Vincent van Gogh: Uma breve compreensão da pinturas dos girassóis.

Há obras de arte circulando através de galerias de todo o mundo que se tornaram quase sinônimos do nome dos artistas e das suas técnicas.  As várias pinturas de girassóis de Vincent van Gogh são um exemplo perfeito disso. Não só se pode fazer uma conexão mental entre o nome dos artistas e da sua pintura, mas também entre o artista e sua influência sobre o desenvolvimento da arte através destas pinturas. As pinturas dos girassóis de Vincent van Gogh foram replicadas muitas vezes por vários artistas (embora nunca tivessem atingindo a vivacidade e intensidade de Van Gogh) e exibidas em todos os lugares, desde lares até exposições de arte.

Ao olhar para estas pinturas começamos perceber aspectos que parecem fluir de uma peça para outra. As cores são vibrantes e expressam emoções tipicamente associadas com a vida dos girassóis: amarelos brilhantes da plena floração ao vaso árido com quinze girassóis marrons murchos e mortos; todas as etapas tecidas por esses pólos opostos são apresentadas. Talvez essa técnica é o que nos atrai para a pintura; a realização de ver sob todos os ângulos o espectro da vida e por sua vez alcançar uma compreensão mais profunda de como todos os seres vivos estão unidos.

Há muitas versões dentro desta série de pinturas (cada uma é claramente identificável como uma obra de Van Gogh), na qual há apenas pequenas diferenças que as separam. O layout geral da pintura juntamente com o posicionamento dos girassóis geralmente permanece o mesmo nas pinturas semelhantes. Abaixo, você pode ver as áreas destacadas das diferença entre duas pinturas similares dos girassóis.

Acima você pode ver duas pinturas da série dos girassóis com o mesmo título, no entanto, estas duas versões tem algumas poucas diferenças.

1. Há diferenças na estrutura pétala em algumas das flores. Localizadas no círculo de número um você pode ver como a segunda versão tem mais pétalas "massa" e não segue o movimento de varredura "V", como é visto na primeira versão.

2. O  "olho" central da flor contém cores diferentes. Na primeira versão, o centro está preenchido com um amarelo-esverdeado, enquanto que na segunda o centro está preenchido com preto. 

3. Este é também é o caso no círculo de número três. A estrutura arborizada é amarela na primeira versão e fica marrom claro na segunda. 

4. A folha localizada no círculo de número quatro é quase idêntica em ambas as peças, no entanto, no primeira está sobreposta pelo grande flor caída e é de cor verde. Na segunda versão há um intervalo pequeno, mas um claro intervalo entre a flor caída e a folha, e a folha é  preta.

Apesar das pinturas dos girassóis de Van Gogh serem muito semelhantes em muitos aspectos, cada uma se destaca como uma obra única. Van Gogh começou a pintar girassóis depois que ele deixou a Holanda pela a França em busca da criação de uma comunidade artística. As primeiras foram criadas para decorar o quarto do seu amigo Paul Gauguin. A maioria dos girassóis de Van Gogh em vasos foram criados em Arles, França, entre 1888-1889. Van Gogh criou algumas pinturas de girassóis antes desta época, porém, em Paris, por volta de 1887. Estas séries consistem em versos recortes de   girassóis em vasos. Você pode ver um exemplo desta série à direita.

De acordo com a BBC.co.uk: 

"Estas séries de pinturas foram possíveis devido às inovações em pigmentos fabricados no século 19. Sem a vibração das novas cores, como o amarelo de cromo, Van Gogh nunca poderia ter alcançado a intensidade dos Girassóis."

Independentemente disso, as pinturas dos girassóis de Van Gogh alteraram perspectiva da da arte e da vida. Estas pinturas cativam a mente e deixam-nos atônitos por sua beleza simplista. Os vapores que fluem das murchas e a explosão encantadora do amarelo chamam a atenção em torno da pintura, sem perturbar o equilíbrio da peça. Estas pinturas são muitas vezes replicadas, mas nunca alcançam o poder puro de Van Gogh.

