centímetros, Museu Hirschhorn, Washington DC

Robert Delaunay encontra a sua solução: a desintegração da forma. Abordagem que se acentua com as Torres Eiffel que ele faz. Delaunay faz a luz refulgir em todos os lugares, divide a imagem em fragmentos separados e organiza esses elementos de diferentes perspectivas e às vezes até contraditórios!

Adota 10 diferentes pontos de vista e 15 perspectivas. O pintor, um dos pioneiros da abstração, fala de seu "período deconstrutivo."

Se Robert deconstroi a Torre Eiffel, isso é porque ele quebra todas as linhas para representa-la de forma dinâmica.

O suficiente para fazer a cabeça de Rousseau girar!

Robert Delaunay, Auto-retrato, óleo sobre tela, 73 x 60 cm, concluída em 1906, Musée National d'Art Moderne, Paris.

Para mais informações:


sobre Robert Delaunay - http://www.mam.paris.fr/fr/collection/robert-delaunay

sobre a Torre Eiffel: http://www.panoramadelart.com/la-tour-eiffel


fonte:  Artips

Picasso Preto e Branco

Picasso preto e branco, a primeira grande exposição a se concentrar na exploração de uma paleta de preto-e-branco ao longo de sua carreira, será apresentada no Museu Guggenheim de 05 de outubro de 2012, de 23 de janeiro de 2013.

Picasso Black and White, the first major exhibition to focus on the artist’s lifelong exploration of a black-and-white palette throughout his career, will be presented at the Guggenheim Museum from October 5, 2012, to January 23, 2013.

Pablo Picasso. The Charnel House (Le charnier). Grands-Augustins, Paris, 1944–45. 

A exposição apresenta 118 pinturas, esculturas e obras sobre papel 1904-1971, e vai oferecer novos e marcante insights na visão de Picasso e seus métodos de trabalho. Esta apresentação cronológica inclui empréstimos muitos significativos, muitos dos quais não foram expostos ou publicados antes - estraidos das do museu, de coleções privadas e públicas em toda a Europa e os Estados Unidos, incluindo numerosas obras da família Picasso.

The exhibition features 118 paintings, sculptures, and works on paper from 1904 to 1971, and will offer new and striking insights into Picasso’s vision and working methods. This chronological presentation includes significant loans—many of which have not been exhibited or published before—drawn from museum, private, and public collections across Europe and the United States, including numerous works from the Picasso family. 

Woman with Outstretched Arms, Cannes, La Californie, 1961

Poucos artistas têm exercido uma influência tão considerável ao longo de gerações posteriores, como Pablo Picasso (1881-1973). Enquanto seu trabalho é muitas vezes visto através da lente de seu estilo diversificado,  o tema recorrente do preto, branco e cinza é frequentemente ignorado. Picasso preto e branco irá demonstrar como o artista foi continuamente investigando, inventando, e desenhando em  tons monocromáticos sombrios e austeros ao longo de sua carreira.

Few artists have exerted as considerable an influence over subsequent generations as Pablo Picasso (1881–1973). While his work is often seen through the lens of his diverse style and subjects, the recurrent motif of black, white, and gray is frequently overlooked. Picasso Black and White will demonstrate how the artist was continuously investigating, inventing, and drawing in somber and austere monochromatic tones throughout his career. 

Picasso preto e branco apresenta uma perspectiva única e esclarecedora sobre um dos aspectos menos conhecidos, mas fascinante de seu  formidável conjunto de trabalho. Os períodos Azul e Rosa incluem, de fato, trabalhos pintados em delicados tons pretos, brancos, cinzas e nuances de luzes suaves, e suas investigações pioneiras no Cubismo são condensadas ​​a componentes geométricos e desconstruídas de austeros tons de cinza. Da mesma forma, sua figura neoclássica alude às tonalidades frias das esculturas gregas e romanas, bem como a pintura européia e os desenhos de Picasso sempre tiveram uma forte afinidade, assim como suas explorações no Surrealismo compreendem obras sensuais compostas por uma panóplia de cinzas.

Picasso Black and White presents a unique and illuminating perspective on a lesser-known but fascinating aspect of his formidable body of work. Picasso’s Blue and Rose periods include, in effect, works painted in delicate black, white, and gray soft light shadings, and his pioneering investigations into Cubism are condensed to geometric and deconstructed components of austere gray tones. Likewise, his neoclassical figure paintings allude to the cool tonalities of Greek and Roman sculpture as well as to European painting and drawing for which Picasso always had a strong affinity, and his explorations into Surrealism comprise sensual works composed of a panoply of grays.

