Hachura, criando forma com a linha

Hachura é uma das técnicas mais básicas e atemporais na arte. Linhas paralelas desenhadas que sugerem luz ou sombra podendo criar magicamente a ilusão de tridimensionalidade numa superfície bidimensional. Ao variar a espessura, força, curvatura , espaçamento e comprimento das linhas , os artistas podem transmitir forma , sombra, distância , textura e movimento . Hachura! criando forma com a linha, dispõe de 22 destaques da coleção permanente do Museu , que demonstram como as linhas hachuradas podem ser usadas ​​para produzir resultados surpreendentes.

Leonardo da Vinci (Italian, 1452-1519), Caricature of a Man with Bushy Hair, about 1495, Pen and brown ink, 6.6 x 5.4 cm, Accession No. 84.GA.647, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles

J. Paul Getty Museum

Getty Center Los Angeles , CA

11 março - 1 junho de 2014

Charles Samuel Keene (English, 1823-1891), Self-Portrait, about 1845, Pen and brown ink over black chalk, 24.1 x 27.9 cm, Accession No. 2009.95, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

" Ao ver desenhos, as técnicas básicas podem ser negligenciada às vezes, apesar de serem um elemento essencial de alguns dos melhores trabalhos já criados ", explica Timothy Potts , diretor do Museu J. Paul Getty. " Esta exposição , elaborada a partir de exemplos excepcionais de nossa coleção permanente , incluindo uma série de novas aquisições, demonstra como algumas linhas simples, quando habilmente executadas, podem quase magicamente congelar em sólida , a  forma tridimensional. "

Carlo Dolci (Italian (Florentine), 1616-1687), Portrait of a Girl, about 1665, Black and red chalks on cream-colored paper, 15.4 x 12.4 cm, Accession No. 83.GB.374, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Detalhes ampliados de obras da exposição revelam diferentes tipos de hachuramentos, incluindo hachura paralela, contorno, e pontilhada. As variações no estilo de hachura eram comuns. Leonardo da Vinci , por exemplo, sombreava os desenhos com linhas do canto superior esquerdo ao canto inferior direito, em vez da direita para a esquerda. Na caricatura de um homem com cabelo espessos (1495), sua técnica dá lugar a uma figura humorada e delicadamente desenhada - 'cabelo espesso' é suavizado com traços afilados de Da Vinci . Seus alunos e copistas , destros, recorriam frequentemente ao papel de forma que eles pudessem imitar linhas as hachuras canhotas do mestre.

Vincent van Gogh (Dutch, 1853-1890), Portrait of Joseph Roulin, 1888, Reed and quill pens and brown ink and black chalk, 32.1 x 24.4 cm, Accession No. 85.GA.299, Object Credit: The J. Paul Getty Museum, Los Angeles

Comparando as técnicas de hachuras de artistas fornecem insights sobre as diferenças nas abordagens ao longo do tempo . No retrato de Joseph Roulin (1888) , Vincent van Gogh utiliza uma pena com ponta  -para delinear o casaco, chapéu, e as características do carteiro Joseph Roulin . A circularidade do chapéu é feita com uma série de linhas retas curtas dentro de um único contorno forte, enquanto a topografia da face compreende numerosas linhas tracejadas e linhas paralelas cruzadas e pontilhadas. Van Gogh energizava o fundo da composição com linhas em ziguezague traçadas com uma caneta de pena , o que poderia produzir pinceladas mais longas e raspadas.

Federico Barocci (Italian, about 1535-1612), Head of a Boy (recto); Figure Studies (verso), about 1586-1589, Black, red, white and flesh toned chalk (recto); Black chalk (verso), 24.9 x 17.6 cm, Accession No. 94.GB.35, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Em contraste, de Tobias Stimmer • Retrato de um homem barbudo • (1576) usa uma caneta de pena para fazer linhas circulares finas de uma barba e uma densa rede de hachuramento em cruz num chapéu. Quando olhadas com uma lupa , as linhas nascidas neste desenho parecem dançar em padrões abstratos . No entanto, é um testemunho da habilidade do artista como efetivamente as linhas não ilustram apenas as características da babá , mas também o caimneto e as dobras de sua túnica.

