Seduzida pela Arte: Fotografia Passado e Presente

Julia Margaret Cameron, Kate Keown, about 1866, Gold-toned albumen print mounted on card, 29 cm (diameter), Gregg Wilson, Wilson Centre for Photography, Gregg Wilson, Wilson Centre for Photography.

31 de outubro de 2012, 20 de janeiro de 2013

National Gallery de Londres

Sainsbury wing

Richard Billingham, Hedgerow (New Forest), 2003, Lightjet print mounted on aluminium, 122 x 155 cm, (framed), Southampton City Art Gallery (11/2004), © The Artist, courtesy of the Anthony Reynolds Gallery London.

Seduzida pela Arte: Fotografia Passado e Presente é a primeira grande exposição de fotografia da National Gallery . Esta mostra inovadora explora a relação entre a pintura histórica, fotografia precoce de meados do século 19, e alguns dos trabalhos mais excitantes que estão sendo feitos por fotógrafos de hoje.

Seduced by Art: Photography Past and Present is the National Gallery’s first major exhibition of photography. This groundbreaking show explores the relationship between historical painting, early photography of the mid-19th century, and some of the most exciting work being done by photographers today.

Luc Delahaye, 132nd Ordinary Meeting of the Conference, 2004, Digital C-type print, 138.7 x 300 cm, Wilson Centre for Photography , Courtesy Luc Delahaye and Galerie Nathalie Obadia.

Seduzida pela Arte lança um olhar provocador da forma como os fotógrafos utilizam tradições de arte, incluindo a pintura dos velhos mestres, para explorar e justificar as possibilidades de sua arte. Desde o início, a fotografia se atreveu a reclamar os temas da arte tradicional como sendo dela própria.

Seduced by Art takes a provocative look at how photographers use fine art traditions, including Old Master painting, to explore and justify the possibilities of their art. Right from the beginning, photography dared to claim traditional ‘high art’ subjects as its own. 

Ignace-Henri-Théodore Fantin-Latourn, The Rosy Wealth of June, 1886, Oil on canvas, 70.5 x 61.6 cm, The National Gallery, London, © The National Gallery, London.

Longe de ser uma pesquisa geral, a exposição chama a atenção para uma vertente particular e rica da história da fotografia, em grandes obras primordiais feita pelos maiores fotógrafos britânicos e franceses ao lado de de uma variedade internacional fotografias feitas por artistas contemporâneos. A mostra inclui a nova fotografia e vídeo especialmente encomendado para a exposição e em exibição pública pela primeira vez, além de obras raramente vistas no Reino Unido.

Far from being a general survey, the exhibition draws attention to one particular and rich strand of photography’s history, in major early works by the greatest British and French practitioners alongside photographs by an international array of contemporary artists. The show includes new photography and video specially commissioned for the exhibition and on public display for the first time, plus works rarely seen in the UK.

John Constable, The Cornfield, 1826, The National Gallery, London, Photo © The National Gallery, London.

Pinturas e fotografias iniciais e contemporânea estão apresentadas em conjunto de acordo com gêneros tradicionais, como retrato, natureza morta e paisagem. A grande sala central da mostra vai contrastar com o belo e provocante imaginário religioso do século 19  da fotógrafa Julia Margaret Cameron e do final do século 20, da artista Helen Chadwick, com espetaculares quadros de campos de batalha feitos por Emile-Jean-Horace Vernet de 1821 e o trabalho Luc Delahaye de 2001 .

Paintings and early and contemporary photographs are presented together according to traditional genres such as portraiture, still life and landscape. The large central room of the show will contrast beautiful and provocative religious imagery by 19th-century photographer Julia Margaret Cameron and late 20th-century artist Helen Chadwick, with spectacular battlefield tableaux by Emile-Jean-Horace Vernet from 1821 and Luc Delahaye’s work of 2001. 

Jean-Auguste-Dominique Ingres, Madame Moitessier, 1856, © The National Gallery, London.

O tema do retrato inclui os astutos retratos sociais de Tina Barney ; o trabalho acerbico de Martin Parr exibido ao lado de Mr and Mrs Andrews de Thomas Gainsborough (cerca de 1750), enquanto as fotografias de Craigie Horsfield e o artista vitoriano David Wilkie Wynfield mostram a influência barroca de Anthony van Dyck.