Paul Gauguin, The Painter of Sunflowers: Portrait of Vincent van Gogh, 1888, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Sinta-se livre para clicar em qualquer uma das pinturas do girassóis nesta página para ver uma imagem ampliada. Abaixo, você pode saber mais informações sobre girassóis. Ou baixar wallpapers, ícones e outras coisas para você usar. 

Informações sobre os Girassóis: 

Girassóis reais http://www.vangoghgallery.com/painting/realsunflower.html

Girassóis de outros artistas:  http://www.vangoghgallery.com/painting/sunflowerartists.html

Wallpapers Grátis : http://www.vangoghgallery.com/painting/sunflowerwallpaper.html

Ícones Grátis: http://www.vangoghgallery.com/painting/sunflowericons.html

Link do Van Gogh Museum:  http://www.vangoghmuseum.nl/bisrd/top-1-1.html

A Ronda Noturna de Rembrandt: descubra como o quadro foi financiado.

Rembrandt, A versão da Ronda Noturna após a restauração, 1642, óleo sobre tela, 363 cm × 437 centímetros, Rijksmuseum, Amsterdam 

A Ronda Noturna de Rembrandt representa o capitão Banning Cocq comandando os homens de sua milícia.

Durante a primeira metade do século XVII, Rembrandt é um retratista muito de moda em Amsterdã. Então, naturalmente, é à ele que se dirigem para encomendar um retrato da Guarda Civil liderada por Banning Cocq.

Detalhe:  retrato do Capitão Banning Cocq

Mas conhecendo os altos preços cobrados por Rembrandt, capitão Cocq  propõe uma sugestão à seus homens. Aqueles que desejam aparecer no quadro tem de pagar a sua parte! Apenas 16 guardas aceitam pagar 100 florins cada, uma soma considerável para a época.

detalhe

Aqueles que concordaram em pagar a soma tem a oportunidade de reconhecer seus traços nos personagens. Como um bônus, todos os seus nomes aparecem no brasão no topo da cena. 

Rembrandt, em seguida, acrescenta outros personagens anônimos para criar uma tropa digna desse nome. 

Através da colocação da luz e da composição, Rembrandt dá uma impressão de movimento ao grupo . 

detalhe

Mas a história não para por aí. Tendo pago uma soma substancial, os soldados esperam se reconhecidos no quadro. No entanto, alguns ficam descontentes com o resultado, como este homem cuja metade de seu rosto fica escondida pelo braço de seu companheiro.

Rembrandt, detalhe de um auto-retrato, 1659, óleo sobre tela, 84,5 centímetros x 66 cm, National Gallery of Art, Washington 

Os guardas vão mesmo fazer uma queixa contra o pintor, danificando a sua reputação. 

Este trabalho marca o início do declínio do mestre, quando sua situação pessoal fica muito delicada ... 

Detalhe: Retrato de Willem van Ruytenburch

Para saber mais sobre Rembrandt:

Sobre a relevância do trabalho no Rijksmuseum 

http://www.courrierinternational.com/article/2013/04/12/rijksmuseum-la-ronde-de-nuit-prend-de-la-hauteur

O trailer de um filme sobre isso (muito) criação ficcional desta pintura 

http://www.youtube.com/watch?v=nhpZJINplNY

fonte: artips.fr

René Lalique (1860 - 1945) - Mestre Francês do Art Nouveau e Art Deco

Os objetos exclusivos produzidos pelo designer de jóias e famoso artista de vidro René Lalique são símbolos emblemáticos de luxo dos períodos Art Nouveau e Art Deco até11/10/2013 no Gemeentemuseum em Haia

The exclusive objects produced by the renowned French jewellery designer and glass artist René Lalique are iconic symbols of luxury from the Art Nouveau and Art Deco periods. 11/10/2013 no Gemeentemuseum Den Haag



A obra de Lalique ainda atrai interesse mundial e somas vertiginosas são pagas por peças em leilão. Neste Verão, o Gemeentemuseum Den Haag abriga uma exibição deslumbrante do trabalho deste célebre artista. René Lalique (1860 - 1945) - Mestre francês do Art Nouveau e Art Deco é a primeira grande exposição de seu trabalho na Holanda. Sua obra rica e variada irá formar a base para uma discussão detalhada sobre a clientela do artista holandês, fontes de encomendas na Holanda, e receptividade de sua obra no país.