Domenico Maria Canuti (Italian, 1620-1684), Sheet of Studies: A Seated Nude Man, A Youthful Head and a Caricature Head of a Man Playing a Pipe, about 1669-1671, 39.5 x 27.6 cm, Accession No. 96.GB.331, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

A diferença de 300 anos entre os desenhos é aparente - de Stimmer precisos e elegantes hachuramentos contra abordagem livre e forte de Van Gogh para barbas indisciplinadas são reflexos das práticas artísticas predominantes do tempo , assim como a mão distinta de cada artista. Ao olhar para os seus respectivos quadros, estilo de desenho de cada artista é muitas vezes sugestiva de sua obra pintada completa.

Attributed to Piero del Pollaiuolo (Italian, about 1443-1496), Portrait of a Young Man, Head and Shoulders, Wearing a Cap, about 1470, Pen and brown ink over black chalk, 36.2 x 22.9 cm, Accession No. 2012.3, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

O hachuramento podeser empregado de maneiras sutis e não tão sutis para produzir resultados igualmente surpreendentes . Dois auto-retratos de diferentes períodos de tempo demonstram as duas abordagens. No Retrato de um homem jovem usando um boné (cerca de 1470) recém- adquirido,atribuído a Piero del Pollaiuolo do Museu, o artista usa linhas paralelas extremamente finas de uma maneira muito livre e específica. A pressão de cada pincelada é modulada cuidadosamente para produzir os efeitos necessários , incluindo o arredondamento do rosto, o chapéu e os traços curtos escuros  nos olhos.

Pierre-Paul Prud'hon (French, 1758-1823), Study of a Female Nude, about 1800, Black and white chalk with stumping on blue paper, 60.3 x 31.8, Accession No. 99.GB.49, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

De longe você mal consegue ver as linhas hachuradas , mas quando você chega perto, fica claro que elas realmente fazem todo o retrato. É um " tour- de-force maravilhoso" , explica Julian Brooks , curador associado de desenhos no Museu J. Paul Getty e curador da exposição .

Tobias Stimmer (Swiss, 1539-1584), Portrait of a Bearded Man, 1576, Pen and black and brown ink over black chalk, 29.8 x 20.8 cm, Accession No. 92.GA.102, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Em contraste, no extraordinário auto-retrato de Charles Samuel Keene de cerca de 1845, o artista usa o hachuramento para criar uma sombra dramática que abrange metade de seu rosto. Keene usa inúmeras linhas tracejadas e cruzadas que se cruzam tão densamente que é quase impossível diferenciá-las. A falta de detalhes que circundam e a natureza do close-up da visão obriga o espectador à proximidade, resultando em uma imagem poderosa e intensa, ainda mais notável dado que o artista tinha apenas 22 anos de idade no momento do desenho. 

Pier Leone Ghezzi (Italian, 1674-1755), Portraits of Serafino and Francesco Falzacappa, about 1720, Black chalk, pen and brown ink, 16.2 x 26.7 cm, Accession No. 2003.8, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Hachura, criando forma com a linha está em exposição de 11 março - 1 junho, 2014, no Paul Getty Museum J., Getty Center. A exposição estará a mostra com uma apresentação especial de Jackson Pollock "Mural", oferecendo um contraponto à moderna técnica de gotejamento de Pollock.

Monogrammist MS (German, active 1557), A Falconer in a Landscape, 1557, Pen and black ink, 15.1 x 21 cm, Accession No. 89.GA.13, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.



Jean-Baptiste Pater (French, 1695-1736), Study of a Seated Woman, about 1730, Red chalk on tan paper, 15.2 x 16.7 cm, Accession No. 86.GB.613, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Vincent van Gogh: Íris

Vincent van Gogh: Íris

Algumas das obras mais conhecidas de todos os tempos foram pintadas pelo artista holandês pós-impressionista, Vincent Willem Van Gogh (1853 -1890). Íris está entre as mais reconhecidas de suas peças.