Pablo Picasso. Head of a Horse, Sketch for Guernica (Tête de cheval, étude pour Guernica). Grands-Augustins, Paris, May 2, 1937. 

As cenas fortes e sombrias, que retratam as atrocidades da guerra, as alegóricas naturezas mortas, e as vivas interpretações da obras primas histórica exibem uma intensidade impressionante através de tons mínimos. Finalmente, as obras altamente sexualizadas de seus anos de crepúsculo apresentam essas cores pretas e brancas, mas sempre vigorosas,  transmitindo o modo direto da expressão espontânea e crua que é tão típica da produção de Picasso.

The forceful and somber scenes depicting the atrocities of war, the allegorical still lifes, and the vivid interpretations of art-historical masterpieces display a striking intensity through such minimal tones. Finally, the highly sexualized works of his twilight years feature these black and white colors, which are at times tender, but always vigorous, and convey the direct mode of spontaneous and raw expression that is so typical of Picasso’s output. 

Pablo Picasso, Spanish, 1881–1973, Woman Ironing, Paris, Spring 1904

Segundo Giménez, a qualidade gráfica das obras distintas remetem às pinturas do Paleolítico,  artistas  que desenvolveram uma linguagem visual primal  usando carvão e simples pigmentos minerais. Mas ao adotar esta paleta restrita, Picasso também foi fiel a uma tradição secular espanhola, seguindo os passos dos mestres anteriores cuja utilização da cor preta foi predominante em suas telas de artistas como El Greco, Velázquez, Francisco de Zurbarán , José de Ribera e Francisco de Goya (que fizeram pinturas negras na sua velhice, como fez Picasso até o fim de sua vida).

According to Giménez, the graphic quality of these distinctive works harks back to the spare paintings of Paleolithic artists who developed a primal visual language using charcoal and simple mineral pigments. But in adopting this restricted palette, Picasso was also faithful to a centuries-long Spanish tradition, following in the footsteps of earlier masters whose use of the color black was predominant in their canvases—artists such as El Greco, Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán, Jusepe de Ribera, and Francisco de Goya (who made black paintings in his old age, as did Picasso until the very end of his life). 

Pablo Picasso. The Maids of Honor (Las Meninas, after Velázquez) (Les Ménines, vue d’ensemble, d’après Velázquez). La Californie, August 17, 1957.

Giménez também explica que Picasso fez uso altamente eficaz de tons de preto, branco e cinza, em uma homenagem a pintura monocromática grisaille, evocando qualidades texturais e esculturais. Tendo dito que a cor "enfraquece", Picasso purga e isola as cores de seu trabalho, a fim de destacar a sua estrutura formal e afirmar a sua autonomia.

Giménez also explains that Picasso made highly effective use of black, white, and gray tones in a nod to monochromatic grisaille painting, evoking textural and sculptural qualities. Reported to have said that color “weakens,” Picasso purged and isolated color from his work in order to highlight its formal structure and assert its autonomy. 

Pablo Picasso, Spanish, 1881–1973, Woman in White (Femme assise, les bras croisés)

Na sequência da sua apresentação em Nova York, uma parte importante da exposição vai viajar para o Museum of Fine Arts, Houston, onde poderá ser vista a partir de 24 fevereiro - 27 maio de 2013.

Following its New York presentation, a major part of the exhibition will travel to the Museum of Fine Arts, Houston, where it will be on view from February 24 to May 27, 2013.

Pablo Picasso. The Milliner’s Workshop (Atelier de la modiste), Paris, January 1926.

Exposição: Picasso preto e branco

NY Local: Museu Solomon R. Guggenheim, 1071 Fifth Avenue, New York

Datas: 5 de outubro de 2012-Janeiro 23, 2013

Arte de um outro tipo: Abstração Internacional e o Guggenheim, 1949-1960

Grace Hartigan, Ireland, 1958, Oil on canvas, 200 x 271 cm, The Solomon R. Guggenheim Foundation, Peggy Guggenheim Collection, Venice, © Grace Hartigan Estate

Solomon R. Guggenheim Museum

New York

8 junho - 12 setembro, 2012

José Guerrero, Signs and Portents, 1956, Oil on canvas, 175.9 x 250.2 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Madrid, Photo: David Heald © The Solomon R. Guggenheim Foundation.