Lalique’s work still attracts worldwide interest and vertiginous sums are paid for pieces at auction. This summer, the Gemeentemuseum Den Haag hosts a dazzling display of work by this celebrated artist. René Lalique (1860 – 1945) – Master of French Art Nouveau and Art Deco is the Netherlands’ first ever major exhibition of his work. His rich and varied oeuvre will form the basis for a detailed discussion of the artist’s Dutch clientele, sources of commissions in the Netherlands, and the reception of his work in this country.



No período em torno de 1900, o jovem artista René Lalique foi reconhecido internacionalmente como o designer principal de jóias art nouveau. Peças feitas por ele não foram apreciadas apenas pelas estrelas de ópera e atrizes, mas pelos poderosos. Seu apelo não reside na utilização de ouro e diamantes, mas, em seu estilo criativo e da utilização de novos materiais, como plique-à-jour esmalte e pedras semi-preciosas.

In the period around 1900, young artist René Lalique was internationally recognised as the foremost designer of art nouveau jewellery. Pieces by him were flaunted not just by opera stars and actresses, but by the great and the good. Their appeal lay not in the use of gold and diamonds, but in their creative styling and the use of new materials like plique-à-jour enamel and semi-precious stones.

Lalique favorece motivos típicos do Art Nouveau e Art Deco, muitas vezes retirados da natureza ou do corpo feminino. Além disso, ele tornou-se conhecido como um artista de vidro, um aspecto de seu trabalho, que também atraiu o interesse na Holanda. A parceria da Lalique com a elite da indústria de perfume francês trouxe mudanças rápidas em sua obra.

Lalique favours typical Art Nouveau and Art Deco motifs, often derived from nature or from the female physique. In addition, he became noted as a glass artist, an aspect of his work that also attracted interest in the Netherlands. Lalique’s partnership with the top end of the French perfume industry brought rapid changes in his oeuvre.



Ele desenvolveu uma abordagem a meio caminho entre arte e design industrial e a produção de itens melhor descritos como modernos e luxuosos artigos de desenho industrial: objetos de arte de alta qualidade feitos à máquina com um ar de luxo. , Bem como projetar garrafas para os fabricantes de perfumes, ele logo começou a vender produtos em massa - e, portanto, acessíveis - vidro decorativo sob sua própria marca.

He developed an approach mid-way between art and industrial design to produce items best described as luxury modern industrial design articles: high-quality machine-made art objects with an air of luxury. As well as designing bottles for perfume manufacturers, he soon started to sell mass-produced – and therefore affordable – decorative glass under his own label.

Os consumidores holandeses começaram a se familiarizar com Lalique nos "loucos anos vinte".O vidro Lalique  veio a ser distribuído não apenas por lojas famosas da cidade como Metz & Co. e Focker en Meltzer, mas também através de pequenas exposições ao longo dos Países Baixos. Seu trabalho era popular em lugares tão distantes como as Índias Orientais Holandesas, empresas holandesas encomendaram peças e até mesmo a família real sucumbiu à sua elegância e charme francês: Lalique foi convidado para projetar luminárias para palácio Soestdijk .

Dutch consumers first became familiar with Lalique in the ‘roaring twenties’. Lalique glass came to be retailed not just by renowned city stores like Metz & Co. and Focker en Meltzer, but also via small exhibitions throughout the Netherlands. His work was popular as far away as the Dutch East Indies, Dutch companies commissioned pieces and even the royal family succumbed to its French elegance and charm: Lalique was asked to design lighting fixtures for Soestdijk palace.

Maravilhoso edifício de 1930 a Gemeentemuseum Den Haag é um lugar único e perfeito para uma exposição dedicada a este mestre do Art Nouveau francês e do período Art Deco. As centenas de objetos em exposição vão transmitir uma clara impressão de elegância francesa inter-guerra na Holanda - desde um pente de chifre cravejado com pérolas como um colar de esmalte plique-à-jour a abotoaduras de ouro para frascos de perfume molde-fundido e vidro decorativo e vasos deslumbrantes que criaram uma aura de prestígio à classe alta em torno de membros da sociedade holandesa-na virada do século.