Saint-Paul Asylum, Saint-Rémy (Van Gogh series)

Em 8 de maio de 1889, Vincent Van Gogh se comprometeu com o asilo em Saint Paul-de-Mausole em Saint-Remy, França, depois de muitos casos de hospitalização e de auto-mutilação. Durante a sua estada, pintou cerca de 130 quadros com os jardins e clínica tornando-se seus principais temas de pintura. Entre estes estavam o famoso The Starry Night (Noite Estrelada) e Íris.

Saint-Paul Asylum, Saint-Rémy (Van Gogh series)

Inspirado pela natureza que o cercava, Van Gogh começou seu trabalho com Íris na primeira semana de sua estadia no asilo. Íris foi provavelmente influenciada por gravuras japonesas que foram produzidas a partir do século 17.

 Hiroshige (1797-1858)

Como muitos artistas de sua época Van Gogh foi influenciado pelas obras japonesas. O uso de contornos negros em Íris é um elemento típico de gravuras japonesas. Ele ajudou a reforçar o poder expressivo da pintura.

vincent van gogh self portrait

Não há desenhos conhecidos da peça, provavelmente porque Van Gogh não considerou uma obra de arte, mas simplesmente um estudo. Ao receber o irmão de Van Gogh a tela, Theo, apresentou, juntamente com A Noite Estrelada, para o Salão dos Independentes, em setembro de 1889.

Os Últimos Dias de Pompéia: Decadência, Apocalipse, Ressurreição

Giorgio Sommer, Italian, born Germany, 1834-1914, Cast of a Dog Killed by the Eruption of Mount Vesuvius, Pompeii, about 1874, Albumen silver print, Image: 19.5 x 25.2 cm, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, 84.XP.677.31.

J. Paul Getty Villa
12 setembro, 2012, 07 de janeiro de 2013



Francesco Netti, Italian, 1832-1894, Gladiator Fight during a Meal at Pompeii, 1880, Oil on canvas, Unframed: 115 x 208 cm, Museo di Capodimonte, Naples, Fototeca della Soprintendenza Speciale per il PSAE e per il Polo, Museale della cittá di Napoli, VEX.2012.2.40.

Destruida e preservada pela erupção do Vesúvio em 79 dC, Pompéia e suas cidades vizinhas fornecem um vivo vislumbre nas vidas diárias dos antigos romanos. Exposições sobre a arqueologia de Pompéia têm sido numerosas e populares, mas nunca antes uma exposição explorou a influência deste desastre antigo na imaginação moderna.

Pierre-Henri de Valenciennes, French, 1750-1819, The Eruption of Vesuvius August 24, 79 A.D., 1813, Oil on canvas, Unframed: 147.5 x 195.5 cm, Toulouse, Musée des Augustins, Photo: Daniel Martin, VEX.2012.2.67.

Destroyed yet preserved by the eruption of Mount Vesuvius in A.D. 79, Pompeii and its neighboring cities provide a vivid glimpse into the daily lives of ancient Romans. Exhibitions about the archaeology of Pompeii have been numerous and popular but never before has an exhibition explored the influence of this ancient disaster on the modern imagination.



Unknown, American B-25 Mitchell Bombers Flying Past Vesuvius, 1944, Gelatin silver print, Image: 11.3 x 14.7 cm, Archive of Raymond D. Yusi, Army Corps of Engineers, VEX.2012.2.47.

Desde a redescoberta do local no início de 1700, quatro séculos de grandes artistas - Piranesi, Fragonard, Ingres, e Alma-Tadema a Duchamp, Dalí, Rothko, Warhol, e Gormley – se  inspiraram e re-imaginaram  em diversas mídias, incluindo pinturas, gravuras, esculturas, fotografias e filmes.



