Robert Delaunay, Torre Eiffel, óleo sobre tela, 202 x 138,5 centímetros de 1909 Solomon R. Guggenheim Museum, em Nova York, Estados Unidos.

"Robert nunca teria quebrado a Torre Eiffel! ". Esta é uma das últimas frases que Douanier Rousseau teria pronunciado antes de morrer em 1910. Este "Robert" é o Robert Delaunay, pintor francês do início do século XX.

Mas o que le Douanier queria dizer com isso?

Robert Delaunay realizou uma longa série de Torres Eiffel entre 1909 e 1911. Por mais estranho que possa parecer, essa obsessão com a Torre Eiffel tem como origem uma história simples de um acidente!

Robert Delaunay, a cidade de Paris, a Torre Eiffel para estudar, lápis e tinta, 1911, coleção particular.

Tudo começa quando o seu bom amigo Blaise Cendrars quebra a tíbia saindo de seu carro. Ele foi levado para o Hotel du Palais, em Paris, onde permaneceu por 28 dias. De sua cama, pode se ver a Torre Eiffel através da janela.

Delaunay, que o visita todos os dias, fica maravilhado com a visão da torre, a dinâmica da modernidade e energia urbana que ela encarna. Ele aproveita a oportunidade para fazer dezenas de esboços!

Como representar com os seus 324 metros de altura?

Robert Delaunay, Torre Eiffel, 1924-1926, óleo sobre tela, 160,6 x 120,0 centímetros, Museu Hirschhorn, Washington DC

Robert Delaunay encontra a sua solução: a desintegração da forma. Abordagem que se acentua com as Torres Eiffel que ele faz. Delaunay faz a luz refulgir em todos os lugares, divide a imagem em fragmentos separados e organiza esses elementos de diferentes perspectivas e às vezes até contraditórios!

Adota 10 diferentes pontos de vista e 15 perspectivas. O pintor, um dos pioneiros da abstração, fala de seu "período deconstrutivo."

Se Robert deconstroi a Torre Eiffel, isso é porque ele quebra todas as linhas para representa-la de forma dinâmica.

O suficiente para fazer a cabeça de Rousseau girar!

Robert Delaunay, Auto-retrato, óleo sobre tela, 73 x 60 cm, concluída em 1906, Musée National d'Art Moderne, Paris.

Para mais informações:


sobre Robert Delaunay - http://www.mam.paris.fr/fr/collection/robert-delaunay

sobre a Torre Eiffel: http://www.panoramadelart.com/la-tour-eiffel


fonte:  Artips

"Licores e tradições" Onde descobrimos uma tapeçaria original.

El Anatsui, a pele da Terra, instalação Akron Art Museum.

Magnífica tapeçaria cintilante e colorida que é esta Sasa! O artista de Gana El Anatsui realiza aqui uma homenagem à tradição Africana.

No entanto, um olhar mais atento para a tapeçaria berrante, uma outra realidade se oferece ao olho do visitante ...

Detalhe de uma tapeçaria.

O trabalho é, de fato, feito inteiramente de materiais reciclados! 

Tampas de garrafa achatadas, sucata de alumínio e fios de cobre conpõe este trabalho, a meio passo entre a pintura escultura e tapeçaria.

El Anatsui, detalhe de uma obra, Brooklyn Museum

El Anatsui nasceu em Gana e foi criado na Nigéria. Depois de se formar, ele concorda em não usar tinta ou lona para o seu trabalho, mas apenas objetos que o cercam. Ele quer mostrar os efeitos da colonização e da industrialização no continente: "Há tantas coisas que os objetos podem revelar, apenas pelo lugar de onde eles vêm." 

Assim, as cápsulas usadas por Sasa são as de licores fortes  trocadas com os europeus por mercadorias do continente africano durante o periodo do comércio triangular. As sucatas metálicas são o reflexo de uma industrialização não escolhida.

El Anatsui, Kente Rhapsody, Madeiras Tropicais, Bonhams, África

O contraste também é marcante entre a ruralidade tradicional , representado por grandes faixas brilhantes que lembram campos e cidades africanas cada vez mais cheias, retratados pela massa de plugues e a tintura da tapeçaria. 