The Gemeentemuseum Den Haag’s wonderful 1930s building is a uniquely perfect setting for an exhibition devoted to this master of the French Art Nouveau and Art Deco period. The hundred objects on display will convey a clear impression of inter-war French chic in the Netherlands – from a pearl-studded horn comb to a plique-à-jour enamel necklace, from gold cufflinks to mould-blown perfume bottles and dazzlingly decorative glass vases that created an aura of high-class prestige around members of turn-of-the-century Dutch society.

Brinquedos de Corda em Lata

Penguins, from left, J. Chein & Co., Unites States, c 1940, Joustra, France, c. 1940, Great Britain, c. 1950, Joustra, France, c 1950.


Kunsthal Rotterdam
15 de dezembro de 2012, 03 de março de 2013




Quem se lembra deles? Os tradicionais brinquedos de corda de lata que iam clique-clique-clique sobre pisos ou mesas por si só uma vez que era necessário dar corda com uma chave. Em colaboração com o Natuurhistorisch Museum Rotterdam, o Kunsthal Rotterdam apresenta- Brinquedos de Corda em Lata, uma exposição que lança um olhar bem-humorado ao reino animal mecânico.



Who remembers them? Those traditional wind-up tin toys that went click-click-clicking over floors or tables by themselves once you had wound them up with a key. In collaboration with the neighbouring Natuurhistorisch Museum Rotterdam, the Kunsthal Rotterdam presents Wound-Up Little Animals, an exhibition that takes a light-hearted look at the mechanical animal kingdom.



Mais de 200 criaturas mecânicas que variam de pingüins para crocodilos e dos besouros para libélulas pode ser admirada em dois locais; criaturas terrestres e aéreos no Museu Natuurhistorisch, e criaturas de água no Kunsthal. Nunca antes tantos Wind-Up criaturas foram reunidas.



Over 200 mechanical creatures ranging from penguins to crocodiles and from beetles to dragonflies can be admired at two locations; land and air creatures at the Natuurhistorisch Museum, and water creatures at the Kunsthal. Never before have so many wind-up creatures been brought together.



A lata de Animais indústria de brinquedos a inspiração para os primeiros brinquedos mecânicos no final do século 19, afinal, aviões e carros ainda não tinha sido inventado e não eram, portanto, parte da cena de rua todos os dias.



The tin toy industry Animals provided the inspiration for the first mechanical toys in the late 19th century; after all, planes and cars had not yet been invented and were therefore not part of the everyday street scene.


Duck, Unknown.

Era a época da revolução industrial ea produção em massa emergente, e fabricantes de brinquedos conseguiu produzir pequenas, brinquedos de alta qualidade técnica e vendê-los em uma escala internacional. As crianças e os adultos foram cativados pelas espécies exóticas e multi-coloridas de criaturas que eram as primeiras Wind-Up animais de brinquedo de lata.


Georg Köhler (Nürnberg), Jumping Monkfish, 1955-1965.

It was the time of industrial revolution and emerging mass production, and toy manufacturers managed to produce small, high-quality technical toys and sell them on an international scale. Both children and adults were captivated by the exotic and multi-coloured species of creature that were the first wind-up tin toy animals.


Angel Fish, Shanghai, China, c. 1950.

A indústria de brinquedos de lata desenvolveu mais rapidamente na Alemanha, graças aos fabricantes, tais como Issmayer, Paul Ernst Lehmann e Schuco. Aproximadamente entre 1950 e 1960, a Alemanha cresceu para se tornar a fortaleza dessa indústria. Anos de sucesso seguido, mas, eventualmente, os brinquedos de corda teve de abrir caminho para seus sucessores de plástico e os pequenos milagres técnicos se tornou itens de colecionador genuíno.



J. Chein & Co., United States, c. 1960.

The tin toy industry developed most rapidly in Germany thanks to manufacturers such as Issmayer, Ernst Paul Lehmann and Schuco. Between approximately 1950 and 1960, Germany grew to become the stronghold of this industry. Years of success followed, but eventually the wind-up toys had to make way for their plastic successors and the little technical miracles became genuine collector's items.