Sebastian Pether, English, 1790-1844, Eruption of Vesuvius with Destruction of a Roman City, 1824, Oil on canvas; frame with wood; attachments imitating lava,Unframed: 71.4 x 92 cm, Museum of Fine Arts, Boston. Grant Walker Fund.


Since the rediscovery of the site in the early 1700s, four centuries of leading artists— from Piranesi, Fragonard, Ingres, and Alma-Tadema to Duchamp, Dalí, Rothko, Warhol, and Gormley — have been inspired to re-imagine it in diverse media, including paintings, prints, sculpture, photographs, and film.

Antony Gormley, English, born 1950, Untitled, 2002, Mild steel blocks, Object: H: 45 x W: 189 x D: 53 cm, Weight: 491.6258 lb.), Collection of Asher Waldfogel and Helyn MacLean, Photograph by Stephen White, London, © Antony Gormley, VEX.2012.2.95.

Os Últimos Dias de Pompéia: Decadência, Ressurreição Apocalipse, apresenta Pompéia e outros locais do Vesúvio como um fascínio moderno, em vez de se concentrar em seu passado histórico. Organizada em torno de três temas - apocalipse decadência, e ressurreição - a exposição aborda o legado potente e contínua de Pompéia no imaginário moderno.



Andy Warhol, American, 1928-1987, Mount Vesuvius, 1985, Acrylic and silkscreen ink on linen, Unframed: 72.4 x 81.3 cm, The Andy Warhol Museum, Pittsburgh; Founding Collection, Contribution The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc., © 2012 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York, VEX.2012.2.59.

The Last Days of Pompeii: Decadence, Apocalypse, Resurrection presents Pompeii and the other Vesuvian sites as a modern fascination rather than focusing on their historical past. Organized around three themes — decadence, apocalypse, and resurrection — this exhibition addresses the potent and continuing legacy of Pompeii in the modern imagination.



Giovanni Maria Benzoni, Italian, 1809-1873, Flight from Pompeii, 1873, Marble, Object: H: 108.5 x W: 68.6 cm, The Art Institute of Chicago, Photography © The Art Institute of Chicago, VEX.2012.2.16.



Unknown maker, Cast of Gradiva, early 1900s, Plaster, Object: 77 x 42 cm, The Freud Museum London, VEX.2012.2.30.



Lawrence Alma-Tadema, Dutch, 1836-1912, Glaucus and Nydia, 1867, Oil on wood panel, Unframed: 39 x 64.3 cm, The Cleveland Museum of Art, Gift of Mr. and Mrs. Noah L. Butkin,, 1977.128, The Cleveland Museum of Art, VEX.2012.2.23.

Florença no Alvorecer do Renascimento: Pinturas e Iluminuras, 1300-1350

Bernardo Daddi, Italian (Florentine), active about 1312-1348, The Virgin Mary with Saints Thomas Aquinas and Paul, about 1330, Tempera and gold leaf on panel, Framed (with original engaged frame): 121.6 x 113 cm, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, 93.PB.16.

J. Paul Getty Museum

The Getty Center, Los Angeles

13 de novembro de 2012 a 10 de fevereiro, 2013

Pacino di Bonaguida, Italian (Florentine), active about 1303-about 1347, Saint Agnes Enthroned and Scenes from Her Legend, about 1340, Tempera, gold leaf, and ink on parchment, Leaf: 42 x 29.9 cm, The British Library © The British Library Board (Additional Ms. 18196), EX.2012.2.41.

Na primeira metade do século 14, Florença foi posicionada como um centro florescente da produção artística, especialmente na pintura e manuscritos iluminados  Florença no alvorecer do Renascimento: Pinturas e Iluminuras, 1300-1350, é uma exposição com grandes empréstimos internacionais e apresenta os mais proeminentes artistas florentinos da época  e o maior agrupamento de pinturas do mestre florentino Giotto di Bondone já exibida na América do Norte.

Pacino di Bonaguida, Italian (Florentine), active about 1303-about 1347, The Apparition of Saint Michael, about 1340, Tempera, gold leaf, and ink on parchment, Leaf: 43.8 x 32.2 cm, The British Library, © The British Library Board (Additional Ms. 35254B), EX.2012.2.42.