The theme of portraiture includes Tina Barney’s astute social portraits; Martin Parr’s acerbic work is displayed alongside Thomas Gainsborough’s Mr and Mrs Andrews (about 1750), while photographs by Craigie Horsfield and the Victorian artist David Wilkie Wynfield show the Baroque influence of Anthony van Dyck. 

Richard Learoyd, Jasmijn in Mary Quant, 2008, Unique Ilfochrome photograph, 148.6 x 125.7 cm, Courtesy of McKee Gallery, New York, © Richard Learoyd, courtesy McKee Gallery, New York.

Os nus pintados e fotografados nos levam a reconsiderar a recepção controvertida do passado e presente de obras dos fotógrafos precoces, como Oscar Gustav Rejlander e contemporâneos, como Richard Learoyd. Um quarto de paisagens contará com obras primordiais do fotógrafo francês Gustave Le Gray e artistas contemporâneos como Jem Southam e Richard Billingham,  cobertos por uma  enorme fotogravura em oito partes de Tacita Dean.

Painted and photographed nudes will prompt us to reconsider the past and present reception of controversial works by early photographers such as Oscar Gustav Rejlander and contemporary practitioners like Richard Learoyd. A room of landscapes will feature works by the early French photographer Gustave Le Gray and contemporary artists such as Jem Southam and Richard Billingham, capped by a huge eight-part photogravure by Tacita Dean.

Ori Gersht, Blow-Up, Untitled 5, 2007, Lightjet print mounted on aluminium, 248 x 188 cm x 6 cm (framed), Mummery + Schnelle, London, © Courtesy of the Artist and Mummery + Schnelle, London.

O método artístico da pesquisa da mostra  inclui fotógrafos contemporâneos que, com todos os recursos técnicos a mão de inovações da era digital, continuam a investigar os temas e procedimentos da pintura histórica e dos primórdios da fotografia. 

The show’s investigation of artistic method includes contemporary practitioners who, with every technical resource and innovation at hand in the digital age, continue to investigate the themes and procedures of historical painting and early photography. 

Maisie Maud Broadhead, Keep Them Sweet, 2010, C-type print, 145 x 106.5 cm, Represented by Sarah Myerscough Fine Art, London, Image © Maisie Broadhead.

Mas também inclui um trabalho mais experimental, baseado na natureza morta de Sam Taylor-Wood (2001) e de natureza morta digital Blow Up de Ori Gersht, : Untitled 5 (2007) (cortesia de Mummery Schnelle), que será exibida ao lado de sua inspiração: Rosy Wealth of June (1886), de Ignace-Henri-Théodore Fantin-Latour  da National Gallery. 

But it also includes more experimental work, in Sam Taylor-Wood’s time-based Still Life (2001) and Ori Gersht’s digital still life, Blow Up: Untitled 5 (2007) (courtesy of Mummery   Schnelle), which will be displayed alongside its inspiration, the National Gallery’s Rosy Wealth of June (1886) by Ignace-Henri-Théodore Fantin-Latour. 

Richard Learoyd, Man with Octopus Tattoo II, 2011, Unique Ilfochrome photograph, 148.6 x 125.7 cm, Courtesy of McKee Gallery, New York, © Richard Learoyd, courtesy McKee Gallery New York.

Peças de vídeo incluem um novo trabalho de Maisie Maud Broadhead e Cole Jack, uma ode à Hill e Adamson (2011), feita especialmente para a exposição e é mostrada ao lado sua origem, um retrato fotográfico 1840 por David Octavius ​​Hill e Robert Adamson.

Video pieces will include a new work by Maisie Maud Broadhead and Jack Cole, An Ode to Hill and Adamson (2011), made especially for the exhibition and shown alongside its source, an 1840s photographic portrait by David Octavius Hill and Robert Adamson.

James Anderson (?), The Laocoön Group, about 1855-65, Gold-toned albumen print, 40.3 x 29.1 cm, Wilson Centre for Photography Wilson Centre for Photography.

Excepcionalmente, três "intervenções" de fotografias contemporâneas de Richard Billingham, Horsfield Craigie e Richard Learoyd serão exibidas na coleção permanente da galeria, justapostas com grandes do século 19, pinturas de Constable, Degas e Ingres.