Composta por cerca de 100 obras de cerca de 70 artistas, a exposição explora tendências internacionais de abstração da década anterior ao icônico Guggenheim  prédio projetado por Frank Lloyd Wright, inaugurado em outubro de 1959, quando os artistas de vanguarda trabalhando nos Estados Unidos e na Europa foram pioneiros destas formas de arte influentes como o expressionismo abstrato, Cobra e a Arte Informal. Na década de 1950, muitos países terminaram seu isolacionismo do pós-guerra e entraram numa fase de abertura cultural e internacionalista.

Asger Jorn, A Soul for Sale (Ausverkauf einer Seele), 1958-59, Oil with sand on canvas, 200 x 250 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Purchased with funds contributed by the Evelyn Sharp Foundation, 1983, © 2012 Donation Jorn, Silkeborg / Artists Rights Society (ARS), New York/COPY-DAN, Copenhagen.

Comprising approximately 100 works by nearly 70 artists, the exhibition explores international trends in abstraction in the decade before the Guggenheim's iconic Frank Lloyd Wright-designed building opened in October 1959, when vanguard artists working in the United States and Europe pioneered such influential art forms as Abstract Expressionism, Cobra, and Art Informel. In the 1950s, many countries ended their postwar isolationism and entered a phase of cultural openness and internationalism. 

Judit Reigl, Outburst (Éclatement), 1956, Oil on canvas, 136 x 160 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Gift of the artist in honor of Kálmán Makláry, © Judit Reigl.

O famoso crítico de arte francês Michel Tapie declarou a existência de un autre arte (arte de outro tipo), um termo que abraçou um mosaico de estilos, mas, essencialmente, significou uma arte vanguarda que rejeitou uma conexão com qualquer tradição ou expressão do passado.

Alberto Burri, Composition (Composizione), 1953, Oil, gold paint, and glue on burlap and canvas, 86 x 100.4 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome.

The prominent French art critic Michel Tapié declared the existence of un art autre (art of another kind), a term embracing a mosaic of styles, but essentially signifying an avant-garde art that rejected a connection with any tradition or past idiom.

Takeo Yamaguchi, Work – Yellow (Unstable Square [Fuantei shikaku]), 1958, Oil on plywood, 182.6 x 182.6 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © Takeo Yamaguchi.

Com trabalhos de Karel Appel, Louise Bourgeois, Alberto Burri, Eduardo Chillida, Lucio Fontana, Hartigan Grace, Asger Jorn, Yves Klein, Willem de Kooning, Mathieu Georges, Isamu Noguchi, Okada Kenzo, Jackson Pollock, Soulages Pierre, Antoni Tàpies, Maria Helena Vieira da Silva, Takeo Yamaguchi, e Zao Wou-Ki, entre outros, a exposição considera os desenvolvimentos artísticos do mundo do período pós-II Guerra  chamando mais atenção aos artistas menos conhecidos no museu, colecionados ao lado daqueles há muito tempo canonizados.

Willem de Kooning, Composition, 1955, Oil, enamel, and charcoal on canvas, 201 x 175.6 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2012 The Willem de Kooning Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York, Photo: Kris McKay/Solomon R. Guggenheim Museum, New York.

With works by Karel Appel, Louise Bourgeois, Alberto Burri, Eduardo Chillida, Lucio Fontana, Grace Hartigan, Asger Jorn, Yves Klein, Willem de Kooning, Georges Mathieu, Isamu Noguchi, Kenzo Okada, Jackson Pollock, Pierre Soulages, Antoni Tàpies, Maria Helena Vieira da Silva, Takeo Yamaguchi, and Zao Wou-Ki, among others, the exhibition considers the artistic developments of the post-World War II period and draws greater attention to lesser-known artists in the museum?s collection alongside those long since canonized.

Willem de Kooning, Composition, 1955, Oil, enamel, and charcoal on canvas, 201 x 175.6 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2012 The Willem de Kooning Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York, Photo: Kris McKay/Solomon R. Guggenheim Museum, New York.

Arte de um outro tipo foi organizada pelo Curador Tracey Bashkoff,  Coleções e Exposições, e Megan Fontanella, curador assistente, Coleções e Proveniência, Solomon R. Guggenheim Museum.

Eduardo Chillida, From Within (Desde dentro), March 1953, Iron, 98.4 x 27.9 cm Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Photo: Robert E. Mates © Solomon R. Guggenheim Foundation, New York.