In the first half of the 14th century, Florence was positioned as a flourishing center of artistic production, especially in painting and manuscript illumination. Florence at the Dawn of the Renaissance: Painting and Illumination, 1300-1350, a major international loan exhibition, presents the most prominent Florentine artists of this era, and features the largest grouping of paintings by Florentine master Giotto di Bondone exhibited in North America.

Master of the Dominican Effigies, Italian, active about 1325-about 1355, Dante Alighieri, Italian, about 1265-1321, Divine Comedy, 1337, Tempera, gold leaf, and ink on parchment, Leaf: 37.2 x 26.5 cm, Closed: 38.8 x 27.4 x 5.5 cm, Archivio Storico Civico e Biblioteca Trivulziana, Archivio Storico Civico e Biblioteca Trivulziana – Comune di Milano, all rights reserved, EX.2012.2.31.

A exposição centra-se em artistas que trabalhavam como pintores do painel e iluminadores manuscrito, examinando esses meios lado a lado, oferecendo um novo olhar sobre a comunidade artística, que deu origem ao renascimento italiano.

The exhibition focuses on artists who worked as panel painters and manuscript illuminators, examining these media side by side, offering a fresh look at the artistic community that gave rise to the Italian Renaissance.


Giotto di Bondone, Italian, about 1267-1337, The Virgin and Child with Saints and Allegorical Figures, about 1330, Tempera and gold leaf on panel, Unframed: 38.4 x 26 cm, Private Collection, Image courtesy of Wildenstein & Co., Inc., New York, EX.2012.2.98.

Organizado por J. Paul Getty Museum com Art Gallery of Ontario (AGO), esta exposição grande empréstimo internacional apresenta mais de 90 obras de arte, incluindo pinturas, manuscritos iluminados, e vitrais e apresenta novas descobertas sobre técnicas de artistas e práticas de oficina com base em pesquisas de conservação e análise científica.

Organized by J. Paul Getty Museum with Art Gallery of Ontario (AGO), this major international loan exhibition features more than 90 works of art, including paintings, illuminated manuscripts, and stained glass and presents new findings about artists’ techniques and workshop practices based on conservation research and scientific analysis.



Bernardo Daddi, Italian (Florentine), active about 1312-1348, A Crowned Virgin Martyr, about 1340, Tempera and gold leaf on panel, Unframed: 61.6 x 30.5 cm, Fine Arts Museums of San Francisco, Gift of the Samuel H. Kress Foundation (61.44.1), © Fine Arts Museums of San Francisco, EX.2012.2.47

Artistas em exposição incluem Giotto di Bondone (cerca de 1267-1337), Taddeo Gaddi (cerca de 1300-1366), Pacino di Bonaguida (ativo sobre 1303-cerca de 1347), de Bernardo Daddi (ativo sobre 1312-1348), o mestre do Dominicana Efígies (ativo sobre 1325-1355), e do Mestre do Codex de São Jorge (ativo sobre 1315-cerca de 1335), entre outros. A exposição inclui sete obras de Giotto, o maior agrupamento de suas pinturas já expostas na América do Norte.

Artists in the exhibition include Giotto di Bondone (about 1267-1337), Taddeo Gaddi (about 1300-1366), Pacino di Bonaguida (active about 1303-about 1347), Bernardo Daddi (active about 1312-1348), the Master of the Dominican Effigies (active about 1325-1355), and the Master of the Codex of Saint George (active about 1315-about 1335), among others. The exhibition includes seven works by Giotto, the largest grouping of his paintings ever exhibited in North America.

Giotto di Bondone, Italian, about 1267-1337, Christ Blessing with Saint John the Evangelist, the Virgin Mary, Saint John the Baptist, and Saint Francis (Peruzzi Altarpiece), about 1310-1315, Tempera and gold leaf on panel, Framed: 105.7 x 250.2 x 15.2 cm, North Carolina Museum of Art, Raleigh, Gift of the Samuel H. Kress Foundation (GL.60.17.7), EX.2012.2.58.