Exceptionally, three ‘interventions’ of contemporary photographs by Richard Billingham, Craigie Horsfield and Richard Learoyd will be displayed in the Gallery’s permanent collection, juxtaposed with great 19th-century paintings by Constable, Degas and Ingres.

Thomas Gainsborough, Mr and Mrs Andrews. about 1750, © The National Gallery, London.

A mostra inclui quase 90 fotografias ao lado de pinturas selecionadas da coleção da Galeria Nacional. Fotografias chave vindas do Centro de Wilson de Fotografia, assim com empréstimos de Tate, do Museu Victoria e Albert, do National Media Museum, de Bradford, da Fundació La Caixa, da Espanha, e diretamente dos próprios fotógrafos.

The show includes almost 90 photographs alongside selected paintings from the National Gallery’s collection. Key photographs come from the Wilson Centre for Photography, with loans from Tate, the Victoria and Albert Museum, the National Media Museum in Bradford, Fundació La Caixa in Spain, and direct from the photographers themselves.

Martin Parr, Signs of the Times, England, 1991, C-type print, 51 x 61 cm, Martin Parr / Magnum Photos / Rocket Gallery, © Martin Parr / Magnum Photos.

National Gallery

Trafalger Square

+ 020 7747 2885

London

Sainsbury Wing

Fotografia Manipulada Antes do Photoshop

Unidentified Russian artist, Lenin and Stalin in Gorki in 1922, 1949, Gelatin silver print with applied media, Collection of Ryna and David Alexander.

Metropolitan Museum of Art  New York

11 de outubro de 2012, 27 de janeiro de 2013

Maurice Tabard, French, 1897-1984, Room with Eye, 1930, Gelatin silver print, The Metropolitan Museum of Art, The Elisha Whittelsey Collection, The Elisha Whittelsey Fund, 1962, 62.576.4

Enquanto a fotografia digital e edição de imagem de software têm trazido uma maior sensibilização do grau em que as imagens da câmera podem ser manipuladas, a prática de fotografias manipuladas existe desde que o meio foi inventado.

While digital photography and image-editing software have brought about an increased awareness of the degree to which camera images can be manipulated, the practice of doctoring photographs has existed since the medium was invented. 

Henry Peach Robinson, English, 1830-1901, Fading Away, 1858, Albumen silver print from glass negatives, The Royal Photographic Society Collection at the National Media Museum, Bradford, United Kingdom.

Fotografia Manipulada Antes do Photoshop é a primeira grande exposição dedicada à história da fotografia manipulada antes da era digital. Com cerca de 200 fotografias visualmente cativantes criadas entre 1840 e 1990, a serviço da arte, da política, notícias, entretenimento e comércio, a exposição oferece uma perspectiva nova e instigante sobre a história da fotografia como ela traça relações complexas e mutáveis do meio com a verdade visual .

Faking It: Manipulated Photography Before Photoshop is the first major exhibition devoted to the history of manipulated photography before the digital age. Featuring some 200 visually captivating photographs created between the 1840s and 1990s in the service of art, politics, news, entertainment, and commerce, the exhibition offers a provocative new perspective on the history of photography as it traces the medium’s complex and changing relationship to visual truth.

Barbara Morgan, American, 1900-1992, Hearst over the People, 1939, Collage of gelatin silver prints with applied media, The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri, Gift of Hallmark Cards, Inc.

As fotografias da exposição foram alteradas usando uma variedade de técnicas, incluindo a exposição múltipla (duas ou mais fotos em um único negativo), impressão combinação (produzindo uma única impressão a partir de elementos de dois ou mais negativos), fotomontagem, overpainting, e retoque no negativo ou imprimir.

The photographs in the exhibition were altered using a variety of techniques, including multiple exposure (taking two or more pictures on a single negative), combination printing (producing a single print from elements of two or more negatives), photomontage, overpainting, and retouching on the negative or print.

Maurice Guibert, French, 1856-1913. Henri de Toulouse-Lautrec as Artist and Model, ca. 1900, Gelatin silver print, Philadelphia Museum of Art.

Em todos os casos, o significado e o conteúdo da imagem da câmara foi transformado significativamente no processo de manipulação.

In every case, the meaning and content of the camera image was significantly transformed in the process of manipulation.