Os detritos aqui se juntam para reformar uma soberba Kente, este tecido tradicional de Gana.

El Anatsui, Pico do Projeto de 1999 Museu de Arte Contemporânea de Nsukka, Nigéria

Esta ambivalência se encontrará em toda a obra de El Anatsui, um importante representante contemporâneo do continente africano. 

Assim, o projeto Pico, este trabalho feito inteiramente de latas de leite em conserva, mostra o paradoxo da África que produz leite em abundância, mas que deve importar caixas para as conservar!

El Anatsui, CBC

Para mais informações:

sobre El Anatsui - http://www.lexpress.fr/actualites/1/culture/le-sculpteur-ghaneen-el-anatsui-artiste-et-africain_1162505.html

Um vídeo de apresentação Kente - https://www.youtube.com/watch?v=5I7XZL9KjFQ

fonte Artips

Lygia Clark: O abandono da Arte, 1948-1988

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Óculos. 1968. Industrial rubber, metal, glass. 11 7/16 x 7 1/16 x 2 15/16″ (29 x 18 x 7.5 cm). © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © 2014 Eduardo Clark.

Museum of Modern Art

New York

Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988

10 de maio de 2014, 24 de agosto de 2014

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Ping-pong (1966) in use. The objects are Ping-Pong balls and a plastic bag. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

O Museu de Arte Moderna de Nova Iorque faz uma grande retrospectiva de arte dedicada à arte de Lygia Clark (Brasil , 1920-1988) é a primeira exposição abrangente na América do Norte de seu trabalho . Lygia Clark: o abandono da arte, 1948-1988 compreende cerca de 300 obras , que vão desde o final dos anos 1940 até o início de 1980 , incluindo desenhos, pinturas , esculturas e obras participativas.

The Museum of Modern Art’s major retrospective devoted to the art of Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) is the first comprehensive exhibition in North America of her work. Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988 comprises nearly 300 works, ranging from the late 1940s to the early 1980s, including drawings, paintings, sculptures, and participatory works. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Relógio de sol (Sundial). 1960. Aluminum with gold patina. Dimensions variable, approximately 20 7/8 x 23 x 18 1/8” (52.8 x 58.4 x 45.8 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Rafael Romero. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Desenhada à partir de coleções públicas e privadas, incluindo o próprio MoMA, esta pesquisa está organizada em torno de três temas principais: abstração , Neo- concretismo , e o " abandono " da arte.

Drawn from public and private collections, including MoMA’s own, this survey is organized around three key themes: abstraction, Neo-Concretism, and the “abandonment” of art. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). The Inside Is the Outside. 1963. Stainless steel. 16 x 17 1/2 x 14 3/4″ (40.6 x 44.5 x 37.5 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros through the Latin American and Caribbean Fund in honor of Adriana Cisneros de Griffin. © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © Thomas Griesel

Cada um desses eixos ancora um conceito significativo ou uma constelação de obras que marcam um passo definitivo na carreira de Clark. Enquanto o legado de Clark no Brasil é profundo, esta exposição chama a atenção internacional para o seu trabalho .

Each of these axes anchors a significant concept or a constellation of works that mark a definitive step in Clark’s career. While Clark’s legacy in Brazil is profound, this exhibition draws international attention to her work.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Planes in Modulated Surface 4. 1957. Formica and industrial paint on wood. 39 1/4 x 39 1/4″ (99.7 x 99.7 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros through the Latin American and Caribbean Fund in honor of Kathy Fuld © Courtesy of World of Lygia Clark Cultural Association. Photo: © Thomas Griesel.

Ao reunir todas as partes da sua produção radical, a exposição pretende reinscrever -la em discursos atuais de abstração , participação e uma prática da arte terapêutica.

By bringing together all parts of her radical production, the exhibition seeks to reinscribe her into current discourses of abstraction, participation, and a therapeutic art practice.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) in her studio, Rio de Janeiro, c. 1950s. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Lygia Clark treinada no Rio de Janeiro e Paris a partir de finais dos anos 1940 a meados dos anos 1950 foi uma artista abstrato líder na vanguarda do movimento Neo- concretista no Brasil , promovendo a participação ativa dos espectadores através de suas obras.