O world'We água mecânica são muito orgulhosos deste excepcional colaboração entre o Museu eo Natuurhistorisch Kunsthal ", disse a curadora Kunsthal Charlotte van Lingen.




The mechanical water world‘We are very proud of this exceptional collaboration between the Natuurhistorisch Museum and the Kunsthal', said Kunsthal curator Charlotte van Lingen.

Moeliker curador do Museu Kees Natuurhistorisch também está entusiasmado: "Nós incluímos as criaturas Wind-up em nossa exposição nova biodiversidade, colocando-os entre os seus contemporâneos de pelúcia e colocou para ilustrar o quão realistas que são." No Kunsthal, as criaturas da água de lata são exibidos entre 10 encenado fotografias, e as crianças podem fazer as suas próprias criaturas da água em um canto artesanato especialmente equipado.



Curator Kees Moeliker of the Natuurhistorisch Museum is also enthusiastic: ‘We have included the wind-up creatures in our new biodiversity exhibition, placing them between their stuffed and pinned contemporaries to illustrate just how lifelike they are.' At the Kunsthal, the tin water creatures are exhibited in between ten staged photographs, and children can make their own water creatures in a specially equipped craft corner.




Os visitantes da exposição podem imaginar-se estar em um aquário enorme. As criaturas marinhas pendurar em frente da janela do auditório, de onde as criaturas de terra e ar, feito no Museu Natuurhistorisch, pode ser vista do outro lado. Visitantes encontram-se em um grande mundo de Wind-Up animais.



Visitors to the exhibition can imagine themselves to be in a huge aquarium. The water creatures hang in front of the auditorium window from where the land and air creatures, made at the Natuurhistorisch Museum, can be seen on the other side. Visitors find themselves in one great world of wind-up animals.



A coleção foi montada e fotografada por Sebastian Köpcke e Weinhold Volker, Berlim.



The collection has been assembled and photographed by Sebastian Köpcke and Volker Weinhold, Berlin.

O caminho para a Van Eyck

Master of Hakendover (active c. 1400, Flanders, Brabant), Penitent St. Peter, c. 1425, Oak, 34.6 x 33.5 x 12 cm., Rijksmuseum, Amsterdam.

Museu Boijmans van Beuningen

Rotterdam

13 de outubro de 2012, 10 fev 2013

Hubert van Eyck, ?-1426, The Three Marys at the Tomb, c. 1425, Oil on panel, 72 x 89 cm.

Um tríptico desconhecido que remonta a cerca de seis séculos está incluído em "O caminho para a Van Eyck", composta de mais de 90 obras-primas de origem holandesas, francesas e alemãs de cerca de 1400, e pode ser visto no Museu Boijmans Van Beuningen.

Jan van Eyck (Maaseik?-Bruges 1441), Triptych with the Embalming of the Body of Christ, c. 1410-1420, Middle panel: 31 x 31.9 x 1.9 cm; side panels: 31 x 12.8 cm, Private collection.

An unknown triptych that dates back some six centuries is included in The Road to Van Eyck, comprised of more than 90 masterpieces of Netherlandish, French, and German origin from circa 1400, and can be seen at Museum Boijmans Van Beuningen. 

Jan van Eyck (Maaseik?-Bruges 1441), Triptych with the Embalming of the Body of Christ, c. 1410-1420, Middle panel: 31 x 31.9 x 1.9 cm, Private collection.

O painel tripartite, que retrata o embalsamento do corpo de Cristo, ladeado por retratos de Santo António e de São João Batista, está sendo emprestado a Roterdão de uma coleção privada italiana para a exposição. "É muito raro que uma pintura totalmente desconhecida a partir deste período deva surgir", diz o curador Friso Lammertse. "É, além disso, de uma qualidade excepcional. O painel do lado direito com João Batista fileiras entre as pinturas mais bonitas holandesa de cerca de 1400 ainda existe."

Jan van Eyck (ca. 1390-ca. 1441), Portrait of Baudouin de Lannoy, ca. 1435, Oil on oak, 26 x 20 cm., Staatliche Museen, Berlin).