Além de uma grande seleção de pinturas de Giotto, Florença no alvorecer da Renascença apresenta a comissão mais importante manuscrito iluminado a partir da primeira metade do século 14, o Laudario de Sant'Agnese.

In addition to a large selection of paintings by Giotto, Florence at the Dawn of the Renaissance presents the most important illuminated manuscript commission from the first half of the 14th century, the Laudario of Sant’Agnese. 

Iluminado por Pacino di Bonaguida eo Mestre do Efígies Dominicana, esta. Lindamente executado e projetado manuscrito iluminado foi desmontado e disperso em algum momento do século 19 As 24 folhas que sobrevivem apresentam uma variedade de imagens celebrando festas cristãs. Esta exposição reúne quase todas as folhas de sobreviventes para a primeira vez.

Illuminated by Pacino di Bonaguida and the Master of the Dominican Effigies, this beautifully executed and designed illuminated manuscript was dismantled and dispersed sometime in the 19th century. The 24 leaves that survive exhibit a variety of imagery celebrating Christian feasts. This exhibition reunites nearly all surviving leaves for the first time.

Uma estranha magia: Salomé de Gustave Moreau

Gustave Moreau (French, 1826-1898). Salome Dancing Before Herod, 1874-76. oil on canvas; 143.5 X 104.3 cm. The Armand Hammer Collection; Gift of the Armand Hammer Foundation, Hammer Museum, Los Angeles. Photo: Robert Wedemeyer.

16 setembro - 9 dezembro, 2012

Hammer Museum - Los Angeles 

Gustave Moreau (French, 1826-1898), Salome Dancing, known as Salome Tattooed, 1874. oil on canvas; 92 x 60 cm. Musée Gustave Moreau, Paris. Photo: Rene-Gabriel Ojeda © Reunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY.

Uma estranha magia: Salomé de Gustave Moreau, é dedicada à pintura a Dança Salomé diante de Herodes, uma das obras mais conhecidas da arte da coleção do museu  Armand Hammer.

A Strange Magic: Gustave Moreau’s Salome, is devoted to Gustave Moreau’s painting Salome Dancing before Herod, one of the best-known works of art in the museum’s Armand Hammer Collection. 

Gustave Moreau (French, 1826-1898). Salome Dancing, ca. 1876. Graphite; 12.9 x 10.9 cm. Musée Gustave Moreau, Paris. Photo: Tony Querrec © Reunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY.

A exposição inclui cerca de 50 obras que acompanham  a pintura do Hammer - incluindo outraa pinturas , desenhos e estudos preparatórios - vindas do acervo do Museu Gustave Moreau, de Paris, muitas das quais nunca antes foram vistos em os EUA

The exhibition includes approximately 50 works to accompany the Hammer’s painting — including related paintings, drawings, and preparatory studies — drawn entirely from the collection of the Gustave Moreau Museum in Paris, many of which have never before been seen in the U.S. 

Gustave Moreau (French, 1826-1898). Study for Salome Dancing before Herod. ca 1876. pen and brown ink, 16 x 11 cm. Musée Gustave Moreau, Paris, Photo: Rene-Gabriel Ojeda © Reunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY.

Uma estranha magia: Salomé de Gustave Moreau foi organizada pelo Museu Hammer em colaboração com o Museu Gustave Moreau , de Paris, e tem curadoria de Cynthia Burlingham, diretora do Grunwald UCLA Centro de Artes Gráficas e do vice-diretor de assuntos de curadoria do Museu Hammer. 

A Strange Magic: Gustave Moreau’s Salome is organized by the Hammer Museum in collaboration with the Gustave Moreau Museum in Paris and is curated by Cynthia Burlingham, director of the UCLA Grunwald Center for the Graphic Arts and deputy director of curatorial affairs at the Hammer Museum. The Hammer is the sole American venue for the exhibition.