Grete Stern, Argentinian, born Germany, 1904-1999, Dream No. 1: Electrical Appliances for the Home, 1948, Gelatin silver print, The Metropolitan Museum of Art, Twentieth-Century Photography Fund, 2012, 2012.10, Courtesy of Galería – Jorge Mara-La Ruche, Buenos Aires.

Fingindo-se dividido em sete seções, cada uma com foco em um conjunto diferente de motivações para manipular a imagem da câmera. Picture Perfect explora os esforços do século 19 fotógrafos para compensar as limitações técnicas do novo meio de - mais especificamente, a sua incapacidade de descrever o mundo do jeito que parece 

Faking It is divided into seven sections, each focusing on a different set of motivations for manipulating the camera image. Picture Perfect explores 19th-century photographers’ efforts to compensate for the new medium’s technical limitations — specifically, its inability to depict the world the way it looks to the naked eye. 

Unidentified American artist, Two-Headed Man, ca. 1855, Daguerreotype, The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri, Gift of Hallmark Cards, Inc.

Para aumentar paleta monocromática da fotografia, pigmentos foram aplicados a retratos para torná-los mais vivas e realistas. Fotógrafos paisagem enfrentou um obstáculo diferente: a sensibilidade ímpar de emulsões iniciais muitas vezes resultou em manchas, superexposta céus.

To augment photography’s monochrome palette, pigments were applied to portraits to make them more vivid and lifelike. Landscape photographers faced a different obstacle: the uneven sensitivity of early emulsions often resulted in blotchy, overexposed skies. 

George Washington Wilson, Scottish, 1823-1893, Aberdeen Portraits No. 1, 1857, Albumen silver print from glass negative, The Metropolitan Museum of Art, The Horace W. Goldsmith Foundation Fund, through Joyce and Robert Menschel, 2011, 2011.424.

Para superar isso, muitos fotógrafos, como Gustave Le Gray e E. Carleton Watkins, criou paisagens espetaculares, imprimindo dois negativos em uma única folha de papel - uma exposição para a terra, o outro para o céu. Esta seção também explora os desafios envolvidos na criação de retratos de grandes grupos, que muitas vezes eram de paralelepípedos junto de dezenas de fotografias de indivíduos.

To overcome this, many photographers, such as Gustave Le Gray and Carleton E. Watkins, created spectacular landscapes by printing two negatives on a single sheet of paper — one exposed for the land, the other for the sky. This section also explores the challenges involved in the creation of large group portraits, which were often cobbled together from dozens of photographs of individuals.

Unidentified German artist, A Powerful Collision, 1914, Gelatin silver print, The Metropolitan Museum of Art, Twentieth-century Photography Fund, 2010, 2010.296,193.

Para os fotógrafos de arte início, a criatividade final não estava no ato de tirar uma fotografia, mas na transformação subsequente da imagem da câmera em uma imagem artesanal.

For early art photographers, the ultimate creativity lay not in the act of taking a photograph but in the subsequent transformation of the camera image into a hand-crafted picture. 

Unidentified German artist, A Powerful Collision, 1914, Gelatin silver print, The Metropolitan Museum of Art, Twentieth-century Photography Fund, 2010, 2010.296,193.

Artifício em nome da arte começa na década de 1850 com estampas elaboradas combinação de narrativa e temas alegóricos por Oscar Gustave Rejlander e Pêssego Henry Robinson.

Artifice in the Name of Art begins in the 1850s with elaborate combination prints of narrative and allegorical subjects by Oscar Gustave Rejlander and Henry Peach Robinson. 

Unidentified American artist, Man on Rooftop with Eleven Men in Formation on His Shoulders, ca. 1930, Gelatin silver print, Collection of George Eastman House, International Museum of Photography and Film, Rochester.

Ele continua com a revitalização do pictorialismo no alvorecer do século XX na obra de artistas-fotógrafos como Edward Steichen, Anne W. Brigman e Dia F. Holanda.

It continues with the revival of Pictorialism at the dawn of the twentieth century in the work of artist-photographers such as Edward Steichen, Anne W. Brigman, and F. Holland Day.

Unidentified artist, Man Juggling His Own Head,ca. 1880, Albumen silver print from glass negative. Collection of Christophe Goeury.

William Henry Jackson, American, 1843-1942, Unidentified artist at Detroit Publishing Company, Colorado Springs, Colorado, ca. 1913, Collage of gelatin silver prints with applied media, Amon Carter Museum of American Art, Fort Worth.