Lygia Clark trained in Rio de Janeiro and Paris from the late 1940s to the mid-1950s and was a leading abstract artist at the forefront of the Neo-Concretist movement in Brazil, fostering the active participation of spectators through her works. 

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Estruturas vivas (Live structures), 1969, in use, probably in Paris in the early 1970s. The object is made out of knotted rubber bands. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

A partir do final dos anos 1960 até os anos 1970, ela criou uma série de obras de arte não convencionais em paralelo a uma terapia psicanalítica demorada, levando-a a desenvolver uma série de proposições terapêuticas fundamentadas no arte.

From the late 1960s through the 1970s she created a series of unconventional artworks in parallel to a lengthy psychoanalytic therapy, leading her to develop a series of therapeutic propositions grounded in art. 

Cover of Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948–1988, published by The Museum of Modern Art, 2014.

Clark se tornou uma grande referência para os artistas contemporâneos que lidam com os limites de formas convencionais de arte. 

Clark has become a major reference for contemporary artists dealing with the limits of conventional forms of art.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988) in her studio working on Arquitetura biológica II (Biologic architecture II). Cité internationale des arts, Paris, 1969. Photo credit: Alécio de Andrade. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Organizada por Luis Pérez-Oramas, The Estrellita Brodsky Curadora de Arte Latino-Americana, MoMA; e Connie Butler, curadora-chefe, O Museu Hammer; com Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Assistente Curatorial, e Beatriz Rabelo Olivetti, Assistente Curatorial do Departamento de desenhos e gravuras, MoMA. 

Organized by Luis Pérez-Oramas, The Estrellita Brodsky Curator of Latin American Art, MoMA; and Connie Butler, Chief Curator, Hammer Museum; with Geaninne Gutiérrez-Guimarães, Curatorial Assistant, and Beatriz Rabelo Olivetti, Curatorial Assistant, Department of Drawings and Prints, MoMA.

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988) wearing Máscara abismo com tapa-olhos (Abyssal mask with eye-patch, 1968), a work made of fabric, elastic bands, a nylon bag, and a stone. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

Grande apoio para a exposição foi fornecido por Ricardo e Susana Steinbruch, do Fundo das mulheres modernas, Patricia Phelps de Cisneros, Jerry I. Speyer e Katherine G. Farley, Vicky e Joseph Safra Foundation, ea Diane e Bruce Halle Foundation.

Major support for the exhibition is provided by Ricardo and Susana Steinbruch, The Modern Women’s Fund, Patricia Phelps de Cisneros, Jerry I. Speyer and Katherine G. Farley, Vicky and Joseph Safra Foundation, and the Diane and Bruce Halle Foundation.

Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Clark’s proposition Diálogo de mãos (Dialogue of hands, 1966), in use probably by Clark and Hélio Oiticica. The object is made of elastic. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Superfície modulada no. 9 (Modulated surface no. 9), 1957. Industrial paint on wood, 13 x 36 5/8” (33 x 93 cm). Collection Andrea and José Olympio. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Trepante, versão 1 (Climber, version 1), 1965. Aluminum. Dimensions variable, overall approximately 103 9/16 x 57 ½” (263 x 146 cm). Jones Bergamin. Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.



Lygia Clark (Brazilian, 1920-1988). Relógio de sol (Sundial). 1960. Aluminum with gold patina. Dimensions variable, approximately 20 7/8 x 23 x 18 1/8” (52.8 x 58.4 x 45.8 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Rafael Romero. Photo: Jonathan Muzikar.

Lygia Clark (Brazilian, 1920–1988). Planos em superfície modulada no. 2, versão 01 (Planes in modulated surface no. 2, version 1). c. 1957. Industrial paint on wood, 31 ½ x 26 3/4″ (80 x 68 cm). Luiz Paulo Montenegro Collection. Photo credit: Eurides Lula Rodrigues Cardoso, Courtesy Associação Cultural “O Mundo de Lygia Clark,” Rio de Janeiro.

As feras (fauves em francês) enjauladas

Onde descobrimos de onde vem o nome do movimento artístico.

Henri Matisse, Mulher com um Chapéu, 1905 Óleo sobre tela , San Francisco Museum of Modern Art

18 de outubro de 1905 : abertura do Salon d' Automne , em Paris. No entanto, o presidente está ausente na inauguração ... O que teria acontecido que o chefe de Estado se recusa a participar do evento ?