Gustave Moreau (French, 1826-1898). Salome Dancing, ca. 1876. Graphite; 12.9 x 10.9 cm. Musée Gustave Moreau, Paris. Photo: Tony Querrec © Reunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY.

"Esta exposição apresenta uma rara oportunidade para um estudo profundo do que muitos consideram ser uma das maiores pinturas Moreau", comenta Cynthia Burlingham. "O trabalho acompanhando a pintura do Hammer revela aspectos-chave do processo do artista e convida a uma compreensão mais íntima e nuances deste grande mestre francês".

“This exhibition presents a rare opportunity for a close, in-depth study of what many consider to be one of Moreau’s greatest paintings,” remarks Cynthia Burlingham. “The work accompanying the Hammer’s painting reveals key aspects of the artist’s process and invites a more intimate and nuanced understanding of this great French master.”

Gustave Moreau (French, 1826-1898), Study for Salome Dancing before Herod, ca. 1876, black chalk, 9.1 x 6.5 cm. Musée Gustave Moreau, Paris. Photo: Rene-Gabriel Ojeda © Reunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY.

Gustave Moreau (1826-1898) fica a parte de seus contemporâneos realistas e impressionistas do século XIX na França, particularmente nas qualidades místicas e enigmáticas que caracterizam suas pinturas de temas bíblicos e mitológicos.

Gustave Moreau (1826-1898) stands apart from his Realist and Impressionist contemporaries in nineteenth-century France, particularly in the mystical and enigmatic qualities that characterize his paintings of biblical and mythological subjects. 

Gustave Moreau (French, 1826-1898), Nude Female Model for Salome (Study for Salome Dancing before Herod), ca. 1876. black chalk, 37.4 x 22.1 cm. Musée Gustave Moreau, Paris. Photo: Tony Querrec © Reunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY.

Pintada entre 1874 e 1876, Dança de Salomé diante de Herodes fez sensação quando foi exibida pela primeira vez em Paris, no Salão de 1876, e é sem dúvida a obra mais importante de Moreau.

Painted between 1874 and 1876, Salome Dancing before Herod created a sensation when it was exhibited for the first time in Paris at the Salon of 1876, and is arguably Moreau’s most important work.

Gustav Moreau (French, 1826-1898), Herod (Study for Salome Dancing Before Herod), ca. 1876. Graphite, squared for transfer: 18.9 x 13 cm. Musée Gustave Moreau, Paris. Photo: Rene-Gabriel Ojeda © Reunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY.

A história da filha de Herodíades, cuja dança sedutora adiante de seu padrasto e tio, Herodes, persuadiu o rei envelhido a conceder-lhe a cabeça de João Batista, é derivado de duas passagens nos Evangelhos de Mateus e Lucas. Salomé dançando a mando de sua mãe Herodias, que queriam silenciar João Batista de ir contra seu casamento incestuoso de Herodes, o irmão de seu marido assassinado.

The story of the daughter of Herodias, whose seductive dance before her stepfather and uncle, Herod, persuaded the aging king to grant her the head of John the Baptist, is derived from two passages in the New Testament Gospels of Matthew and Luke. Salome danced at the behest of her mother Herodias, who wanted to silence John the Baptist from railing against her incestuous marriage to Herod, the brother of her murdered husband.

Paraíso, Inferno e Boa Morte: Imagens da morte na Idade Média

Master of the Chronique scandaleuse (about 1493-1510), Denise Poncher before Death, about 1500, French, Tempera colors, ink and gold on parchment, Leaf: 13.3 x 8.7 cm, 2011.40.156, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. 109, fol. 156

J. Paul Getty Museum - Los Angeles

29 maio - 12 agosto, 2012

Unknown, A Burial, about 1420, French, Tempera colors, gold, and ink on parchment, Leaf: 20.2 x 14.9 cm, 94.ML.26.194, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. 57, fol. 194.

A Idade Média produziu muitas das mais fantásticas e impressionantes imagens da vida, da morte e da pós morte. Representações medievais de demônios cruéis e anjos valentes continuam a encher nosso visual com os horrores do inferno e com as recompensas do céu.