Gustave Le Gray, French, 1820-1884, Cloud Study, Light-Dark, 1856-57, Albumen silver print from glass negatives, Estate of Maurice Sendak.

Unidentified American artist, Dirigible Docked on Empire State Building, New York, 1930, Gelatin silver print, The Metropolitan Museum of Art,, Twentieth-Century Photography Fund, 2011, 2011.189.

Egon Schiele, do Museu Albertina de Viena

Egon Schiele (1890-1918), Pareja sentada, 1915, Acuarela, lápiz y sello, montado sobre cartón, 51.8 x 41 cm, Albertina, Vienna, inv. 29766

Museu Guggenheim Bilbao

2 de outubro de 2012, 06 de janeiro de 2013

Egon Schiele (1890-1918), Reclining Female Nude with Legs Spread Apart, 1914, Pencil, opaque color on Japanese vellum, 31.4 x 48.2 cm, Albertina, Vienna, inv. no. 26667.

A mostra Egon Schiele é uma visão abrangente do universo criativo de um dos mais importantes artistas do século 20 através de aproximadamente cem desenhos, guaches, aquarelas e fotografias empréstadas do Museu Albertina, de Viena. Esta instituição possui uma das maiores coleções do mundo de trabalho gráfico histórico, incluindo a compilação mais importante de obras sobre papel deste grande expressionista austríaco.

Egon Schiele is a sweeping vision of the creative universe of one of the 20th century’s most important artists through approximately one hundred drawings, gouaches, watercolors, and photographs on loan from the Albertina Museum, Vienna. This institution boasts one of the world’s largest collections of historical graphic work, including the most important compilation of works on paper by this great Austrian Expressionist.

Egon Schiele (1890-1918), Self-portrait, 1906, Charcoal, 45.5 x 34.6 cm, Albertina, Wien Inv. ESA1106r.

Esta exposição oferece uma perspectiva única sobre a evolução estilística de Schiele ao longo de uma década intensamente prolífica, interrompida por sua morte prematura na idade de 28 anos, destacando o papel decisivo que trabalho gráfico do artista teve na formação da história da arte e da consolidação sua própria reputação internacional.

This show offers a unique perspective on Schiele’s stylistic evolution over the course of an intensely prolific decade, cut short by his untimely death at the age of 28, which underscores the decisive role that this artist’s graphic work played in shaping the history of art and consolidating his own international reputation. 

Egon Schiele (1890-1918), The Cellist, 1910, Black chalk, watercolor on packing paper, 44.7 x 31.2 cm, Albertina, Vienna, inv. no. 31178.

Abrangendo todas as fases de sua carreira - as primeiras peças produzidas, enquanto estudava na Academia de Belas Artes de Viena,  fortemente influenciado por Gustav Klimt e pelo modernismo vienense, e a produção de seus últimos anos em que ele fez uma ruptura com o naturalismo, caracterizada pelo uso radical de cor e novos motivos inquietantes como nus explicitamente eróticos ou retratos de crianças - Egon Schiele é uma revisão, singular fascinante da obra de um artista que revolucionou a história da arte.

Covering every stage of his career — the early pieces produced while studying at the Academy of Fine Arts, Vienna, works heavily influenced by Gustav Klimt and Viennese Modernism, and the output of his final years in which he made a break with naturalism, characterized by a radical use of color and new, unsettling motifs such as explicitly erotic nudes or portraits of children — Egon Schiele is a singular, fascinating review of the oeuvre of an artist who revolutionized art history. 

Egon Schiele (1890-1918), Self-Portrait Pulling down an Eyelid, 1910, Chalk, watercolor, opaque color on brown packing paper, 44.3 x 30.5 cm, Albertina, Vienna, inv. no. 30395.

Em sua vida tragicamente curta e apenas dez anos de atividade artística independente (1908-1918), Egon Schiele produziu um legado artístico surpreendentemente rico que compreende mais de 2.500 obras em papel e mais de 330 pinturas em painel ou tela, para não falar de seus cadernos. Ao contrário de Gustav Klimt (1862-1918), cujos desenhos serviram como rascunhos ou desenhos para suas pinturas, Egon Schiele tratava seus trabalhos em papel como obras independentes de arte. Na verdade, suas obras sobre papel mostram uma maior liberdade e expressividade de sua produção pictórica.