The tripartite panel, which depicts the embalming of the body of Christ, flanked by portrayals of St Anthony and of John the Baptist, is being loaned to Rotterdam from an Italian private collection for the exhibition. "It is highly unusual that a totally unknown painting from this period should crop up," says curator Friso Lammertse. "It is, moreover, of an exceptionally high quality. The right-hand panel with John the Baptist ranks among the most beautiful Netherlandish paintings from circa 1400 that is still extant."

Jan van Eyck (ca. 1390-ca. 1441), Mass for the Dead, ca. 1424, Tres Belles Heures de Notre-Dame de Jean de Berry (Milan-Turin Hours), folio 116r, Parchment, 28.4 x 20.3 cm., Palazzo Madama, Turin.

O caminho para a Van Eyck lança luz sobre como e por quem Jan van Eyck (Maaseik?, C. 1.390-Bruges 1441), foi inspirado a desenvolver o seu estilo revolucionário, realista. Pinturas de valor inestimável e frágil, esculturas, ourivesaria, miniaturas e desenhos dos artistas mais importantes da Europa, com mestres como Jean Malouel eo Mestre de Santa Verônica ao lado de obras de Jan van Eyck si mesmo, estão reunidos em Roterdão a partir de coleções de todo o EUA e Europa.

Jan van Eyck (Maaseik?-Bruges 1441), The Annunciation, c. 1435, Oil on panel, 93 x 73 cm., National Gallery of Art, Washington, D.C.

Exhibition The Road to Van Eyck sheds light on how and by whom Jan van Eyck (Maaseik?, c. 1390-Bruges 1441), was inspired to develop his revolutionary, realistic style. Priceless and fragile paintings, sculptures, precious metalwork, miniatures and drawings by the most important European artists, with masters such as Jean Malouel and the Master of Saint Veronica alongside works by Jan van Eyck himself, are being brought together in Rotterdam from collections across the USA and Europe.

France (attributed to Jan Maelwael), Madonna with Child and Angels (Madonna of the Butterllies), c. 1410, oil on linen, 106 x 81 cm., Gamäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin.

Este é a primeira e, em vista da fragilidade destas obras, provavelmente a última vez que uma exposição sobre o assunto seja realizada. A apresentação inclui cinco pinturas de Van Eyck, bem como várias miniaturas e desenhos que são atribuídas a ele. Uma das obras vem do Museu Boijmans Van Beuningen, que é a única instituição na Holanda para se vangloriar de um Van Eyck em sua coleção. Outra obra de nossa própria coleção é o famoso Norfolk Triptych, uma obra fundamental do período pré-Eyckian.

Claus de Werve, Two Pleurents from the tomb of Philip the Bold, Duke of Burgundy, c. 1406-1410, alabaster, 41 x 12.7 x 15 cm. and 41.7 x 16.6 x 11.7 cm., Cleveland Museum of Art, Cleveland.

This is the first and, in view of the fragility of these works, probably the last time that an exhibition on this subject will be staged. The presentation includes five paintings by Van Eyck, as well as several miniatures and drawings that are attributed to him. One of the works comes from Museum Boijmans Van Beuningen, which is the only institution in the Netherlands to boast a Van Eyck in its collection. Another work from our own collection is the famous Norfolk Triptych, a pivotal work from the pre-Eyckian period.

Claus de Werve, Two Pleurents from the tomb of Philip the Bold, Duke of Burgundy, c. 1406-1410, alabaster, 41 x 12.7 x 15 cm. and 41.7 x 16.6 x 11.7 cm., Cleveland Museum of Art, Cleveland.

Jan van Eyck (ca. 1390-ca. 1441), Birth of John the Baptist, ca. 1424, Tres Belles Heures de Notre-Dame de Jean de Berry (Milan-Turin Hours), folio 93f, Parchment, 28.4 x 20.3 cm., Palazzo Madama, Turin..

Anonymous, Norfolk Triptych, 1415-1420.

Museum Boijmans van Beuningen, Restoration of Hubert van Eyck, The Three Marys at the Tomb, c. 1425.