Parece que a culpa recai sobre pinturas do quarto VII ... Entre os grandes mestres do século XIX, como Ingres e Manet, jovens artistas estão expostos.

Respondendo pelos nomes Matisse, Derain, Vlaminck e Marquet, esses gênios estão experimentando novos métodos nos últimos anos. Eles abandonam a perspectiva e a imitação da natureza em favor de cores sólidas. A paleta é viva e se torna matéria. Seu objetivo é a expressividade fora de toda realidade.

André Derain , Vista de Collioure, 1905, óleo sobre tela, 66x82 cm

O choque é difícil para os jornalistas que visitam  a mostra um dia antes da abertura.

Os críticos nos jornais condenam essas " produções absurdas " , " variedades de cores disformes " e " mistura de cera das garrafas e penas de papagaio ".

En haut : Derain et Vlaminck.

En bas : Marquet et Matisse

Em meio a estas obras desafiadoras, um busto de querubim mais acadêmico se destaca. O crítico de arte Louis Vauxcelles, se diverte chamando isso de "Donatello em meio ao fauvistas", em referência ao grande escultor renascentista. 

O público é então levado a descobrir esta "gaiola de fauves" criando tanta confusão. Este termo agora designa esses jovens pintores agrupados sob o termo fauvismo. 

Maurice de Vlaminck, L'Étang de Saint-Cucufa, Huile sur toile, 54x65 cm, Collection Privée

No entanto, o escândalo não dura apenas um ano, os fauvistas são reconhecidos e apreciados. 

Finalmente, o beneficiário real desta campanha jornalística foi o Salão que nunca tinha conhecido tamanha frequência ! 

Albert Marquet, Porto de Menton, 1905 Hermitage Museum 

Para mais informações: 

Sobre Fauvismo - http://www.le-fauvisme.com/

Sobre Matisse - http://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Henri_Matisse/132262 

fonte: artips

Lucas Samaras: oferendas de uma alma inquieta

Lucas Samaras : Oferendas de uma Alma Inquieta, apresenta mais de 60 obras do Metropolitan Museum of Art com rico acervo do trabalho feito por Lucas Samaras .

24 fevereiro - 1 junho de 2014 

Metropolitan Museum of Art Nova Iorque 

Lucas Samaras (American, born Greece, 1936), Untitled, July 3, 1965, Pastel on paper, 12 x 9in. (30.5 x 22.9cm),Frame:58.4 × 43.2 × 3.8 cm, Gift of Arnold and Milly Glimcher, 1986, The Metropolitan Museum of Art (1986.416.13), © Lucas Samaras, courtesy Pace Gallery.

As novas instalações do Museu Metropolitan incluem um presente de 17 objetos que vão do trabalho abstrato de Samaras  da década de 1960 às suas peças recentes digitalizadas.Projetado com a participação do artista, a instalação estão instaladas tanto nas galerias do norte como no mezanino sul na ala Lila Acheson Wallace de arte moderna e contemporânea.

Lucas Samaras (American, born Greece, 1936), Untitled, 1966, Gelatin silver print and pins on cardboard, 31.1 × 23.5 cm, Gift of the Artist, 2014, The Metropolitan Museum of Art (2014.40.3), © Lucas Samaras, courtesy Pace Gallery.

Nascido em 1936 na Grécia, Samaras cresceu em meio ao trauma da Segunda Guerra Mundial e da Guerra Civil grega. Ele se mudou para os Estados Unidos adolescente, estabelecendo-se primeiro em Nova Jersey, antes de se mudar para Nova York .

Ele foi um participante chave nos muitos dos primeiros " Happenings "  encenados por Claes Oldenburg, Allan Kaprow e Jim Dine . Ele foi um dos primeiros artistas a explorar a fotografia Polaroid , quando foi introduzida. Além disso, ele é um desenhista habilidoso, pintor, escultor, cineasta e, mais recentemente é , um criador de fotografias fantasmagóricas brilhantemente coloridas,  que ele tem manipulado digitalmente.