In his tragically short life and barely ten years of independent artistic activity (1908-1918), Egon Schiele produced a surprisingly rich artistic legacy comprising over 2,500 works on paper and more than 330 paintings on panel or canvas, not to mention his sketchbooks. Unlike Gustav Klimt (1862–1918), whose drawings served as rough drafts or sketches for his paintings, Egon Schiele treated his works on paper as independent works of art. Indeed, his works on paper show greater freedom and expressiveness than his pictorial output.

Egon Schiele (1890-1918), Self-portrait with headband, 1909, Pencil, coloured chalk on drawing paper, 40 x 29.8 cm, Albertina, Wien Inv. 30771

Egon Schiele desenvolveu uma técnica característica altamente pessoal, graças ao uso decorativo de superfícies planas e as linhas de fluxo ornamentais do estilo Secessão vienense. A linguagem corporal expressionista, gestos e mímica vistos em seu trabalho foram inspirados por fotografias médicas de mulheres que sofriam de histeria documentadas, pacientes da clínica parisiense do Dr. Jean-Martin Charcot na Salpêtrière, e pela fotografia erótica produzida no estúdio Otto Schmidt.

Egon Schiele developed a highly personal, characteristic technique thanks to his decorative use of flat surfaces and the flowing ornamental lines of the Viennese Secession style. The expressionistic body language, gestures and mimicry seen in his work was inspired by medical photographs which documented women suffering from hysteria, patients of Dr. Jean-Martin Charcot’s Parisian clinic at the Salpêtrière, and by the erotic photography produced in Otto Schmidt’s studio. 

Egon Schiele (1890-1918), Self-Portrait in Yellow Vest, 1914, Opaque color, pencil on Japanese vellum, 48.2 x 32 cm, Albertina, Vienna, inv. no. 31157.

Em suas criações, Schiele retornou os temas dos nus femininos e outros, como o corpo doente ou a desintegração da personalidade patológica para uma nova e diferente ribalta do palco da arte. O trabalho de Schiele também foi influenciado pela teosofia e Espiritismo, assim como fotografias de fantasmas, que ele via como evidência de nossa própria mortalidade. Por exemplo, muitas de suas figuras são rodeadas por halos brancos ou auras, da "luz que vem de todos os corpos".

In his creations, Schiele returned the female nude and other themes such as the ailing body or the pathological disintegration of personality to a new and different limelight on the stage of art. Schiele’s work was also influenced by theosophy and Spiritism as well as ghost photographs, which he viewed as evidence of our own mortality. For example, many of his figures are surrounded by white halos or auras, the “light that comes out of all bodies”.

Egon Schiele (1890-1918), Redemption (Erlösung), 1913, Opaque color, pencil on Japanese vellum, 48 x 32 cm, Albertina, Viena Inv. 29764.

Os primórdios e o a tomada de causa de Viena, apesar dos problemas financeiros mais agudos de sua família e sua degradação, Egon Schiele foi admitido na famosa Academia de Artes de Viena, a escola de arte de maior prestígio do reino, quando ele tinha apenas 16 anos de idade.

The early days and the embrace of Viennese Despite his family’s increasingly acute financial troubles and his poor grades, Egon Schiele was admitted to the famous Fine Arts Academy of Vienna, the most prestigious art school in the kingdom, when he was only sixteen years old.

Egon Schiele (1890-1918), Two Crouching Girls, 1911, Pencil, watercolor, opaque white on primed Japanese vellum, 41.3 x 32 cm, Albertina, Vienna, inv. no. 27945.

No final do século 19 em Viena era uma cidade elegante e aristocrática, uma potência econômica repleta de vitalidade, e nos anos que antecederam a Primeira Guerra Mundial experimentou um boom cultural sem precedentes. Sigmund Freud, Gustav Mahler, Ludwig Wittgenstein e Gustav Klimt foram apenas algumas das muitas figuras de renome mundial que andavam pelas ruas de Viena naqueles dias.

In the late 19th century Vienna was an elegant and aristocratic city, an economic powerhouse bursting with vitality, and in the years leading up to World War I it experienced an unprecedented cultural boom. Sigmund Freud, Gustav Mahler, Ludwig Wittgenstein and Gustav Klimt were just some of the many world-renowned figures who walked the streets of Vienna in those days.