The Middle Ages produced many of the most fantastical and arresting images of death and the afterlife. Medieval depictions of cruel demons, valiant angels, and gruesome deaths continue to inform our visual understanding of the horrors of hell and the rewards of heaven. 

Unknown, The Opening of the Fourth Seal: The Fourth Horseman, about 1255-1260, English, Tempera colors, gold leaf, colored washes, pen and ink on parchment, Leaf: 31.9 x 22.5 cm, 83.MC.72.7v, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. Ludwig III 1, fol. 7v.

Desenhos da coleção permanente do Museu Getty e novas aquisições apresentando várias novas aquisições, Paraíso, Inferno e Boa Morte: Imagens da morte na Idade Média, apresenta uma coleção de manuscritos iluminados com imagens notáveis, vitrais,  livros impressos, e pinturas.

Drawing primarily from the Getty Museum’s permanent collection and featuring several new acquisitions, Heaven, Hell, and Dying Well: Images of Death in the Middle Ages features a collection of remarkable imagery from illuminated manuscripts, stained glass, printed books, and paintings.

Master of the Dresden Prayer Book or workshop (Flemish, active about 1480-1515) and Illuminator Unknown, The Three Living and the Three Dead, about 1480-1485 ?, Flemish, Tempera colors and gold on parchment, Leaf: 20.5 x 14.8 cm, 86.ML.606.146v, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. 23, fol. 146v.

"A morte estava em toda parte na cultura medieval, e a crença inabalável da vida após a morte motivava muito a arte deste Périodo", diz Martin Schwarz, curador da exposição.

“Death was everywhere in medieval culture, and the unshakable belief in an afterlife motivated much of the art we see from this period,” said Martin Schwarz, curator of the exhibition. 

Simon Marmion (Flemish, active 1450-1489), and Attributed to Simon Marmion (Flemish, active 1450-1489), The Beast Acheron, 1475, Franco-Flemish, Tempera colors, gold leaf, gold paint, and ink on parchment, 87.MN.141.17.17, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. 30, fol. 17.

"A centralidade da morte atuava no imaginário popular e religioso em muitos aspectos, da poesia à literatura e às imagens edificantes e aterrorizantes vistas na exposição."

“The centrality of death played out in the popular and religious imagination in many ways, from poetry to literature to the uplifting and terrifying images seen in the exhibition.”

Master of James IV of Scotland (Flemish, before 1465-about 1541) and Unknown, Lazarus's Soul Carried to Abraham, about 1510-1520, Flemish, Tempera colors, gold, and ink on parchment, Leaf: 23.2 x 16.7 cm, Justification: 10.9 x 7.4 cm, 83.ML.114.22, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. Ludwig IX 18, fol. 22.

A exposição apresenta três seções abordando universal e o inescapável fato da morte: A Arte da Morte, A Descida ao Inferno e Danação e a Salvação.

The exhibition features three sections that address the universal and inescapable fact of death: The Art of Death, The Descent into Hell, and Damnation and Salvation.

Follower of Hans Schilling (German, active 1459-1467), and from the Workshop of Diebold Lauber (German, active 1427-1467), The Last Judgment, 1469, Alsatian, Ink, colored washes, and tempera colors on paper, Leaf: 28.6 x 20.3 cm, 83.MR.179.93, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. Ludwig XV 9, fol. 93.

Unknown, Initial D: The Harrowing of Hell, mid-1200s, Flemish, Tempera colors, gold leaf, and ink on parchment, Leaf: 23.5 x 16.5 cm, 85.MK.239.110, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. 14, fol. 110.

Unknown, The Opening of the Fourth Seal: The Fourth Horseman, detail, about 1255-1260, English, Tempera colors, gold leaf, colored washes, pen and ink on parchment, Leaf: 31.9 x 22.5 cm, 83.MC.72.7v, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Ms. Ludwig III 1, fol. 7v.

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