Lucas Samaras (American, born Greece, 1936), Untitled, 1963, Gelatin silver print and pins on Masonite, H. 22.9 x 15.2 cm.), Gift of Arnold and Milly Glimcher, 1986, The Metropolitan Museum of Art (1986.416.14), © Lucas Samaras, courtesy Pace Gallery.

Samaras estudou no famoso Conservatório Stella Adler, em Nova York para atores no final de 1950 . Mesmo que ele nunca tenha se tornado um ator profissional, as fotos preto e branco tiradas para fins promocionais se tornaram base para sua arte. Num retrato de 1963, usando um doe seus implementos favoritos, ele cobriu o seu rosto  - com exceção dos olhos - com centenas de alfinetes.


Lucas Samaras (American, born Greece, 1936), Untitled (Spoon), 1961, Liquid Aluminum and spoon on wood, 76.5 × 60.6 × 1.9 cm, Gift of the Artist, 2014, The Metropolitan Museum of Art (2014.40.5), © Lucas Samaras, courtesy Pace Gallery.

Entre 1962 e 1989 , Samaras fez 135 construções com caixa de alta complexidade. Um dos primeiros exemplos , Caixa n º 10 (1963), é coberta de alfinetes , pequenas molas e fios coloridos. Característica das suas construções de caixas, a Caixa  # 10 se abre para revelar fantásticos , objetos brilhantes em muitos compartimentos escondidos ; Além disso, quando o pequeno botão na parte inferior da tampa é puxado, os rostos são revelados - desta vez emoldurada por um arco-íris de fios.

Lucas Samaras (American, born Greece, 1936), Box #10, May 1963, Mixed Media, Closed: 41.3 × 27.6 × 16.8 cm, 24.8 × 52.1 × 22.9 cm, Gift of the Artist, 2014, The Metropolitan Museum of Art (2014.40.2a–g), © Lucas Samaras, courtesy Pace Gallery.

O artista é conhecido por uma exploração imaginativa da Polaroid. Quando Samaras recebeu uma câmera SX-70 pela Polaroid em 1973 ele disse que foi "um dos maiores presentes que alguém poderia dar um artista." A foto transformação de  (1973) é um de seus primeiros chamados conteúdos Photo-Transformações expirados, cada uma das quais é um auto-retrato de algum modo. 

Lucas Samaras (American, born Greece, 1936), Untitled, 1970, Ink on paper, 25.7 x 16.2cm, Frame: 43.2 × 58.4 × 3.8 cm, Gift of Arnold and Milly Glimcher, 1986, The Metropolitan Museum of Art (1986.416.30), © Lucas Samaras, courtesy Pace Gallery 

Antecipando o Photoshop em 15 anos, o artista é visto com o pulso em seu rosto numa imagem assombrosa criada inteiramente por manipulação das emulsões da superfície da foto antes de secar. Na década de 1980 Samaras fez uma série chamada "Panoramas", usando novamente o filme Polaroid para efeitos muito diferentes, reunindo pedaços de muitas fotografias para criar uma visão de 84 polegadas de sua casa - sua pequena cozinha e seu estudo cheio de ingredientes de seu cotidiano e implementos de sua arte.

Hachura, criando forma com a linha

Hachura é uma das técnicas mais básicas e atemporais na arte. Linhas paralelas desenhadas que sugerem luz ou sombra podendo criar magicamente a ilusão de tridimensionalidade numa superfície bidimensional. Ao variar a espessura, força, curvatura , espaçamento e comprimento das linhas , os artistas podem transmitir forma , sombra, distância , textura e movimento . Hachura! criando forma com a linha, dispõe de 22 destaques da coleção permanente do Museu , que demonstram como as linhas hachuradas podem ser usadas ​​para produzir resultados surpreendentes.