Egon Schiele (1890-1918), The door to the open (Die Tür in das Offene), 21-4-1912, Watercolour, pencil on primed Strathmore Japanese vellum, 48.3 x 32 cm, Albertina, Wien Inv. 31160.

Cheio de curiosidade e fascínio, o jovem Egon Schiele assistiu a esta efervescência cultural com intenso interesse. Ele recebeu uma sólida formação na academia, onde ele aprendeu com  precisão desenhar a figura humana e outras habilidades. No entanto, ele ficou cada vez mais desencantado com a filosofia conservadora da escola e do estilo historicista desatualizado da "era da Ringstraβe".

Full of curiosity and fascination, the young Egon Schiele watched this cultural effervescence with intense interest. He received a solid education at the academy, where he learned how to accurately draw the human figure and other skills. However, he grew increasingly disenchanted with the school’s conservative philosophy and the outdated historicist style of the “Ringstraβe era.”

Egon Schiele (Tulln, Austria, 1890-Vienna, Austria, 1918), Portrait of the artist’s sister-in-law Adele Harms, 1917, Black chalk, brush, opaque colour on Japanese vellum, 43.8 x 28.5 cm, Albertina, Wien Inv. 25659.

Embora a maioria das primeiras obras de Schiele o jovem fossem paisagens, ele logo mostrou interesse pelo auto-retrato, um gênero raro na época. Mesmo nessa tenra idade, algumas das peças desses primeiros anos incluídas na exposição, como Auto-retrato (1906) e Auto-Retrato com banda de cabeça (1909), revelam que o artista já estava começando a se afastar dos ensinamentos do academicismo e abraçar os conceitos modernos inspirados pela secessão, a resposta de Viena para o modernismo internacional liderada por Gustav Klimt, como o uso de linhas fluidas ornamentais.

Although most of the young Schiele’s early works were landscapes, he soon showed an interest in self-portraiture, an unusual genre at the time. Even at this tender age, some of the pieces from these early years included in the exhibition, such as Self-portrait (1906) and Self-Portrait with Headband (1909), reveal that the artist was already starting to move away from the teachings of academicism and embracing the modern concepts inspired by the Secession, Vienna’s answer to international modernism spearheaded by Gustav Klimt, such as the use of flowing ornamental lines. 

Egon Schiele (1890-1918), Gerti in front of Ochre-Colored Drapery, 1910, Pencil, opaque color on Japanese vellum, 55.1 x 34.7 cm, Albertina, Vienna, inv. no. 27943.

A influência de Klimt é patente nos quatro desenhos delicados feitos para postais que nunca foram impressos e estão apresentados como um grupo. Em um deles, dois homens com Halos (1909 aC), Schiele se apresenta vestido de preto.

Klimt’s influence is patent in four delicate sketches for postcards that were never printed and are displayed as a group. In one of them, Two Men with Halos (ca. 1909), Schiele portrays himself dressed in black.

Egon Schiele (1890-1918), Standing female nude with black hair, 1910, pencil, watercolour and white heightening on paper, Albertina, Vienna.

Um exemplo eloqüente de sua rejeição pelo academicismo é encontrada em uma de seus primeiros e mais belos nus deste breve período: nu feminino Encostado (1908), em que uma figura feminina descansando em uma pose semi-prostrada dá todo o trabalho de uma cadência irresistivelmente fluida .

An eloquent example of his rejection of academicism is found in one of his first and loveliest nudes from this early period: Reclining Female Nude (1908), in which a female figure resting in a semi-prostrate pose gives the entire work an irresistibly fluid cadence.

Egon Schiele (1890-1918), Old Houses in Krumau, 1914, Opaque color, pencil on Japanese vellum, 32.5 x 48.5 cm, Albertina, Vienna, inv. no. 31157.

Uma série de retratos produzidos em 1909-1910, incluindo Retrato do pintor Anton Faistauer (1909) e da aquarela magnífica O violoncelista (1910), mostram que o artista já havia desenvolvido um estilo único e inconfundível. Apesar de certos elementos característicos do Art Nouveau ainda estarem presentes, estas obras oferecem um vislumbre do que mais tarde se tornaria a sua assinatura linguagem corporal expressionista;, por um lado, Egon Schiele definiu a figura, e, pelo outro, ele fez com que o objeto omitido adotando perspectivas incomuns, conseguisse um equilíbrio perfeito entre a imitação realista e a pura abstração.