Art of Another Kind is organized by Tracey Bashkoff, Curator, Collections and Exhibitions, and Megan Fontanella, Assistant Curator, Collections and Provenance, Solomon R. Guggenheim Museum.

Pierre Soulages, Painting, November 20, 1956 (Peinture, 20 novembre 1956), 1956, Oil on canvas, 195 x 130.2 cm Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2012 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris, Photo: Kris McKay/Solomon R. Guggenheim Museum, New York.

Karel Appel, The Crying Crocodile Tries to Catch the Sun, 1956, Oil on canvas, 145.5 x 113.1 cm, The Solomon R. Guggenheim Foundation, Peggy Guggenheim Collection, Venice, 1976, © 2012 Karel Appel Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York.

Conrad Marca-Relli, Warrior, 1956, Oil and canvas collage on canvas, 215.9 x 127 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © Archivio Marca-Relli, Parma.

Jackson Pollock, Ocean Greyness, 1953,Oil on canvas, 146.7 x 229 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2012 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), New York.

Emilio Vedova, Image of Time (Barrier) (Immagine del tempo [Sbarramento]), 1951, Egg tempera on canvas, 130.5 x 170.4 cm, The Solomon R. Guggenheim Foundation, Peggy Guggenheim Collection, Venice, © Emilion Vedova, Photo: David Heald/Solomon R. Guggenheim Museum, New York.

Isamu Noguchi, The Cry, 1959, Balsa wood on steel base, 221 x 85.1 x 47.6 cm, including base, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2012 The Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum, New York/Artists Rights Society (ARS), New York, Photo: Kris McKay/Solomon R. Guggenheim Museum, New York.

Solomon R. Guggenheim Museum
1071 Fifth Avenue
212-423-3500
New York
Rotunda Levels 2-6, High Gallery

Objetos e Ícones Pop da Coleção Guggenheim

Richard Hamilton, The Solomon R. Guggenheim (Spectrum), 1965-66, Fiberglass and cellulose, 121.9 x 121.9 x 20.3 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2011 Artists Rights Society

Celebração da Crítica da Arte Pop na Cultura Popular
até 08 de fevereiro de 2012



Claes Oldenburg, Soft Pay-Telephone, 1963, Vinyl filled with kapok, mounted on painted wood panel, 118.2 x 48.3 x 22.8 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Gift, Ruth and Philip Zierler in memory of their dear departed son, William S. Zierler, © Claes Oldenburg.


Neste outono o Solomon R. Guggenheim Museum apresenta duas exposições focadas selecionadas da coleção permanente do museu, uma explorando Pop art e a outra 1960 com obras monocromáticas. A explosão da pop art na América na década de 1960 marcou o retorno às imagens representacionais após os expressionistas abstratos das décadas anteriores, que utilizaram grandes telas gestuais e cores expressivas.






Roy Lichtenstein, Interior with Mirrored Wall, 1991, Oil and magna on canvas, 320.4 x 406.4 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York,© Estate of Roy Lichtenstein.


Objetos pop e ícones da Coleção Guggenheim estão em exibição no anexo Nível 5 até 11 de janeiro de 2012, com uma galeria adicional no anexo 7 que será inaugurada em 19 de novembro de 2011, e permanecerá até 08 de fevereiro de 2012.






Robert Rauschenberg, Untitled, 1963, Oil, silkscreened ink, metal, and plastic on canvas, 208.3 x 121.9 x 15.9 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Purchased with funds contributed by Elaine and Werner Dannheisser and The Dannheisser Foundation, © Estate of Robert Rauschenberg/Licensed by VAGA, New York.

Objetos pop e ícones da Coleção Guggenheim dispõe de um grupo focado em obras de nove artistas, começando pelos precursores do movimento, tais como Robert Rauschenberg, seguidos dos primeiros praticantes que continuaram a trabalhar nesse estilo ao longo das suas carreiras, incluindo Lichtenstein e Rosenquist.

As pinturas e esculturas na mostra analisam o envolvimento de vários artistas "com a arte Pop e no interesse permanente do Guggenheim no legado deste estilo.

Andy Warhol, Orange Disaster #5, 1963, Acrylic and silkscreen enamel on canvas, 269.2 x 207 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Gift, Harry N. Abrams Family Collection, 1974, © 2011 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts


http://www.guggenheim.org/new-york/exhibitions/on-view/pop-objects-and-icons









Solomon R. Guggenheim Museum
1071 Fifth Avenue
212-423-3500