Leonardo da Vinci (Italian, 1452-1519), Caricature of a Man with Bushy Hair, about 1495, Pen and brown ink, 6.6 x 5.4 cm, Accession No. 84.GA.647, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles

J. Paul Getty Museum

Getty Center Los Angeles , CA

11 março - 1 junho de 2014

Charles Samuel Keene (English, 1823-1891), Self-Portrait, about 1845, Pen and brown ink over black chalk, 24.1 x 27.9 cm, Accession No. 2009.95, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

" Ao ver desenhos, as técnicas básicas podem ser negligenciada às vezes, apesar de serem um elemento essencial de alguns dos melhores trabalhos já criados ", explica Timothy Potts , diretor do Museu J. Paul Getty. " Esta exposição , elaborada a partir de exemplos excepcionais de nossa coleção permanente , incluindo uma série de novas aquisições, demonstra como algumas linhas simples, quando habilmente executadas, podem quase magicamente congelar em sólida , a  forma tridimensional. "

Carlo Dolci (Italian (Florentine), 1616-1687), Portrait of a Girl, about 1665, Black and red chalks on cream-colored paper, 15.4 x 12.4 cm, Accession No. 83.GB.374, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Detalhes ampliados de obras da exposição revelam diferentes tipos de hachuramentos, incluindo hachura paralela, contorno, e pontilhada. As variações no estilo de hachura eram comuns. Leonardo da Vinci , por exemplo, sombreava os desenhos com linhas do canto superior esquerdo ao canto inferior direito, em vez da direita para a esquerda. Na caricatura de um homem com cabelo espessos (1495), sua técnica dá lugar a uma figura humorada e delicadamente desenhada - 'cabelo espesso' é suavizado com traços afilados de Da Vinci . Seus alunos e copistas , destros, recorriam frequentemente ao papel de forma que eles pudessem imitar linhas as hachuras canhotas do mestre.

Vincent van Gogh (Dutch, 1853-1890), Portrait of Joseph Roulin, 1888, Reed and quill pens and brown ink and black chalk, 32.1 x 24.4 cm, Accession No. 85.GA.299, Object Credit: The J. Paul Getty Museum, Los Angeles

Comparando as técnicas de hachuras de artistas fornecem insights sobre as diferenças nas abordagens ao longo do tempo . No retrato de Joseph Roulin (1888) , Vincent van Gogh utiliza uma pena com ponta  -para delinear o casaco, chapéu, e as características do carteiro Joseph Roulin . A circularidade do chapéu é feita com uma série de linhas retas curtas dentro de um único contorno forte, enquanto a topografia da face compreende numerosas linhas tracejadas e linhas paralelas cruzadas e pontilhadas. Van Gogh energizava o fundo da composição com linhas em ziguezague traçadas com uma caneta de pena , o que poderia produzir pinceladas mais longas e raspadas.

Federico Barocci (Italian, about 1535-1612), Head of a Boy (recto); Figure Studies (verso), about 1586-1589, Black, red, white and flesh toned chalk (recto); Black chalk (verso), 24.9 x 17.6 cm, Accession No. 94.GB.35, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Em contraste, de Tobias Stimmer • Retrato de um homem barbudo • (1576) usa uma caneta de pena para fazer linhas circulares finas de uma barba e uma densa rede de hachuramento em cruz num chapéu. Quando olhadas com uma lupa , as linhas nascidas neste desenho parecem dançar em padrões abstratos . No entanto, é um testemunho da habilidade do artista como efetivamente as linhas não ilustram apenas as características da babá , mas também o caimneto e as dobras de sua túnica.

Domenico Maria Canuti (Italian, 1620-1684), Sheet of Studies: A Seated Nude Man, A Youthful Head and a Caricature Head of a Man Playing a Pipe, about 1669-1671, 39.5 x 27.6 cm, Accession No. 96.GB.331, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

A diferença de 300 anos entre os desenhos é aparente - de Stimmer precisos e elegantes hachuramentos contra abordagem livre e forte de Van Gogh para barbas indisciplinadas são reflexos das práticas artísticas predominantes do tempo , assim como a mão distinta de cada artista. Ao olhar para os seus respectivos quadros, estilo de desenho de cada artista é muitas vezes sugestiva de sua obra pintada completa.

Attributed to Piero del Pollaiuolo (Italian, about 1443-1496), Portrait of a Young Man, Head and Shoulders, Wearing a Cap, about 1470, Pen and brown ink over black chalk, 36.2 x 22.9 cm, Accession No. 2012.3, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

O hachuramento podeser empregado de maneiras sutis e não tão sutis para produzir resultados igualmente surpreendentes . Dois auto-retratos de diferentes períodos de tempo demonstram as duas abordagens. No Retrato de um homem jovem usando um boné (cerca de 1470) recém- adquirido,atribuído a Piero del Pollaiuolo do Museu, o artista usa linhas paralelas extremamente finas de uma maneira muito livre e específica. A pressão de cada pincelada é modulada cuidadosamente para produzir os efeitos necessários , incluindo o arredondamento do rosto, o chapéu e os traços curtos escuros  nos olhos.