A series of portraits produced in 1909-10, including Portrait of the Painter Anton Faistauer (1909) and the magnificent watercolor The Cellist (1910), show that the artist had already developed a unique, unmistakable style. Although certain characteristic Art Nouveau elements are still present, these works provide a glimpse of what would later become his signature expressionistic body language; on the one hand, Egon Schiele defined the figure, and on the other he caused the object to omit it by adopting unusual perspectives, striking a perfect balance between realist imitation and the purest abstraction.

R/Evolução No Papel, Desenhos de Cinco Séculos da Coleção Klüser

Andy Warhol, Lenin, 1987, collage, © Klüser Collection.

Pinakothek der Moderne Münich

Sammlung Moderne Kunst

Rooms 15-19 

Alte Pinakothek Klenze-Portal entrance

18 de outubro de 2012, 18 janeiro, 2013

Giovanni Domenico Tiepolo, Centaur, black chalk, pen, with wash, © Klüser Collection.

R / Evolução, organizada pela Bayerische Staatsgemäldesammlungen, inclui obras marcantes no papel da coleção privada de Bernd e Klüser Verena de Munique.

Théodore Géricault, Boy seen from the Backside, pencil, watercolour, © Klüser Collection.

R/Evolution, hosted by Bayerische Staatsgemäldesammlungen, includes outstanding works on paper from the private collection of Bernd and Verena Klüser of Munich. 

Giovanni Francesco Barbieri, called Guercino, Madonna with Child, around 1625-1635, pen, with wash, © Klüser Collection.

Com mais de 200 obras em papel, a Alte Pinakothek exibe um panorama de desenho do século 16 ao século 21. A partir do desenvolvimento do meio em uma forma de arte independente durante o Renascimento para reinterpretações surpreendentes na arte contemporânea recente, a exposição é um exemplo impressionante de como desenhar pode nos oferecer um muito imediato vislumbre íntimo, da essência e do processo de de um artista criativo trabalhar.

Blinky Palermo, Untitled (Scissors 1), 1965, pencil, watercolour on hand made paper, © Klüser Collection.

With over 200 works on paper, the Alte Pinakothek displays a panorama of draughtsmanship from the 16th to the 21st century. From the development of the medium into an independent art form during the Renaissance to its surprising reinterpretations in recent contemporary art, the exhibition is an impressive example of how drawing can offer us a very immediate, intimate glimpse of the essence and process of an artist’s creative work. 

Olaf Metzel, Four Headscarves, 2006, pencil, pastel on Fabriano cardboard, © Klüser Collection.

Desenho também é a forma ideal para uma comparação histórica dos processos de desenvolvimento da arte, e é particularmente atraente devido ao fato de que os pré-requisitos técnicos - papel, caneta ou pena - permanecem sempre os mesmas.

Henri Matisse, Nude from behind, 1913, lithographic chalk, © Klüser Collection.

Drawing is also the ideal medium for a historical comparison of the development processes of art, and is particularly appealing due to the fact that the technical prerequisites — paper, pen or quill — always remain the same.

Sean Scully, Untitled, 4.28.97, 1997, watercolour on hand made paper, © Klüser Collection.

A apresentação no Pinakothek der Moderne concentra-se em 150 obras sobre papel de Joseph Beuys, que é, mais do que qualquer outro artista, o foco principal da coleção Klüser. Estas obras de arte excelentes do período compreendido entre os anos 1950 e 1970, demonstra suas habilidades excepcionais como desenhista e revela como ele dominou uma grande variedade de materiais.

Victor Hugo, Seascape und Insular City at Dawn, chalk, pen, with wash, © Klüser Collection

The presentation in the Pinakothek der Moderne concentrates on 150 works on paper by Joseph Beuys who is, more than any other artist, the major focus of the Klüser Collection. These excellent artworks from the period between the 1950s and 1970s demonstrate his exceptional skills as a draughtsman and reveal how he mastered a wide variety of materials.

Carl Rottmann, View on the Bay of Genoa, around 1826, pencil, watercolour, © Klüser Collection.

Pinakothek der Moderne Münich

Sammlung Moderne Kunst

Rooms 15-19

Alte Pinakothek

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