Pierre-Paul Prud'hon (French, 1758-1823), Study of a Female Nude, about 1800, Black and white chalk with stumping on blue paper, 60.3 x 31.8, Accession No. 99.GB.49, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

De longe você mal consegue ver as linhas hachuradas , mas quando você chega perto, fica claro que elas realmente fazem todo o retrato. É um " tour- de-force maravilhoso" , explica Julian Brooks , curador associado de desenhos no Museu J. Paul Getty e curador da exposição .

Tobias Stimmer (Swiss, 1539-1584), Portrait of a Bearded Man, 1576, Pen and black and brown ink over black chalk, 29.8 x 20.8 cm, Accession No. 92.GA.102, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Em contraste, no extraordinário auto-retrato de Charles Samuel Keene de cerca de 1845, o artista usa o hachuramento para criar uma sombra dramática que abrange metade de seu rosto. Keene usa inúmeras linhas tracejadas e cruzadas que se cruzam tão densamente que é quase impossível diferenciá-las. A falta de detalhes que circundam e a natureza do close-up da visão obriga o espectador à proximidade, resultando em uma imagem poderosa e intensa, ainda mais notável dado que o artista tinha apenas 22 anos de idade no momento do desenho. 

Pier Leone Ghezzi (Italian, 1674-1755), Portraits of Serafino and Francesco Falzacappa, about 1720, Black chalk, pen and brown ink, 16.2 x 26.7 cm, Accession No. 2003.8, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Hachura, criando forma com a linha está em exposição de 11 março - 1 junho, 2014, no Paul Getty Museum J., Getty Center. A exposição estará a mostra com uma apresentação especial de Jackson Pollock "Mural", oferecendo um contraponto à moderna técnica de gotejamento de Pollock.

Monogrammist MS (German, active 1557), A Falconer in a Landscape, 1557, Pen and black ink, 15.1 x 21 cm, Accession No. 89.GA.13, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.



Jean-Baptiste Pater (French, 1695-1736), Study of a Seated Woman, about 1730, Red chalk on tan paper, 15.2 x 16.7 cm, Accession No. 86.GB.613, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

A vigarista pega em sua própria armadilha

Onde descobrimos que o importante nem sempre vem à luz.

Manfredi , The Fortune Teller , 1616, Detroit Institute of Arts

A cartomante lê o futuro nas linhas da mão de um homem jovem . Na penumbra , dois personagens suspeitos também estão representados ... O que eles estão fazendo lá?

Enquanto o jogo de luz capta o olhar nos rostos e nas mãos da vidente e de seu cliente , uma conspiração está se formando no fundo!

Detalhe

Primeiro, notamos a velha, entre a cartomante e o cliente. Ele tem uma atitude estranha. Um ar concentrado, talvez?

Ela está tentando roubar a bolsa do jovem de. Sua mão está quase invisível na sombra.

A cartomante tem poderes de premonição ou que distrair um bom patinho ?

Detalhe

Provavelmente, é a segunda opção, porque, obviamente, ela não viu chegar o último personagem ... Ele também é um ladrão, e está no processo de pilhar, com ar de quem não quer nada, à sombra do quadro. 

Sob o seu boné vermelho eriçado que desvia a atenção de suas mãos, ele aproveita da trapaça da vidente para roubar-la, talvez, de um roubo anterior ... 

E ele está tão discreto que deixa o espectador confuso ! 

Bartolomeo Manfredi , Marte castigando Cupido, óleo sobre tela, entre 1605 e 1610 , o Instituto de Arte de Chicago 

Ironicamente, a cartomante usa um colar de coral, uma suposta proteção contra os golpes do destino ... 

Mas, obviamente, não é eficaz contra esse golpe humano. 

Para mais informações: 

Sobre o artista:  http://www.larousse.fr/encyclopedie/peinture/Manfredi/153297

fonte: Artips